AVIGNON, France — Après deux ans de perturbations liées à la pandémie, le Festival d’Avignon est bel et bien de retour. Alors que l’événement, un point culminant de longue date du calendrier théâtral européen, a débuté ici la semaine dernière, il y avait des sites familiers partout. Tout autour du petit centre-ville, des foules bourdonnantes envahissaient les rues, tandis que des habitués blasés zigzaguaient entre les artistes distribuant des dépliants pour quelque 1 570 productions Fringe.
C’est 500 spectacles de plus que l’an dernier, lorsque le Fringe en accès libre – connu sous le nom de “le Off”, et fonctionnant en parallèle avec le programme officiel du Festival d’Avignon, “le In” – a tenté de retrouver ses marques après l’annulation de l’édition 2020. . Alors que les cas de coronavirus augmentent à nouveau ce mois-ci en France, même les masques ont été rares dans la chaleur d’Avignon.
Dans la programmation “In”, une première mondiale a capturé l’ambiance bruyante mieux que toute autre. “One Song”, développé par l’artiste belge Miet Warlop au théâtre belge NTGent, est bruyant, absurde et extrêmement divertissant – bien qu’un peu troublant. Il exige des prouesses surhumaines de la part d’un groupe de musiciens, habillés comme des compétiteurs sportifs, qui sont tour à tour acclamés et hurlés par des artistes présentés comme des fans zélés, devant un arbitre marmonnant.
Un contrebassiste joue de son instrument horizontalement tout en faisant des abdominaux ; un de ses collègues doit sauter de haut en bas pour atteindre un clavier placé au-dessus de sa tête. Un métronome donne le tempo souvent sauvage du « one song » de la production, composé par Maarten Van Cauwenberghe, que le groupe interprète en boucle. Cela pourrait difficilement être plus littéral : ses lignes d’ouverture sont “Cours pour ta vie/’Til you die”.
Vers la fin de la performance que j’ai vue, les extrêmes physiques que Warlop pousse son casting à exécuter sont devenus un peu trop réels. Une violoniste qui joue sur une poutre haute, parfois en équilibre sur une jambe, est devenue désorientée après avoir sauté de la poutre et s’est cognée violemment la tête contre celle-ci. Malgré le risque de commotion cérébrale, elle a remonté et a continué, le visage crispé par la douleur.
Lorsque le spectacle s’est terminé avec une grande partie de la distribution effondrée d’épuisement, l’ovation debout instantanée pour le spectacle était plus que méritée, mais cela ressemblait aussi à “The Hunger Games” pour les amateurs de théâtre. Pourtant, c’est une production classique d’Avignon : mûre pour débattre jusque tard dans la nuit.
D’autres productions de la programmation officielle ont été moins vivifiantes, mais ensemble, elles ont constitué un respectable tour d’honneur pour le directeur artistique sortant du Festival d’Avignon, l’écrivain et metteur en scène français Olivier Py. Son mandat de huit ans a été confus, avec des querelles sur le manque de réalisatrices de l’événement et plusieurs premières mal conçues sur les plus grandes scènes d’Avignon.
Cela était particulièrement vrai des productions de la Cour d’Honneur en plein air, une scène majestueuse à l’intérieur du Palais des Papes de la ville. Cet été, cependant, Py a corrigé sa trajectoire avec un spectacle très médiatisé et stimulant, “The Black Monk” de Kirill Serebrennikov.
Ce n’est pas que la guerre figure dans “The Black Monk”, qui est basé sur une nouvelle de 1894 d’Anton Tchekhov. Malgré son ampleur – quatre parties, une durée de près de trois heures et un casting élargi de 22 à Avignon – il est de nature plus personnelle que politique, et principalement axé sur la descente d’un homme, Kovrin, dans le délire et la mégalomanie.
Chaque partie du spectacle se concentre sur la perspective d’un seul personnage. Il y a d’abord Yegor, le tuteur de l’enfance de Kovrin ; puis Tanya, la fille de Yegor, qui épouse Kovrin. Il fait un mari terrible, sans surprise, et dans les troisième et quatrième parties, son hallucination récurrente – un moine noir – envahit la scène ainsi que l’esprit de Kovrin.
À mi-chemin, la structure commence à se répéter et quelques personnes sont sorties en conséquence. Pourtant, Serebrennikov pivote sagement vers une approche plus lyrique en seconde période avec un grand chœur de chanteurs et de danseurs, tous en capuchons de moine noir. Le résultat remplit avec justesse la vaste scène de la Cour d’honneur et témoigne du savoir-faire évident de Serebrennikov et de sa passion pour les personnages, bien que la chorégraphie reste trop générique pour mener pleinement la pièce à sa destination.
Sur d’autres scènes, l’ambiance était également morose, comme elle l’a souvent été sous Py. « Iphigénie », mise en scène à l’Opéra d’Avignon, est un clin d’œil furtif au successeur de Py, l’écrivain et metteur en scène portugais Thiago Rodrigues. La réalisatrice, Anne Théron, a opté pour la relecture par Rodrigues en 2015 du mythe d’Iphigénie, sacrifiée par les Grecs en échange du vent nécessaire pour les transporter à travers la mer jusqu’à Troie. C’est une version délicate et évocatrice, racontée par des personnages qui se souviennent – ou refusent de se souvenir – de l’histoire même au moment où elle se déroule, comme si la tragédie devait se reproduire encore et encore.
Le sacrifice d’enfants figure également dans “Milk” de Bashar Murkus, bien que dans un contexte très différent. Murkus, un jeune réalisateur palestinien basé à Haïfa, a pris le lait maternel comme métaphore centrale de cette œuvre sans paroles sur les mères en deuil. Les femmes sur scène bercent les mannequins, lentement puis frénétiquement ; le lait coule des faux seins qu’elles portent, remplissant finalement la scène. Le résultat est plein de tableaux saisissants, malgré une partition musicale en dessous de la moyenne.
Pour un théâtre dynamique et énergique, cependant, le mieux reste de se plonger dans les offres hétéroclites de Fringe. Cette année, par exemple, neuf compagnies de l’île française de la Réunion, dans l’océan Indien, se sont réunies pour présenter une mini-série de spectacles vivifiante.
Une compagnie, Sakidi, interprète « Le jeu de l’amour et du hasard » de Marivaux, une comédie française classique du XVIIIe siècle, dans la langue créole parlée à la Réunion (avec sous-titres). Le créole réunionnais est très peu présent sur les scènes françaises, et cette mise en scène pétillante de Lolita Tergémina, au théâtre de la Chapelle du Verbe Incarné, laisse penser que c’est dommage. Étant donné que la langue est fortement influencée par le français, une grande partie est compréhensible sans les sous-titres, et la traduction est pleine d’images qui redonnent à Marivaux une sensation de fraîcheur.
De nouvelles pièces françaises viennent souvent à Avignon pour un essai, aussi, et dans un théâtre appelé 11, le dramaturge Jean-Christophe Dollé a décroché un tube avec “Phone Me”. Cette histoire intergénérationnelle bien conçue tourne autour de ce qui ressemble maintenant à un artefact du XXe siècle, la cabine téléphonique. Il y a trois sur scène ainsi que trois personnages centraux – un membre de la Résistance française pendant la Seconde Guerre mondiale et son fils et sa petite-fille, dans les années 1980 et 1990 – dont les secrets convergent dans ce décor improbable.
Parmi 1 570 spectacles, il y a un plaisir particulier à tomber sur un joyau comme “Téléphonez-moi” ou “Contes des fées”, une production lumineuse et familiale à l’Espace Alya. Metteuse en scène et érudite Aurore Evain fait partie d’un mouvement français visant à se réapproprier l’héritage d’artistes féminines oubliées, et à Avignon, elle a fait revivre deux contes de fées de l’écrivaine du XVIIe siècle Marie-Catherine d’Aulnoy.
Sur une petite scène de poche, un lundi midi, les trois comédiens et musiciens d’Evain ont amené à la vie fantaisiste une reine exigeante, un prince gentil et des animaux très serviables. Appelez cela une pincée de poussière de fée vintage d’Avignon : il y en avait certainement dans l’air.
Festival d’Avignon. Divers lieux, jusqu’au 26 juillet.
Off d’Avignon. Divers lieux, jusqu’au 30 juillet.
