La clinique ne pouvait pas être moins clinique. Dans la nouvelle pièce extrêmement agréable de Dipo Baruwa-Etti, le mot s’applique à un foyer anglo-nigérian de la classe moyenne aux opinions tumultueuses. L’action commence le 60e anniversaire de Segun, le père de famille. Segun est un thérapeute, joué de manière divertissante avec une suffisance agile par Maynard Eziashi, qui produit des livres d’auto-assistance lucratifs. Sa femme, Tiwa, est interprétée par Donna Berlin, qui mêle à merveille complaisance et air oppressé. Elle est une dispensatrice de thé légendairement stimulante, elle-même une thérapeute en herbe, et sur le point d’être approvisionnée par une patiente : Wunmi, une jeune mère qui, après la mort de son mari, se sent suicidaire et se voit offrir un abri. “Nous avons de l’influence”, déclare Tiwa en privé. “Entre nous, nous sommes comme une clinique.”
C’est Ore, la fille de Tiwa et jeune médecin, qui a fait entrer Wumni dans la vie de sa mère (elle travaillait à l’hôpital où est décédé le mari de Wumni, victime du racisme institutionnel). Elle est excellemment interprétée par Gloria Obianyo avec une grâce rebelle qui ne peut dissimuler son conformisme par défaut. Ore est en désaccord avec son frère policier, Bayo (un animé Simon Manyonda), et sa femme, Amina (en conflit avec Mercy Ojelade), une députée travailliste. Mais c’est Wumni qui prouvera la carte la plus folle du peloton, une militante scandalisée de se découvrir parmi les électeurs conservateurs. Elle est jouée avec une puissance oscillante – timide et audacieuse – par Toyin Ayedun-Alase.
La caractérisation est profonde mais l’intrigue s’amincit bientôt; l’amour soudain entre Segun et Wunmi semble peu enraciné, le débat politique superficiel et le symbolisme du feu (la cuisine swish du designer Paul Wills comprend des bandes lumineuses clignotantes) surmené. Pourtant, les atouts de la pièce dépassent de loin ses défauts. Il est satisfaisant de voir Segun, métaphoriquement parlant, prendre son gâteau d’anniversaire et s’étouffer avec. Et quel que soit l’ingrédient secret du thé énergisant de Tiwa, il a trouvé sa place dans la production chaleureuse, absorbante et incontournable de la réalisatrice Monique Touko.
Une autre dispute familiale se prépare à l’occasion de l’anniversaire d’un père dans la première pièce de Richard Eyre, La maison aux escargots, qu’il dirige également. Nous sommes dans une salle collégiale, une galerie de notables (fidèlement rendue par Tim Hatley). Neil est un pédiatre senior organisant une fête pour célébrer son récent titre de chevalier (Vincent Franklin donne une interprétation magnifiquement nuancée en tant que figure de l’establishment commençant à s’éroder). Eva Pope joue sa femme impeccablement coiffée, Val, et donne une masterclass sur le sourire. Patrick Walshe McBride se pavane dans le rôle d’Hugo, leur fils ennuyeux et débonnaire, conseiller politique, avec aplomb. Et Grace Hogg-Robinson est vivante dans le rôle de Sarah, leur fille bolshie et passionnée de 18 ans, qui a quitté la maison et défié ses parents en ne allant pas à l’université. Son cadeau d’anniversaire à son père est une affiche de Greta Thunberg.
Il s’agit d’une pièce honorable et polie avec une bonne prise sur le moment contemporain, dirigée de manière experte (comme vous vous en doutez) et avec une distribution de premier ordre, il n’est donc pas immédiatement évident de savoir pourquoi elle devrait tomber à plat. Vous pourriez bondir sur les blagues (boîte d’allumettes mouillées) ou blâmer le préambule prolongé qui est lent (comme il sied à un escargot), pendant lequel Wynona, une jeune serveuse irlandaise affolante (l’intrépide Megan McDonnell), chante des numéros de Diana Ross, déroule la nappe et cogne sur l’Irlande jusqu’à ce que vous souhaitiez que quelqu’un laisse le dîner et le drame être servis. Le dialogue contradictoire n’est pas naturel, en partie parce qu’il contient trop d’informations qui sont évidemment greffées plutôt qu’organiques. Et la scène avec Florence, la gérante nigériane de la restauration, une femme que Neil a lésée au tribunal (interprétée dignement par Amanda Bright), a notamment besoin d’une réécriture. Dans l’état actuel des choses, c’est incroyablement scénique.
Hans Kesting est un acteur d’une brillance exceptionnelle de la compagnie Internationaal Theatre Amsterdam, qui joue au Young Vic dans une production inhabituellement courte d’Ivo van Hove, Qui a tué mon père, basé sur un roman autobiographique de l’écrivain français Édouard Louis. Il s’agit d’un one-man show violemment peuplé. Kesting (parlant anglais partout) joue un homme d’âge moyen du nord de la France qui porte en lui sa famille troublée. Le décor de Jan Versweyveld est une cellule de charbon de bois, ses murs grêlés par les poings et un écran de télévision généralement vide – une sorte de prison.
Le père de l’homme était gay mais vivait dans le déni violent – un fanatique défensif. Sans surprise, il n’a pas pu faire face à l’homosexualité de son fils. La mère de l’homme vécut aussi un mensonge, décidée à sauver les apparences et s’ingéniant, sans un sou, à passer un Noël avec des huîtres. Un frère alcoolique agité complétait le tableau. Kesting se révèle un maître des transitions parfaitement déconcertantes alors que, se baissant et enfouissant les mains sous son pull, il devient son père bedonnant, essoufflé et souffrant.
La transition entre mémoire et drame est moins satisfaisante dans l’adaptation de Van Hove – il y a des passages qui semblent trop écrits, comme s’ils n’avaient pas complètement réussi à se détacher de la page. Et la pièce passe à une vitesse étrangement différente lorsqu’elle devient une protestation contre les politiciens français qui ne comprennent pas la pauvreté (pensez gilets jaunes). Mais la fin est un triomphe alors que Kesting se dirige vers la porte ouverte, sa cigarette un signal de fumée, et laisse échapper un seul mot sur ce dont la France a besoin.
Lorsque Gabriel Byrne est revenu à Dublin – il a maintenant 72 ans – il s’est senti un imposteur. Son exposition personnelle Marcher avec des fantômes, basé sur ses mémoires de 2020 et réalisé par Lonny Price, est une réhabitation de la ville de naissance de Byrne – Un portrait de l’acteur en tant que jeune homme. C’est un spectacle divertissant, émouvant et abouti. J’ai adoré l’imitation par Byrne de sa mère catholique de la classe ouvrière à l’hôtel Shelbourne, s’émerveillant devant des pinces à sucre en argent tout en tirant sur une clope; son récit de son incompétence en tant que plombier stagiaire et sa dépendance d’enfance à un livre de mille blagues.
Des matières plus sombres sont également habilement abordées : la tragédie d’une sœur malade mentale, sa lutte contre l’alcool, l’horreur d’être maltraitée dans un séminaire anglais à côté d’un feu de charbons croulants. L’expression par défaut de Byrne est un abattement modeste démenti uniquement par des yeux brillants – il nous rappelle à quel point un jeu d’acteur discret peut apporter.
Notes par étoiles (sur cinq)
La clinique ★★★★
La maison aux escargots ★★
Qui a tué mon père ★★★★
Marcher avec des fantômes ★★★
