A l’époque de Richard Wagner Anneau cycle est conçu, il est emporté par les révolutions de 1848 et écrit des articles anticléricaux et protosocialistes. Alors qu’il était en exil, à la suite de la révolution réprimée, il écrivait : « De même que l’art des Grecs renfermait l’esprit d’une grande nation, l’art du futur devrait aussi exprimer l’esprit d’une humanité libérée qui dépasse les limites de la nationalité. ”
La conception originale plaçait le héros Siegfried comme rôle central tout au long du cycle. Il devait détruire une société corrompue par l’or et le pouvoir, proclamant un nouvel ordre social fondé sur l’amour. Cependant, Wagner en est venu à considérer cette idée comme désespérément utopique, remplaçant Siegfried par le dieu Wotan, qui représente l’ancien ordre du monde, s’efforçant avec obstination vers sa propre destruction. Le manque d’amour, la soif de pouvoir et l’impuissance du personnage central à empêcher la ruine du monde ont transformé un drame héroïque optimiste en une élégie complexe du pessimisme.
L’Opéra de Dallas a lancé une nouvelle production de l’or du Rhin, la première des quatre œuvres composant l’épopée colossale de Wagner, représentation du vendredi soir à l’Opéra de Winspear. Avec des décors de l’Opéra d’Atlanta et l’aide de Dallas Stage Scenery, la mise en scène mêle les paysages oniriques flamboyants de la fantaisie et des traditions à la froideur industrielle de l’imagerie familière et moderne. Le réalisateur Tomer Zvulun présente le mythe antique d’une manière qui célèbre les intentions artistiques du compositeur, posant l’universalité et l’intemporalité de la légende comme un véhicule pour analyser de manière critique les terribles vérités du temps présent.
La représentation de vendredi soir a livré certains des chants et des créations musicales les plus électrisants de l’Opéra de Dallas depuis de nombreuses années. Avec la fosse ouverte à sa position «Wagner» la plus complète, le directeur musical Emmanuel Villaume a dirigé l’orchestre de 96 musiciens dans une forme superbe. Ensemble, ils ont navigué dans le paysage dense de la partition de Wagner avec des sonorités luxuriantes et une clarté motivique. La vision musicale des trois principaux décors de l’opéra – le Rhin étincelant, les salles célestes de Valhalla et les mécanisations escarpées de Nibelheim – a été habilement interprétée et traduite avec une immédiateté remarquable.
Nicholas Brownlee était la vedette vocale de la soirée en tant que Wotan. Faisant preuve d’une maîtrise et d’un talent artistiques absolus, le baryton-basse a chanté avec une puissance de résonance qui gonflait sans effort pour remplir chaque crevasse de la salle, puis se contractait sur un piano feutré et concentré. Sa couleur était constamment riche et son phrasé élastique, avec une profondeur qui faisait que le souverain des dieux semblait affectueusement vulnérable, et donc, effrayant à raconter. Son interprétation de la dernière aria de Wotan « Le soir, l’œil du soleil rayonne » était particulièrement captivante et sublime.
Dépeignant son repoussoir – le nain avide de pouvoir et lubrique et seigneur dictateur des Nibelungs, Alberich – le baryton Michael Mayes était tout aussi expressif quoique plus léger. Parfois, le baryton de Mayes était recouvert d’un accompagnement assez dense de la fosse. Pourtant, son engagement profond envers le personnage a donné une représentation difficile à détacher des yeux. Ses talents dramatiques se sont manifestés dans les nombreux aspects du drawf – grandiloquents, belliqueux et comiques.
Loge, le demi-dieu du feu méprisé et conseiller manipulateur de Wotan, a été incarné avec talent par le ténor Brenton Ryan. Son interprétation de ce méchant avait une tendance populiste, faisant écho à celle de Loki de Marvel, tel que décrit par Tom Hiddleston. Son ton glissant à pointe argentée correspondait à la nature espiègle et ludique de son phrasé, commandant une lueur qui se heurtait notamment, peut-être intentionnellement, à la chaleur et au corps du reste des hôtes célestes. Ryan a bien fait de se démarquer, visuellement et auditivement, de ses compatriotes, alertant immédiatement le public sur la connivence et la ruse du personnage.
La mezzo-soprano Amanda Echalaz, dans le rôle de Fricka, l’épouse de Wotan, a exercé une puissance et une amplitude qui ont résisté habilement à celles de son compagnon. Elle était tendre et chaleureuse, avec une rotation qui la transportait facilement dans les registres supérieurs sur les grandes fortes. La soprano Karen Slack a donné à Freia, la déesse de l’amour et demoiselle en détresse, un drame émotionnel dans sa panique et sa consternation.
Les basses Solomon Howard et Peixin Chen ont donné des représentations solides des géants Fafner et Fasolt, respectivement. Leur présence sur scène, cependant, était un peu raide, probablement en raison de l’encombrement de leurs costumes et de leurs manières géantes. Mime, le frère lâche d’Alberich, a apporté un peu de légèreté à travers la représentation du ténor Barry Banks. Il était charmant et léger, dénotant la timidité et la peur toujours constantes du rôle.
l’énor Robert Stahley dans le rôle de Frohe et le baryton Joseph Barron dans le rôle du dieu du tonnerre Donner, ont apporté un soutien solide. Le camée de Contralto Lindsay Ammann dans le rôle d’Erda, la mère de la terre primitive prédisant, était affectueux et chaleureux. Chantant dans les coulisses à travers un voile de rideau avare, elle portait avec agilité le poids requis qui suggérait la plénitude de Gaïa.
La soprano Diana Newman, la mezzo-soprano Lindsay Kate Brown et la soprano Hannah Ludwig ont formé un excellent trio en tant que Rhinemaidens Woglinde, Wellgunde et Flosshilde, respectivement. Lorsque les premières voix ont été entendues, elles ont correctement préparé le terrain pour des actes passionnants de maîtrise vocale, et leur mélange a produit un effet obsédant et inquiétant.
Les costumes de Mattie Ullrich ont fonctionné à merveille contre la scénographie d’Erhard Rom. L’effet était un peu terre-à-terre, augmenté de projections qui penchaient davantage vers la modernité. À l’exception de quelques problèmes techniques, il a fusionné dans un cadre qui était, en effet, intemporel, tout en conservant un sentiment d’immédiateté. La chorégraphie de combat aurait pu être exécutée avec un peu plus d’enthousiasme.
l’or du Rhin sera répété à 14 h le dimanche et à 19 h 30 le mercredi et le samedi. dallasopera.org
