« Nous montrons la version complète. J’intègre tous les restes de la partition qui sommeillent encore dans les archives de Moscou. » L’annonce du metteur en scène russe Dmitri Tcherniakov pour sa production de « Guerre et paix » de Prokofiev avec son compatriote et directeur général de la musique Vladimir Jurowski à l’Opéra d’État de Bavière à Munich pourrait presque être pris comme une menace.
Cet opéra monstrueux si brutal et bruyant, si perdu et prétentieux, si vide de propagande et délicat par rapport, oui, tout aussi ambivalent que le 20e siècle. Un enfant de la douleur, non seulement joué extrêmement rarement en Allemagne, a traversé le populisme soviétique et a toujours échoué aux dirigeants de l’époque.
Cette épopée d’amour et de bataille intégrale, basée sur le roman panoramique tentaculaire de Léon Tolstoï, qui est néanmoins réduit à un synopsis plus un bruit de bataille, a 14 rôles féminins et 45 rôles masculins, dont certains sont épisodiques.
C’est probablement l’opéra le plus monumental de l’histoire du théâtre musical, composé par un revirement politique douteux dont la femme et librettiste lui a probablement été assignée comme agent du KGB. Il a commencé en 1941 sous l’impression de l’invasion allemande. Comme un phare encourageant que devrait interpréter la victoire de 1812 contre Napoléon comme un bon oracle pour le nouveau Bonaparte Staline. Lorsque Prokoïev meurt en 1953 – il meurt le même jour que Joseph Staline – l’opus n’est toujours pas vraiment terminé.
Et maintenant, un an après l’invasion de l’Ukraine par les Russes, cette production planifiée de longue date, maintenant bien sûr modifiée par le cours des événements mondiaux, sort à Munich. Exactement à l’occasion du 70e anniversaire de la mort de Prokofiev et de Staline.
Pour la finale, il est apparemment inhumé dans la figure de soldat terne du maréchal Kutuzov (joufflu convaincant: Dmitry Ulyanov) qui a remporté la victoire contre Napoléon (Dmitry Ulyanov) dans la salle à colonnes de la Maison des syndicats de Moscou sur une sorte de communiste catafalque entre drapeaux, bibles de Lénine et verdure. Ceci est accompagné du refrain final super patriotique “Nous avons réduit l’ennemi en poussière. Gloire de la patrie, la sainte patrie » entonné un peu grossièrement seulement instrumentalement par une fanfare.
Qui joue pour qui ? Scène de “Guerre et Paix”
Quelle: W.Hoesl
Est-ce suffisant? La bataille de Borodino comme « exercice militaire national » ? Une soirée mémorable, impressionnante, quelque peu déconcertante de distanciation et de points d’interrogation est terminée. Une équipe russe est maintenant prête à s’incliner (le chef d’orchestre a momentanément rompu avec sa patrie, le metteur en scène n’y est pas allé depuis le début de la guerre). Les amants malheureux Natasha (touchante jeune : Olga Kulchynska) et Andrej (touchant sérieux : Andrei Zhilikhovsky), elle est ukrainienne, il est moldave, porte maintenant des T-shirts avec les armoiries nationales ukrainiennes. Leur drapeau flotte également sur le pignon de l’Opéra d’État avec Apollon et les neuf muses. Et ils sont accueillis par des applaudissements retentissants et complètement dépaysés. Pas très long, mais respectueux quand même.
“Guerre et Paix” n’a même pas vraiment été mis en scène ici. On assistait à un jeu placebo, un « comme si » qui, tel un théâtre sur un théâtre, avec ses allusions et ses banderoles de fête en cyrillique, n’était finalement compris que par les nombreux Russes présents. Mais c’est précisément ce devoir d’échouer qui montre une fois de plus la vulnérabilité et l’importance de l’art, dans lequel il n’y a souvent ni noir ni blanc, ni bien ni mal, ce qui ne peut parfois que susciter des pistes de réflexion, des suggestions. Et cette soirée épuisante y est certainement parvenue.
Mais surtout, il démasque le style médiocre de la partition de Prokofiev prise dans les filets du pouvoir et des modes musicales comme à la loupe. Ce n’est pas du réalisme moderne ni du réalisme socialiste. Une valse de balle fatiguée souffle sur les 13 scènes comme seule mélodie et rappel des grands ballets de Prokofiev (la dixième a été complètement supprimée). L’immense tableau de personnages, qui commence par une invocation du printemps et se termine par la destruction et la mort totales, bien que victorieuses, de nombreux protagonistes, ne suscite ni pitié ni empathie.
Performances poignantes des chanteurs
Il serpente de manière trop épisodique superficiellement et uniformément. On capitule déjà devant la longueur de la distribution avec 43 chanteurs, parmi lesquels se distinguent Violeta Urmana et Sergei Leiferkus : Absolument aussi le comte Pierre brisé et désespéré, à qui Arsen Soghomonyan donne un profil poignant.
Il s’agit d’une performance d’ensemble incroyablement cohérente. C’est aussi formidable de voir comment Vladimir Jurowski, qui défile toujours comme un maréchal devant son orchestre, maîtrise cette épopée sonore tentaculaire, comment il recherche le lyrisme et l’intimité dans les scènes d’amour fragiles, comment il donne de la noblesse à l’aristocratique tourmenté avec lassitude. salle de bal.
Et comment, surtout dans la deuxième partie, il a dirigé tout le tumulte de la bataille, les lambeaux d’agitation, les chœurs patriotiques, les tumultes, les mouvements d’évasion de manière flagrante et tranchante, mais jamais comme une propagande de surprise réjouissante. La musique ne s’améliore pas ainsi, mais elle est déformée pour être reconnue comme un lubrifiant dans une œuvre pourtant douteuse.
Mais comment Dmitri Tcherniakov veut-il raconter et exposer cela en même temps ? Au vu de la nécessité d’effacer ou d’aliéner les pires stalinismes pour ne pas être suspecté d’une lecture fidèle à Poutine, mais aussi pour ne pas détruire la pièce et juste la rendre ridicule. L’effort, toujours à la limite de la frivolité, serait bien trop grand pour cela.
Le réalisateur n’a pas réussi à marcher sur cette corde raide, et probablement pas non plus. Une fois de plus, il s’évade dans l’aliénation. C’est ainsi que l’on voit le lieu méticuleusement copié, si important pour l’histoire soviétique, où la noblesse était autrefois célébrée. Mais que le communisme a incorporé et transformé – à travers des célébrations, des bazars, des concerts, des procès-spectacles et la disposition des meilleurs camarades de Lénine à Staline en passant par Brejnev et Gorbatchev – dans sa splendeur typique de classicisme blanc brisé de colonnes corinthiennes et de lustres gigantesques. Qui aussi, enveloppé de noir dans la deuxième partie, peut déclencher dramatiquement des éclairs de guerre.
Dedans, un – Russe ? – Compagnie de réfugiés raisonnablement confortablement meublée entre lits de campagne, matelas, tentes et chaises de théâtre. Vous portez le chic post-socialiste de la classe moyenne. Apparemment, elle joue l’histoire de la haute société de Tolstoï pour se divertir. L’action est d’abord entre parenthèses, n’est que suggérée, commentée à distance. Lorsque la paix est suivie de la guerre après la pause, cela devient beaucoup plus réaliste, avec des fusils, des poches de sang et des fusillades. L’agression, l’agitation et, dans le cas de Napoléon (Tomás Tomásson), présenté comme un troll français, règnent en maîtres.
Imprégné de populisme soviétique, mais raté : scène de « Guerre et paix »
Quelle: W.Hoesl
Mais qui joue pour qui ici ? Et surtout dans quel but ? Cela n’est jamais clarifié entre l’apparition du père Frost, beaucoup de folklore marxiste et les rituels soviétiques, qui rendent la longue soirée quelque peu ennuyeuse avec le temps.
Ce colosse presque désespérément indécis et pas vraiment maniable d’opéra tordu en son contraire sur des pieds d’argile, il montre au contraire l’impossibilité et la nécessité d’un engagement artistique avec le présent immédiat. Qui peut aussi être admiré en cas d’échec.
