Le commentaire social de Viswanath et son amour pour l’art classique sont des choses qui peuvent être apprises et empruntées, mais sa main habile qui manœuvre tous ces fils en une seule tapisserie de beauté cohérente lui appartient à lui seul.
Lorsque vous êtes chargé d’écrire sur un homme qui est un véritable maître dans ce qu’il a fait, vos mains planent sur le clavier, ne sachant pas par où commencer. Depuis la disparition récente de K Viswanath, les médias sociaux ont été remplis de vidéos de scènes de ses 50 films, dont la plupart peuvent être considérés comme des chefs-d’œuvre selon la personne à qui vous demandez. Viswanath avait réussi à créer une filmographie foisonnante de cinéma qui tente d’enseigner, sans pour autant rogner sur les attentes du spectateur.
Vous pouvez voir sa vénération pour l’art dans les films dès Kalam Marindi (1972). Des films comme Le Seetha Katha (1974), Siri Siri Mouvva (1976), et Seetamahalaxmi (1978) avaient des personnages pratiquant une certaine forme d’art. Il n’est donc pas étonnant que cet homme ait considéré le cinéma non seulement comme un média de masse, mais comme une forme d’art. C’est ainsi qu’il a fait un film comme Sankarabharanam (1979) — qui s’articule autour d’une forme d’art considérée comme sévère, sérieuse et barbelée de préjugés sociétaux — un véritable succès. Ce blockbuster avait soi-disant revitalisé la passion d’une nation pour la musique et la danse classiques.
Quand on m’a proposé d’écrire un article sur lui, j’ai su que je devais revoir certains de ses films. En tant qu’écrivain sur une date limite, mon intention était un coup d’œil rapide qui me rafraîchirait la mémoire, mais j’ai fini par regarder cinq de ses films presque en une seule fois. Les idées évasives – les personnages prêchent l’inclusivité mais jamais une dénonciation complète du système des castes – embourbées par un regard privilégié sont piquantes à regarder, mais le métier exposé est fascinant. Vous appuyez sur play, et quelques instants plus tard, vous réalisez soudainement que vous êtes dans le film depuis 30 minutes.
Les cinéastes de la génération actuelle qui s’essayent au commentaire social ont du mal à trouver un équilibre parce qu’ils aiment se poser. Ils utilisent un dialogue verbeux pour faire valoir leur point de vue au lieu de passer du temps à écrire un script qui fait passer leur message de manière organique. Tous Saptapadi(1981) Haribabu (Girish Pradhaan) devait faire était de pousser et de tirer un bateau dans l’eau, sans jamais lâcher la corde, pour exprimer son état d’esprit après avoir sacrifié son amour. Regards significatifs et plans de réaction bien juxtaposés, avec une musicalité innée prêtée par une musique de fond bien pensée.
Si les cinéastes d’aujourd’hui peuvent apprendre quelque chose de Viswanath, ils devraient apprendre à pratiquer sa retenue. S’ils peuvent emprunter quoi que ce soit, empruntez ses silences et son sens de l’humour. Swathi Muthyam(1986) Sivayya écrasant le visage d’un assistant en grimpant sur une échelle est amusant sans frapper aucune des personnes impliquées. Ou K Sathyanarayana disant avec désapprobation ‘Lovvara Lovvu’ à son fils impétueux dans Subhalekha (1982).
Ses films ont été un phénomène pour plusieurs raisons. Ses collaborations avec de grands musiciens tels que KV Mahadevan, RD Burman, Ilaiyaraaja et Keeravani, et des dialoguistes tels que Jandhyala et Gollapudi Maruti Rao. D’Arudra à Veturi, et de Seetharama Sastry à Vennela Kanti, il a également travaillé avec de nombreux paroliers talentueux. Son groupe d’acteurs de confiance – Somayajulu, Allu Ramalingaiah, Girish Pradhaan, Dubbing Janaki, SK Misro et Sakshi Ranga Rao.
Le plus souvent, ce qui attire mon attention, ce sont ses techniques de réalisation, la fin de Swathi Muthyam étant un favori. L’appareil photo de Balu Mahendra capture le passage du temps en se concentrant simplement sur l’intensité changeante de la lumière du soleil tombant sur le visage de Manju Bhargavi dans Sankarabharanam. Dans la même scène, lorsque nous revenons sur les jours de gloire de Sankara Sasthry, la transition se produit en transformant le plan d’un Manju Bhargavi pensif en un cadre dynamique qui coule comme une rivière. Il s’accorde avec le rideau de scène, tout en symbolisant le processus du souvenir.
Le codage de genre dans ses films est également fascinant. Les hommes ne sont pas des sauveurs comme on s’y attend. Ses œuvres antérieures ne dépeignent pas du tout la violence. Il utilise le son d’un tambour pour suggérer un combat dans Siri Siri Mouvvatout comme une forme de coupe en L/J dans Subhalekha est utilisé pour indiquer que les hommes de main ont battu le héros. Même lorsqu’il tirait sur la violence, c’était Sambayya qui frappait les hommes avec leurs chappals, seulement pour les réparer lui-même, gratuitement, et les renvoyer chez eux. La plupart d’entre eux ont l’air peu glamour, même s’ils réussissent à faire valoir leur point de vue. La réponse appropriée de Balu (Kamal Haasan) à l’hypothèse méchante de Sailaja au début de Sagara Sangamam (1983) n’est pas diminué par le fait qu’il transpire, probablement de l’alcool, par sa chemise. Son sourcil levé quand il lui demande de nommer la forme de danse respire toujours le swag, malgré sa situation et son comportement. Le problème avec l’art, suggère Viswanath, c’est qu’une fois que vous l’avez, vous devez le faire pour toujours.
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Il avait également un don pour les détails en ce qui concerne ses personnages; même de petits ajouts ou changements les rendent bien arrondis et réels. Comme les conversations entre les sœurs dans Subhalekha, où l’un porte les lunettes de l’autre. Ou comment Jayapradha dans Sagara Sangamam ressemble à une fleur, mais elle se ronge les ongles d’une manière rebutante et, finalement, humaine. Mon moment préféré, cependant, est dans Swayamkrushi (1987) lorsque le personnage de Vijayashanti découvre qu’une banque accorde des prêts aux petites entreprises, et elle court en parler à Sambayya. Mais avant de l’atteindre, elle s’arrête pour en informer un marchand de fruits. Elle n’a pas besoin de faire ça, mais parce qu’elle le fait, nous savons qu’elle est peut-être amoureuse de Sambayya, mais elle est gentille avec tout le monde.
‘La couleur des Védas’ de Sagara Sangamam a Viswanath se réunissant avec deux autres grands – Veturi et Ilaiyaraaja. Balu l’appelle une chanson pieuse méritant une chorégraphie réfléchie. Les responsables ne sont pas d’accord, c’est ainsi que nous obtenons une chanson parodiant la tradition d’un couple tournoyant l’un autour de l’autre. Des jumeaux siamois, s’ils sont attachés par les fesses. C’est amusant de voir les deux devenir maladroitement trop suggestifs avec leur corps; ils essaient même de s’étouffer à un moment donné. Mais à la fin de la chanson, nous revenons à Balu et à son angoisse. Nous obtenons une bonne chanson, quelques rires et voyons Kamal passer du slapstick au sérieux avec sa danse, et nous ne nous écartons jamais de l’intrigue. Son commentaire social et son amour pour l’art classique sont des choses qui peuvent être apprises et empruntées, mais sa main habile qui manœuvre tous ces fils en une seule tapisserie de beauté cohérente lui appartient à lui seul.
Sankeertana est un ingénieur qui a mis quelques années à réaliser que réunir deux belles choses, les films et l’écriture, est aussi génial que cela puisse paraître. Écrit principalement sur le cinéma telugu parce que personne d’autre ne le ferait.
