Il y a une perception commune que le genre large de la musique classique est “mort”. Ce sentiment n’est pas nouveau : lorsque le compositeur et critique musical du XVIIIe siècle Robert Schumann doublé un jeune Johannes Brahms, successeur de Ludwig van Beethoven à la fin du 19ème siècle, il a tacitement suggéré que Beethoven était le sommet de la musique à ce point. Quand Brahms lutté sous le poids de ces attentes, en prenant 20 ans pour composer sa première symphonie, il a commencé à sembler que l’âge de Beethoven était un sommet insurmontable de la musique.
Schumann et Brahms sont morts il y a plus de cent ans, mais la tendance à la baisse perçue de la musique classique a persisté en raison de la public vieillissantle défi auquel sont confrontés les orchestres pour maintenir solvabilité financière et la mesure dans laquelle Beethoven et d’autres compositeurs de l’ère romantique morts depuis longtemps continuent à éclipser compositeurs modernes. Mais la musique classique est-elle vraiment mourant? Le récent concert de l’Orchestre philharmonique de Berlin Résidence d’Ann Arbor suggérerait exactement le contraire. Pendant leur séjour à Ann Arbor, l’orchestre a donné vie à certaines des compositions classiques les plus grandes et les plus sous-estimées, et a engagé la communauté locale, attirant un vaste public à la fois lors de leurs performances au Hill Auditorium et lors de plusieurs masterclasses à l’école de musique de l’Université du Michigan, Théâtre & Danse.
Pour ouvrir sa série de deux concerts à Hill, l’Orchestre philharmonique de Berlin a présenté l’œuvre du compositeur moderne né à Grand Rapids André Normandinterprétant sa pièce de 2008 «Décollé.” La pièce, nommée d’après une ligne emblématique de Kurt Vonnegut “Abattoir-Cinq», traduit parfaitement le suspense chaotique du voyage dans le temps du roman sous forme musicale, avec différentes idées musicales se répétant de manière imprévisible dans des voix variées tout au long de sa brève durée. La pièce était une excellente vitrine pour l’acoustique époustouflante de Hill Auditorium. Dans ses moments les plus doux, les notes pizzicato délicatement placées pouvaient être entendues tout aussi clairement des premières rangées du rez-de-chaussée jusqu’au fond de l’auditorium. Dans les moments les plus bruyants de la pièce, les différents instruments étaient parfaitement équilibrés et nets.
Après « Unstuck », violon solo Noah Bendix-Balgley a dirigé l’Orchestre philharmonique de Berlin dans une interprétation de “Concerto pour violon n° 1,” une pièce peu jouée qui est l’une des premières œuvres de Mozart, composée alors qu’il était encore adolescent. Pour les fans du style ordonné et enrégimenté de la musique classique maîtrisée par Mozart, Bendix-Balgley et la performance du Phil de Berlin n’étaient rien de moins que la perfection, établissant la norme sur la façon dont Mozart devrait être joué. Pour ceux qui trouvent Mozart ennuyeux et prévisible, le jeu solo varié et magistral de Bendix-Balgley était plus que suffisant pour garder la pièce captivante. De plus, les cornistes Stefan Dohr et Sarah Willis s’est démarqué pour les bonnes raisons, clouant parfaitement une partie d’accompagnement traîtreusement élevée et exposée dans l’orchestre condensé sans le soutien des trompettes ou des cuivres graves.
Les deux temps forts des concerts de l’Orchestre philharmonique de Berlin ont sans aucun doute été leurs brillantes interprétations de Eric Korngold‘s “Symphonie en fa dièse majeur” et Gustave Mahler‘s “Symphonie n° 7 en mi mineur,” deux chefs-d’œuvre méconnus de compositeurs de renom. Dans leur interprétation de la symphonie de Korngold, le Phil de Berlin a magnifiquement capturé l’angoisse d’un compositeur de musique de film autrichien pris entre des mouvements politiques et artistiques, un innovateur hollywoodien qui a regardé de loin dans les années 1930 la guerre ravager sa patrie. Dans le format symphonique éprouvé, Korngold brouille les frontières entre romantisme et modernisme. De manière romantique, le premier mouvement introduit des motifs mélodiques qui se reproduisent tout au long de la symphonie, mais ces motifs présentent souvent une tonalité et des rythmes irréguliers, comme la puissante ligne de cor qui apparaît presque isolée vers le début et la fin de la symphonie. De plus, Korngold incorpore plusieurs tropes de musique de film dans la symphonie – parfois, il est impossible de ne pas entendre les similitudes entre Korngold et le plus jeune Jean Williams.
Pour compléter les programmes de concerts de l’Orchestre philharmonique de Berlin, leur interprétation de la septième symphonie de Mahler était absolument impressionnante. Après avoir poussé la musique symphonique jusqu’ici avec ses incroyables six premières symphonies, la septième de Mahler voit le compositeur reculer considérablement par rapport à ses grandes œuvres. Il n’y a pas de chœur, pas d’orgue, pas de cuivres en coulisses et pas de marteaumais il conserve toujours un son unique mettant en vedette des raretés orchestrales à la guitare, à la mandoline et au cor ténor, un instrument de cuivre semblable à l’euphonium.
Au fur et à mesure que la pièce progresse dans ses quatre premiers mouvements, elle change magnifiquement et progressivement de couleur, passant d’audacieux et pompeux à serein et apaisant. Chaque mouvement apporte quelque chose de distinctif à la pièce : le premier mouvement présente l’explosivité classique de Mahler avec de grands moments de cuivres pour cor ténor et trombone basse ; le second le contraste fortement et établit le thème nocturne de la symphonie ; le troisième mouvement du scherzo est un incroyable amalgame d’idées musicales complexes simultanées. Peut-être par coïncidence, le beau et pastoral quatrième mouvement en fa majeur présente une ressemblance modérée avec le “Symphonie pastorale en fa majeur” et de Bach « Pastorale en fa majeur» pour orgue, notamment à cause des motifs d’accords brisés présents dans les trois œuvres. Mais Mahler semble réaliser le motif le plus efficacement en le donnant aux instruments à cordes pincées – guitare, mandoline et harpe. Concluant la symphonie, Mahler parodie avec brio Richard Wagner et subvertit l’attente avec une série de fausses fins dans un cinquième mouvement glorieux qui restaure le niveau d’énergie établi dans l’ouverture de la symphonie.
Grace à Société musicale universitaire (UMS), des orchestres de classe mondiale se rendent régulièrement à l’Auditorium Ann Arbor’s Hill, mais la récente résidence de l’Orchestre philharmonique de Berlin restera dans les mémoires pendant des années comme un incroyable week-end de musique et un triomphe pour l’UMS deux ans après la disparition du COVID-19 leur visite prévue auparavant. Non seulement les musiciens de l’orchestre ont montré leur talent musical irréel, mais ils se sont engagés directement avec la communauté dans leurs masterclasses exceptionnelles et engageantes. Il est impossible de savoir à quoi ressemblera la musique classique dans les années à venir. Peut-être que la prophétie de Schumann se réalisera enfin et que l’ombre de Ludwig van Beethoven enveloppera tout dans les ténèbres, ou peut-être que les jeunes générations cesseront simplement de se soucier de cette forme d’art. Indépendamment de ce que l’avenir nous réserve, nous avons actuellement d’innombrables musiciens et orchestres d’élite ; en tête du peloton, comme ils l’ont démontré à Ann Arbor le week-end dernier, se trouve l’Orchestre philharmonique de Berlin.
Jack Moeser, écrivain du Daily Arts, peut être contacté au [email protected]
