Que vous en soyez conscient ou non, si vous êtes un amoureux de ce qui vient à la vie vibrante dans un espace vide, votre expérience a été nourrie par Brook. “L’espace vide”, en fait, est le titre de son célèbre livre, le volume mince qui a formé des générations de réalisateurs, d’acteurs, de concepteurs et de spectateurs aux possibilités infinies et aventureuses de se réunir dans une pièce pour l’enrichissement de l’âme.
“Un homme traverse cet espace vide pendant que quelqu’un d’autre le regarde, et c’est tout ce qui est nécessaire pour qu’un acte de théâtre soit engagé”, a écrit Brook. Cette phrase est gravée en marbre figuratif sur les murs de chaque salle de répétition, salle de classe d’école de théâtre, auditorium conventionnel ou entrepôt réaménagé dans lequel le théâtre se déroule. La déclaration était une caractéristique permanente de son propre talent artistique, qui l’a emmené dans une sorte de voyage inverse, de certaines des plus grandes salles de sa profession à des salles beaucoup plus humbles.
“Il déclare que le théâtre est la forme d’art des êtres humains”, a déclaré dimanche Gregory Mosher, le réalisateur récompensé par Tony et ami depuis 50 ans, à propos de la philosophie de Brook. « Nous parlons de la complexité d’être en vie. C’est le théâtre, et ce mystère – parce que les gens sont un mystère – était une quête de toute une vie pour lui.
Brook n’était pas contenu par des théories. Il a donné l’exemple. En 1970, il révolutionne le regard sur Shakespeare en mettant en scène « Le Songe d’une nuit d’été » dans une boîte blanche (conçue par Sally Jacobs) avec des acteurs aux trapèzes. (Parmi eux, Ben Kingsley, Frances de la Tour et, un an plus tard, Patrick Stewart.) La production de la Royal Shakespeare Company a supprimé les « limites » du vocabulaire de la mise en scène classique, un service controversé qu’il a rendu à nouveau de manière éblouissante une décennie plus tard pour opéra, avec une version compressée et restructurée de « La Tragédie de Carmen » de Bizet sur tapis et sable.
Il surpassa Brecht-ed Brecht avec « Marat/Sade » de Peter Weiss pour la RSC dans les années 1960, un coup de théâtre fracassant avec Glenda Jackson en tant que détenue à l’asile et Patrick Magee en marquis de Sade. Il s’est audacieusement aventuré plus loin pour l’inspiration textuelle, avec une production de neuf heures de l’épopée sanskrite “Le Mahabharata”. Au sommet de sa gloire dans les années 70, il s’installe à Paris au Théâtre des Bouffes du Nordle lieu qui allait être son moteur créatif pendant une grande partie de sa carrière en perpétuelle métamorphose.
“Il avait travaillé avec les plus grands acteurs de langue anglaise et s’en est éloigné”, a observé Mosher, maintenant professeur et directeur du département de théâtre au Hunter College de Manhattan. “Il s’est assis dans un vieux théâtre incendié du nord de Paris et, avec ce groupe, a essayé de comprendre ce qu’était le théâtre – à une époque où il était le metteur en scène le plus important de langue anglaise.”
Brook a inventé l’expression de mise en garde “théâtre mortel”, qui existe comme un défi pour chaque réalisateur et acteur. Brook était à la fois un showman invétéré – il possédait Tonys à la fois pour «Marat / Sade» et «Midsummer» – et un défenseur de ceux qui venaient après lui, exhortant qu’ils ne soient pas retenus par la coutume. « On parle du cinéma qui tue le théâtre », écrit-il dans “L’espace vide” en 1968, “et dans cette phrase nous nous référons au théâtre tel qu’il était quand le cinéma est né, un théâtre de box-office, foyer, sièges rabattables, rampes, changements de scène, intervalles, musique, comme si le théâtre était par définition ceux-ci et un peu plus.
Son travail avec le texte était sans pareil; son 1962 Production RSC du « Roi Lear » par exemple, mettant en vedette l’incomparable Paul Scofield (et plus tard transformé en film) a présenté une tragédie d’une froideur austère et interdisant. Cette inclination pour l’authenticité de la langue n’a pas forcément donné de la grandeur : sa version dépouillée de “The Cherry Orchard” à la Brooklyn Academy of Music en 1988, interprétée dans un environnement des plus dépouillés, sur des tapis persans, préfigurait d’autres reprises minimalistes de Tchekhov. . Mais cela s’est avéré une séance fastidieusement longue, alourdie peut-être par une traduction décevante.
C’était cependant un indicateur de la trajectoire de Brook en tant qu’artiste de théâtre, alors qu’il intensifiait sa recherche dans ses dernières années de ce qui est essentiellement humain dans l’espace vide. En 2005, Mosher, alors au Barnard College, a apporté “Tierno Bokar” de Brook, une fable sur un ascète musulman, se déroulant dans un village d’Afrique de l’Ouest, dans un gymnase reconverti du collège. Ce dont je me souviens le plus, c’est son immobilité et mes efforts infructueux pour ajuster mon métabolisme hyperactif à ses rythmes doux. En réfléchissant aux prescriptions visionnaires de Brook, je me demande si, en ces temps turbulents, je serais mieux à même d’apprécier la main tendue d’une autre culture.
Là encore, dans ce qui s’avérerait être une exposition crépusculaire de la grandeur de Brook, on pouvait sentir la plénitude du parcours de ce réalisateur incomparable. “The Suit”, présenté au Kennedy Center en 2014, une histoire sud-africaine de Can Themba (avec une mise en scène et une musique de Brook, Marie-Hélène Estienne et Franck Krawczyk), semblait faire corps avec les réflexions de longue date de Brook sur le potentiel illimité du théâtre. . L’histoire raconte la vengeance qu’un mari cocu exerce sur sa femme, sous la forme d’un costume que son amant a laissé derrière lui. Cela m’a incité à écrire : « Le costume, appuyé sur une chaise à table, les bras pendant librement, ressemble à un cadavre. Et quand nous le regardons, ce que nous voyons est une sorte de mort – la dépouille mortelle d’une union troublée.
Ce mystère de la complexité humaine est ce qui animait Brook. La puissance lyrique de cette soirée me rappelle les mots avec lesquels il termine « The Empty Space » :
“Au théâtre, ‘si’ est la vérité”, écrit-il. « Quand on est persuadé de croire en cette vérité, alors le théâtre et la vie ne font qu’un. C’est un objectif élevé. Cela ressemble à un travail acharné. Jouer demande beaucoup de travail. Mais quand nous vivons le travail comme un jeu, alors ce n’est plus du travail. Un jeu est un jeu.
Personne n’a joué avec plus de joie et de liberté que Peter Brook.
