4 livres d’art sur table basse de 2023 qui sont un régal visuel

Il y a beaucoup d’art à admirer dans ces quatre livres de table très différents.

Présenté dans l’ordre chronologique inverse, nous remontons le temps depuis L’art est l’art — une fabuleuse collection d’œuvres hors des sentiers battus de plus de 100 artistes contemporains neurodivers – jusqu’aux graphismes pop des années 60 et 70 de Milton Glaser, aux designs modernistes finlandais emblématiques d’Aino et Alvar Aalto et une étude mondiale de l’architecture islamique à travers les siècles.

Tous sont révélateurs (et feraient d’excellents cadeaux, si vous cherchez encore).

L’art est l’art : collaborer avec des artistes neurodivers à Creativity Explored

L’art est l’art est un tel ascenseur spirituel. Le studio et la galerie à but non lucratif, Creativity Explored, ont été fondés à San Francisco en 1983 pour s’associer à des artistes handicapés et neurodivers. Leur mission est d’encourager « l’expression de soi sans peur ». Les images, saturées de couleurs et d’émotions fortes, corroborent la vision du groupe : « L’art est l’art, peu importe qui le fait ».

L’ouvrage, réalisé par environ 130 artistes et édité par Ann Kappes, est divisé en 40 chapitres mettant en lumière des thèmes tels que les super-héros, les peurs, le sexe, la surdité, les motifs, la politique, l’art du collage et les fleurs. Tous les quelques chapitres, un artiste individuel est présenté.

Deux sujets populaires sont les animaux et la danse. Parmi les peintures présentées dans « Une curieuse ménagerie », il y a un limier séduisant et un chat lion sauvage mythique. Dans “Soirée Dansante !” plusieurs artistes capturent l’exubérance du lâcher prise lors des séances de rythme et de mouvement qui marquent la fin de chaque semaine de travail au studio. Dans “Medicine Helps”, les étiquettes des flacons d’ordonnances colorés de Camille Holvoet en disent long : “Helps Me Not Ask for Money or Free Food”, lit-on sur l’un d’entre eux. « Confusion anti-émotionnelle », lit-on dans un autre. Ses gâteaux de fête vibrants ressemblent à quelque chose que vous pourriez trouver dans un livre de Maira Kalman.

Figurine POP Milton Glaser

Milton Glaser POP, par Steven Heller, Mirko Ilic et Beth Kleber, explore le travail phénoménalement prolifique du graphiste pop de l’ère pop, qui s’étend sur les années 1960 et 1970. C’est une période qui inclut sa célèbre affiche de Bob Dylan, avec la silhouette du chanteur surmontée de rubans ondulés de cheveux multicolores. En feuilletant ce livre, vous serez enclin à être d’accord avec les auteurs selon lesquels la « virtuosité collaborative » de Glaser avec l’artiste Seymour Chwast dans leur studio Push Pin « a fait pour l’illustration et le graphisme ce que John Lennon et Paul McCartney ont fait pour la musique pop ».

Les affiches, publicités, pochettes d’albums et couvertures de livres de Glaser étaient omniprésentes. De même, ses couvertures pour New York magazine, qu’il a cofondé avec Clay Felker en 1968.

Si vous êtes allé au lycée au cours des 60 dernières années, il y a de fortes chances que vous ayez découvert Shakespeare grâce aux éditions de poche Signet Classic, dont les couvertures présentent les croquis à l’encre distinctifs de Glaser rehaussés de touches de couleur. La plupart coûtaient moins d’un dollar pièce lorsqu’il les a créés en 1963. Ils sont toujours disponibles, au moins en ligne, à 5,95 $ pièce. Illustration de Glaser de Antoine et Cléopâtre reste remarquable, avec les amants malheureux dessinés dans des silhouettes étroitement superposées, comme une paire de danseuses sur glace. La coiffe à rayures colorées et l’eye-liner exotique de Cléopâtre évoquent Elizabeth Taylor dans le film de 1963.

Pour exécuter tout ce travail, Glaser (1929-2020) a conçu de nombreuses polices aux noms fantaisistes, notamment Babycurls, Babyfat et Babyteeth. Mais il reste surtout connu pour son logo au cœur rouge I Love New York, créé pour encourager le tourisme lorsque sa ville natale était en déclin à la fin des années 1970. C’est devenu un cri de ralliement après le 11 septembre et, au cours de ses près de 50 ans d’existence, il a engendré des milliers de variantes.

Aino + Alvar Aalto

La biographie illustrée de Heikki Aalto-Alanen sur ses grands-parents, les architectes et designers finlandais du XXe siècle Aino et Alvar Aalto, montre clairement à quel point Aino était fondamental dans leur vision intégrée.

En fait, Aino + Alvar Aalto est une histoire d’amour, enrichie non seulement par des photographies personnelles et des images de leurs créations modernistes, mais aussi par les lettres que le couple s’est échangées.

Les Aaltos ont tous deux étudié l’architecture à l’Université de technologie d’Helsinki. Ils se sont mariés en 1924 et ont travaillé en étroite collaboration jusqu’à la mort d’Aino des suites d’un cancer du sein en 1949. Leur dévouement à une esthétique moderniste a été partagé dès le début, qu’il s’agisse de la conception de grandes commandes publiques ou de leurs chaises et tabourets en bois courbé, toujours populaires, et des vases ondulants d’Aalto. , qu’ils ont créé dans les années 1930.

Heikki Aalto-Alanen et sa mère Johanna ont découvert le trésor privé de lettres du couple alors qu’ils vidaient la maison familiale à Helsinki après le décès de la seconde épouse d’Alvar en 1994. (Alvar est décédé en 1976.) Les lettres manuscrites, adressées à “Mon cher petit Aino” et “Cher petit Alvar”, écrits alors qu’Alvar était en voyage d’affaires, étaient remplis d’un mélange de nouvelles familiales et de mises à jour sur leur travail. (Aino est resté à Helsinki avec leurs deux enfants et a supervisé des projets locaux.)

Malheureusement, la correspondance très citée du couple est imprimée en caractères pâles sur du papier bleu, ce qui est dur pour les yeux. Heureusement, ce n’est pas le cas des images de leur travail ou des photographies des Aaltos à la maison, au travail et lors de leurs voyages en tant qu’ambassadeurs du design finlandais moderne.

À ne pas manquer, une page de plusieurs pages présentant un projet relativement précoce, le Sanatorium contre la tuberculose à Paimio, dans le sud-ouest de la Finlande. Avec une façade séduisante et ondulée et de profondes terrasses ensoleillées construites pour maximiser la lumière du soleil et l’air frais pour ses patients, ses intérieurs sont meublés avec des designs Aalto, y compris les lits, les lavabos inclinés à un angle de 45 degrés pour minimiser le bruit et les éclaboussures, et le fauteuils Paimio en contreplaqué de bouleau courbé sinueusement, dont le dossier était incliné à 110 degrés pour aider les personnes assises à respirer plus facilement. Les très convoités fauteuils Paimio sont en production continue depuis 90 ans.

Architecture islamique : une histoire mondiale

L’histoire richement illustrée d’Eric Broug, Architecture islamique, s’étend sur 1 400 ans et sur la planète entière. Organisé en six régions géographiques, il offre une preuve graphique de « l’immense richesse et diversité mondiales » de l’Islam.

Les critères d’inclusion de Broug sont « la beauté, l’intérêt visuel et la pertinence ». En juxtaposant une mosquée omeyyade à Damas, en Syrie, datant de 715 de notre ère, avec un espace de prière dans le Centre d’études et de recherche pétrolières du roi Abdallah à Riyad, en Arabie Saoudite, conçu par Zaha Hadid en 2017, il souligne que toutes les architectures islamiques remarquables ne sont pas toutes remarquables. est ancien.

Parmi les autres monuments modernes figurent le Louvre Abu Dhabi de l’architecte styliste Jean Nouvel, datant également de 2017, et le Musée d’art islamique de Doha, au Qatar, conçu par IM Pei à 90 ans et construit en 2008 sur une péninsule artificielle de la baie de Doha. Également construite en 2017, la mosquée en béton coulé de sept étages de Kashef Chowdhury à Dhaka, au Bangladesh, conçue verticalement pour accueillir davantage de fidèles sur son petit site, ressemble de l’extérieur à un immeuble de bureaux.

Si certaines mosquées ressemblent à des sièges sociaux d’entreprise, l’usine de tabac et de cigarettes Yenidze à Dresde, en Allemagne, a été construite en 1909 pour ressembler à une mosquée en forme de dôme. En effet, en 1909, il était interdit de construire à Dresde des usines qui ressemblaient à des usines. Le minaret est en réalité la cheminée de l’usine. Endommagé par les frappes aériennes en 1945, il a été restauré après la réunification allemande en 1990 et transformé en immeuble de bureaux.

La mosquée bien plus connue mais loin d’être la plus belle de ce livre est la Taj Mahal, construite à Agra, en Inde, au XVIIe siècle. La plupart des monuments les plus importants de l’architecture islamique ont été construits en Iran aux Xe et XIIIe siècles, notamment la mosquée du vendredi de Yazd, en Iran, aux riches motifs, avec ses deux hauts minarets et son entrée voûtée aux carreaux bleus. La Grande Mosquée de Djenné, au Mali, datant du XIIIe siècle, est remarquablement différente. Il s’agit de la plus grande structure autoportante en briques crues et en plâtre d’argile au monde. Autre curiosité – dans ce livre plein de trésors et de surprises – est la salle arabe de la fin du XIXe siècle du château de Cardiff, au Pays de Galles, dont tout le plafond en niche est recouvert de véritables feuilles d’or.