Exposition « Espoir » à Bolzano : L’art du futur

DTrois mannequins vêtus d’élégants costumes câblés avec des électrodes et des casques posés sur la tête partent pour un voyage dans le temps : à Londres dans les années 1960, au secours de leurs grands-parents de l’Holocauste et de la Révolution russe. Ils représentent Rosalind Brodsky (1970-2058), l’alter ego de l’artiste londonienne Suzanne Treister : depuis les années 1990, elle conçoit des stratégies de survie cosmiques, technoïdes et spirituelles, c’est pourquoi elle a déjà envoyé Rosalind en psychothérapie – c’est apparemment plus facile d’entrer dans le futur, une fois que vous avez voyagé vous-même.

Les poupées se trouvent au dernier étage du Museion de Bolzano – le musée d’art contemporain du Tyrol du Sud, qui vient d’inaugurer la dernière partie de sa trilogie d’expositions « Technohumanities ». L’exposition s’intitule « Espoir » et transforme la maison en un vaisseau spatial avec une vision d’un avenir sensible à la communauté, comme cela se reflétait déjà dans les deux expositions précédentes « Techno » et « Royaume de l’Ill » : la première exposition était orientée vers le club techno comme modèle de solidarité et de coexistence, la seconde remettait en question les catégories « malade » et « en bonne santé » et reconnaissait les soins comme base d’une coexistence sociale apaisée.

« L’espoir » se concentre désormais sur le musée lui-même : en tant que lieu de recherche, de transfert de connaissances et de « construction du monde », comme on appelle souvent aujourd’hui la fantasy basée sur la culture du jeu. Le réalisateur Bart van der Heide parle de l’exposition comme d’un « signal d’alarme » et du musée « comme d’un lieu d’appartenance et d’enracinement dans un monde fragmenté » où l’espoir peut devenir une discipline scientifique indépendante. Une affirmation optimiste qui colle à l’architecture légère de la maison ainsi qu’aux soirées techno que le réalisateur a déjà organisées ici, au sous-sol.

Dystopie et déformation

Néanmoins, l’attrait de cette exposition finale réside dans le fait qu’elle embrasse le fragmentaire, le fragile et le « bizarre », c’est-à-dire l’étrange, inhérent aux œuvres de nombreux artistes participants. La nuance dystopique de la science-fiction, attachée au genre au cinéma depuis «Blade Runner» de Ridley Scott, est également perceptible ici, bien que loin d’être aussi sombre que dans le film – mais, selon le commissaire de l’exposition Léonie Radine, la « bizarrerie » est le moyen de briser le statu quo par l’imagination, par la possibilité de penser les choses différemment et de les reformuler visuellement. Et cela fonctionne particulièrement bien grâce à la déformation.

A l’autre bout du dernier étage, là où Rosalind s’apprête à partir, des valises métalliques Rimowa cabossées, ternes et chatoyantes font saillie dans la pièce comme des débris tombés de l’espace : les moules en résine synthétique et papier d’Andrei Koschmieder ressemblent comme les pierres tombales d’une ère mobile de luxe. Ils complètent parfaitement le « Space Junk » de Sonia Leimer, une grosse bille d’acier rompue inspirée de véritables déchets spatiaux.

En 1962, la Roumaine Ana Lupaș conçoit un « Manteau pour atteindre le ciel », une cape en patchwork sur une armature métallique pour l’ascension dans l’espace. Ici, il fait pendant aux immenses capes lumineuses argentées et orange « Soleil » et « Lune » que l’artiste multimédia d’origine marocaine Nicola L. a confectionnées à partir de 1964 pour ses performances féministes-planétaires : du point de vue des étoiles, repenser complètement La terre. Cette section du spectacle s’appelle « Observatoire ».

Triptyque avec cyberpunk

Un étage en dessous, vous vous retrouvez dans « Arcade », dans une Arcadia essentiellement virtuelle. Lawrence Lek et LuYang montrent des sphères générées par ordinateur basées sur la « construction du monde » susmentionnée de l’univers du jeu vidéo. A Lek, l’intelligence artificielle et les fictions spéculatives sont connues sous le nom de « sinofuturisme ». Son paysage bleu chatoyant « Zone Nephtène » vous invite sur une île de bien-être où vous pourrez oublier tous vos soucis.

Moins contemplative, mais également tournée vers l’auto-optimisation, LuYang a construit une chapelle avec des bancs en bois, des bougies, des banderoles et des moniteurs, à travers laquelle vous pourrez vous immerger dans son installation vidéo « Electromagnétique Brainology » : quatre divinités hindoues, débordantes de décor numérique, dansent sur place, comme s’ils attendaient qu’un joueur les active. Comme un triptyque, leurs écrans sont fixés sur le côté d’un grand moniteur central sur lequel un personnage principal mis en scène de manière martiale vante la solution aux maladies mentales – le fond musical est un cyberpunk bruyant et ennuyeux.

Le fait que la techno ait été le point de départ de la trilogie de l’exposition est célébré un étage plus bas dans les « Third Earth Archive » et interprété de manière afrofuturiste : DeForrest Brown, Jr. – auteur du livre « Assembling a Black Counter Culture » et activiste de la campagne au titre douteux « Make Techno Black Again » – en tant que co-commissaire, a rassemblé sur les étagères une chronologie alternative de la techno ainsi qu’une archive de 34 ans de pochettes d’albums du graphiste de Détroit AbuQadim Haqq, accompagnés de son électronique correspondant. Dans ses romans graphiques, Haqq traite du mythe de l’empire Drexciya, une « mythologie auto-autonomisante ou ‘Black Exodus Technology’ pour vaincre la violence coloniale grâce à l’esprit combatif » selon le livret qui l’accompagne et qui commence à la fin du futur.

On peut trouver cette partie de l’exposition peu plausible, car n’étant pas de la même qualité que les autres œuvres et le déroulement de l’exposition, par ailleurs cohérent en termes de contenu et extrêmement sensuel et élégant conçu par le duo de designers Diogo Passarinho. Studio. Mais c’est précisément ce sentiment de « corps étranger », qu’il faut attribuer à une sous-culture spécifique plutôt qu’aux beaux-arts, qui fait trébucher sur sa propre attitude, sur les attentes et les perspectives sur l’art qui nous échappent automatiquement. L’esprit de quelqu’un. « Ouvert », c’est ainsi que la joyeuse enseigne lumineuse de Riccardo Previdi brille au-dessus de l’entrée au rez-de-chaussée, signifiant avant tout l’ouverture d’esprit.

Intrusion de la réalité

Ce sont d’ailleurs les affirmations étonnantes qui créent le suspense de cette exposition. Pour espérer, il faut remettre en question les données, repenser la réalité et être visionnaire. C’est là que réside la nuance spirituelle, ludique et autonome qui imprègne nombre de ses œuvres. La plupart des artistes ici sont inconnus d’un public plus large et leurs œuvres sont bloquées sur le marché – cela donne également des raisons d’espérer, à savoir que les musées peuvent inviter les gens à de longs voyages de découverte au-delà de noms célèbres ou populaires, ce qui n’est pas une donné dans le monde de l’art institutionnel aujourd’hui.

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Et pourtant, face aux événements actuels en Israël, on ne peut s’empêcher de se sentir impuissant au milieu de cette célébration de l’espoir. Ils relèguent impitoyablement l’art au rang de l’utopie et l’éloignent des événements brutaux et réels qu’aucune imagination artistique ne peut arrêter.

Ce sont donc finalement les œuvres de l’artiste franco-algérien Neïl Beloufa qui resteront le plus dans les mémoires : dans une série d’images en relief modernistes en simili cuir, des personnages abstraits peuvent être vus et entendus sur leurs smartphones et tablettes : ils discutent sur la plage du sentiment d’impuissance face à une catastrophe au loin, même si le repos et la détente dans la zone de confort sont plus importants que les catastrophes du monde. La moquerie qui résonne dans cette exposition des structures de pouvoir et des privilèges sociaux envoie en enfer tout espoir d’un monde meilleur, de solidarité et de soins.

“Espoir” est disponible jusqu’au 25 février 2024 Musée Bozen voir.