José Luis Alcaine : « Diriger le spectateur lui fait oublier le film au bout de 15 minutes »

Si quelque chose a marqué sa carrière c’est la défense de la lumière naturelle en photographie, peu intervenue.

Le spectateur est à l’aise lorsqu’il est dans quelque chose de reconnaissable et puis si vous racontez l’histoire de manière acceptable, avec une lumière qui peut plus ou moins exister dans la réalité, elle s’intègre mieux à ce qu’il voit. En plus de cela, il y a une autre caractéristique que je trouve importante au cinéma, c’est le temps, le passage du temps, donner le passage du temps sur l’écran à travers la photographie pour que le spectateur puisse se repérer. Le temps fait partie de notre vie et cela semble être en quelque sorte oublié dans la cinématographie du monde entier, on oublie que la vie est avant tout le passage du temps.

Avouez-moi, maintenant je n’y crois plus, mais combien d’efforts vous a-t-il coûté pour affirmer vos idées ?_

Les réalisateurs acceptent mes idées, ils sont très ouverts, et c’est parce que normalement s’ils t’appellent ils savent d’une certaine manière comment on gère la lumière, le cadrage et ce genre de choses. Le réalisateur n’a pas le temps pendant le tournage pour qu’il y ait une communication très fluide avec le chef opérateur ou avec les autres membres de l’équipe car il est généralement absorbé par les acteurs et leur travail. Dans ce jeu, il m’est très difficile de prêter trop d’attention à la cinématographie.

Ne parlent-ils pas sur le plateau ?

Vous savez, maintenant il y a un grand avantage, nous avons des moniteurs sur le plateau qui donnent l’image que nous tournons, ce qui n’arrivait pas il y a 30 ans. On ne savait pas comment ce que nous filmions allait se passer jusqu’à ce qu’il soit vu en projection deux ou trois jours plus tard. Ce mystère de la façon dont cela allait se passer n’était connu que du directeur de la photographie car même le réalisateur ne savait pas comment l’image allait se dérouler. Cela a conduit au changement apporté par la nouvelle vague. Pour avoir un meilleur contrôle de l’image, ils ont institué que le directeur de la photographie apporte également la caméra. Jusque-là, il était dédié à la lumière, aux acteurs et aux décors et le cadreur se consacrait uniquement à manipuler la caméra, à la cadrer et à la corriger. Ils voulaient changer le cinéma pour aller vers des intérieurs naturels, un nouveau concept. Personne n’en parle mais les intérieurs naturels n’apparaissent pas dans le néoréalisme. Le changement est apparu avec la nouvelle vague qu’ils sont allés dans des intérieurs naturels et cela a changé la photographie parce que les directeurs de la photographie étaient habitués au studio et qu’il devait y avoir un nouveau lot qui a été pris dans des intérieurs naturels. Cela a changé la photographie et son concept.

Était-ce un changement positif ?

La figure du directeur de la photographie et celle de l’opérateur se sont rejointes. Mais maintenant, le fait de filmer en numérique avec ces grands moniteurs fait que tout le monde voit ce qui se fait et qu’il n’est pas nécessaire d’aller le voir en projection dans trois jours. Le contrôle et le cadrage se font déjà sur des moniteurs. Le fait de porter l’appareil photo n’est que pour une raison créative, mais celui qui porte l’appareil photo et qui prend la photo en même temps penche vers une chose ou l’autre car les deux choses sont très différentes, paris ou pour la lumière ou pour transporter l’appareil photo, et ce n’est pas trop bon.

Dans quelle mesure la cinématographie influence-t-elle le succès d’un film ?

Je pense que la photographie, sa direction et la création de l’image de la photographie ont une grande influence, mais on n’y prête presque aucune attention. On considère que la photographie c’est rendre une histoire belle et non. Je crois que la photographie, le cadrage, la caméra, la lumière et le diaphragme ont à voir avec les résultats du film et la façon dont le public rejoint le film. En raison d’un concours de circonstances, le cinéma est désormais influencé par les plateformes et les séries car, après tout, nous sommes les mêmes qui faisons une chose et une autre sauf pour certains privilégiés comme Almodóvar qui ne fait pas du tout de séries. Ce n’est pas la même chose de travailler pour un grand écran que pour un plus petit. Au cours des 30 dernières années, quelque chose a été découvert qui vient de la publicité et qui a ensuite été transplanté dans la série. Il y a eu une direction du regard du spectateur pour suivre certaines histoires d’une certaine manière, en se concentrant uniquement sur ce que le réalisateur et le directeur de la photographie veulent que le spectateur voie.

Comment ça se fait?

Pour cela, ils ont découvert qu’en ouvrant beaucoup le diaphragme et en mettant l’accent sur un personnage, vous suiviez ce personnage. Quel est le problème? Que cela donne une sorte de planéité à l’écran géant, il n’y a quasiment pas de relief. Cela empêche le spectateur de s’intégrer à la vision, car si vous donnez une image à l’écran où la majeure partie est nette, le spectateur peut choisir où regarder et s’impliquer dans l’histoire, et d’une manière ou d’une autre, le film qu’il regarde laisse un marquer Je crois que le cinéma actuel, pas Scorsese, pas Almodóvar, Eastwood, est fortement influencé par ce qu’il voulait diriger le spectateur, mais la direction du spectateur le fait se lever quand le film est terminé et dire, eh bien, c’est un autre film et à la fin du film un quart d’heure il l’oublie. C’est parce qu’ils n’ont pas participé, il est très important que cela se produise et c’est le travail du directeur de la photographie et ils doivent en discuter avec le réalisateur et ils obtiennent la participation du spectateur et cela se fait à travers le diaphragme, un champ de profondeur dans lequel la scène n’est pas placée à plat là où le réalisateur le souhaite.

Il paraît que c’est un sujet qui a été beaucoup étudié.

Tout vient de quelques réflexions que j’ai faites pendant la pandémie en regardant tous les vieux films qui m’avaient fait aimer le cinéma. Je me suis dit ‘pourquoi ces films ne me fatiguent-ils pas ? Si cela arrive, c’est lié à mon travail. En les regardant, j’ai réalisé que tous les films qui m’avaient impressionné en tant que jeune homme avaient une grande profondeur de champ. L’exemple par excellence est Citizen Kane, on ne se lasse pas de le voir car il y a toujours quelque chose qu’on découvre, il y a tellement d’informations qu’on peut le voir plusieurs fois et ça n’arrive pas avec le cinéma actuel.

Pourquoi pensez-vous que cela a maintenant changé?

Le système de cinéma actuel nécessite de nombreuses caméras pour filmer. Si vous filmez avec quatre caméras, il y en a une qui est la prise de vue générale puis aux extrémités du champ libre laissé par la centrale, vous mettez les autres caméras qui capturent des plans de personnages différents. Il y a un plan général puis des gros plans partout, il n’y a pas d’interaction entre l’un et l’autre, puis apparaissent l’usage et l’abus du téléobjectif et du diaphragme grand ouvert. Autrement dit, il y a un personnage et tout le reste est très flou. Mais que se passe-t-il ?_Que cette façon de compter et de filmer est bon marché, c’est filmé comme ça parce que la production pense que c’est super parce que ça fait beaucoup d’économies et tu as le matériel supposé pour le film. Le problème? Ce qui est mal rapporté.

Pensez-vous que la baisse d’audience est liée à tout ce que vous expliquez ?

Je suis convaincu que oui. Des critiques qui ne voient pas ces problèmes dont je parle. Comme toujours, la critique a un gros problème, expliquer l’image par l’écriture, et c’est un problème très clair. Il ne regarde pas tant la forme mais au fond, l’histoire. Et le récit marche à partir de plans mais n’intègre pas le spectateur, il le rejette. Et c’est ce que nous devrions pouvoir changer. Il y a un cinéma qui marche, celui des super-héros. Cela m’ennuie, mais ces films ont une particularité, car ils sont créés artificiellement avec des arrière-plans splendides, ils ont du focus et les gens voient le film d’une manière différente. C’est le seul genre qui a du focus et c’est celui qui a du succès.

Il y a de moins en moins de jeune public, comment faire pour qu’il revienne en salles ?

Il faudrait arriver à ce que les critiques se fassent avec des images, ce qui peut se faire sur les sites internet pour étudier la manière dont le cinéma se fait. Il faudrait faire quelque chose comme ça, parce que le cinéma c’est de l’image fixe. En ce sens, je crois que le grand cinéma que j’ai vu au cours des 70 dernières années a été créé par des gens qui ont grandi avec des films muets. L’important était l’image car le spectateur n’avait pas d’autre référence. Il n’y avait pas de son et ça se voit.