“Je n’ai aucune capacité technique et je ne connais rien à la musique” : voici pourtant 5 chansons produites par Rick Rubin que vous devez entendre

2024-03-10 18:37:14

Célèbre, Rick Rubin se vante presque de son prétendu manque de connaissances techniques et musicales.

L’année dernière, discutant de ses capacités en tant que producteur dans 60 Minutes (ci-dessous), on a demandé à Rubin s’il jouait d’un instrument. Le producteur répond « à peine ». Anderson continue en demandant à Rubin s’il sait utiliser une “table d’harmonie” ou une table de mixage. “Non”, répond Rubin. “Je n’ai aucune capacité technique et je ne connais rien à la musique.”

“Tu dois savoir quelque chose.” Anderson a insisté. “Je sais ce que j’aime et ce que je n’aime pas. Je suis décisif quant à ce que j’aime et ce que je n’aime pas.” Rubin a répondu.

Pressé par l’animateur Anderson Cooper de savoir pourquoi il est payé exactement, si ce n’est pour prêter aux artistes ses compétences techniques en tant que producteur, Rubin a répondu : “La confiance que j’ai dans mes goûts et ma capacité à exprimer ce que je ressens s’est avérée utile. pour les artistes.”

C’est une confiance confirmée par le portefeuille de catégories du superproducteur – il a gagné le respect et – diraient certains – a été le pionnier des sons dans une liste diversifiée de genres allant du thrash metal au hip-hop, de la country à la pop et à peu près tout le reste.

Alors que les premiers enregistrements de Rubin en tant que producteur étaient destinés à animer son propre groupe punk, Hose, il a commencé à travailler avec des artistes hip-hop après en avoir eu assez d’entendre les premiers enregistrements hip-hop qui ne ressemblaient guère aux sets de MC/DJ live qu’il expérimentait. alors qu’il était à l’université à New York.

Faisant équipe avec MC T La Rock et DJ Jazzy Jay de Zulu Nation en 1983, Rubin a supervisé It’s Yours. Quelques mois plus tard, Rubin a été présenté à Russell Simmons qui a été impressionné par le dynamisme de Rubin et la maîtrise de la boîte à rythmes Oberheim DX pour créer des rythmes authentiques qui ressemblaient aux breaks sur lesquels les MC rappaient.

Ensemble, ils forment Def Jam Recordings, qui, avec l’introduction de LL Cool J, Beastie Boys, Run DMC et (quelques années plus tard) Public Enemy, consolide sa position comme l’un des labels les plus importants au cours de « l’âge d’or » de Hip-hop new-yorkais.

En 1986, Rubin a développé la fusion rock et hip-hop pour nous apporter ce que beaucoup considèrent comme la première véritable convergence des deux mondes avec Run DMC et la version réinventée de Walk This Way par Aerosmith. À partir de là, Rubin a signé avec les titans du thrash metal, Slayer, chez Def Jam, contribuant ainsi à la réalisation de l’album phare, Reign In Blood.

Rubin a continué à sauter entre les deux, couvrant tout, des classiques américains, du rock, du métal, de la pop et au-delà, avec une liste de crédits qui se lit comme une histoire des quatre dernières décennies de la musique.

Rubin quittera Def Jam peu de temps après et a ensuite lancé Def American Recordings – abandonnant plus tard le « Def » et organisant des funérailles littérales pour le mot car il estimait qu’il était devenu trop largement accepté dans le lexique grand public. « Lorsque les annonceurs et le monde de la mode ont récupéré l’image des hippies, un groupe des premiers hippies de San Francisco a littéralement enterré l’image du hippie. Lorsque le « def » est passé du jargon de la rue au courant dominant, il a détruit son objectif », a-t-il déclaré.

Ses signatures à cette époque se sont concentrées sur le rock, en collaboration avec The Cult et The Jesus and Mary Chain. Les années 90 verraient Rubin commencer son passage avec les Red Hot Chili Peppers, enregistrant l’album révolutionnaire Blood Sugar Sex Magik dans sa maison/studio de Laurel Canyon, The Mansion.

Depuis, Rubin n’a cessé de passer d’un genre à l’autre, couvrant tout, des classiques américains au rock, en passant par le métal, la pop et au-delà, avec une liste de génériques qui se lit comme une histoire des quatre dernières décennies de la musique. Bien qu’il soit souvent critiqué pour les projets qu’il supervise – les poussant au-delà de leur point de rupture sonore et son approche peu orthodoxe et zen de la production (y compris la méditation et les rencontres à pied avec les artistes pendant les sessions) – son succès est indéniable.

Avec des centaines de millions d’albums vendus portant son nom sur la pochette, nous pourrions choisir plus de cinq chansons pour chacun des artistes avec lesquels il a travaillé. Ici, nous avons sélectionné une sélection qui présente quelques-unes des diverses musiques qui ont bénéficié de la supervision de Rick Rubin.

1. Johnny Cash – Blessé

Au début des années 90, la carrière de Johnny Cash commençait à décliner. Rick Rubin, cependant, a assisté à la performance de Cash lors du concert du 30e anniversaire de Bob Dylan et a approché The Man In Black en vue de produire son prochain album.

Rubin a supprimé le « showbiz » Cash, ramenant le style de production aux performances originales et épurées de son début de carrière. Ainsi commença un partenariat qui durera pour le reste de la vie de Cash et au-delà.

Pour beaucoup, c’est American IV: When The Man Comes Around qui arrive en tête de la série de six personnes, un album introspectif imprégné d’une fermeture imminente et composé de reprises à l’exception de trois chansons écrites par Cash. Parmi Personal Jesus de Depeche Mode, Bridge Over Troubled Waters de Simon et Garfunkel, In My Life des Beatles et plus près We’ll Meet Again se trouve l’un des plus grands moments de la carrière de Johnny Cash : sa version de Nine Inch Nails’ Hurt.

Initialement écrit par Trent Reznor pendant l’un de ses moments les plus bas, Cash – de l’aveu même de Reznor – s’est approprié la chanson, intensifiée par la production simple de Rubin.

La chanson comprend une guitare acoustique doublée, un piano, des pads d’orgue/harmonium et la voix de baryton distinctive de Cash. Les voix sont enregistrées si près et si sèches qu’on a l’impression d’être assis dans la cabine avec lui, et le fait que la piste vocale commence à se déformer est un exemple parfait de l’approche de la performance plutôt que de la perfection de Rubin en matière d’enregistrement.

Il est difficile de faire en sorte que les instruments acoustiques atteignent un crescendo aussi troublant que l’électronique de l’original de Reznor, mais ici, la montée rampante amène la chanson à une fin difficile qui ferait pleurer le public de la vidéo.

2. Red Hot Chili Peppers – Tissu cicatriciel

Califoornication de 1999 a vu la seconde venue du guitariste apparemment éternel John Frusciante après avoir quitté le groupe entre 1992 et 1998. Rubin a produit la percée du RHCP, Blood Sugar Sex Magik et le suivi One Hot Minute, mais Califoornication était, pour de nombreux fans, le successeur naturel. à la glycémie…

L’album a non seulement réalisé ce qui semblait impossible au cours des années intermédiaires – réunir Frusciante, héroïnomane en convalescence, avec le reste du groupe – mais a également donné aux Chilis un retour explosif après leur période quelque peu « sauvage » du milieu des années 90.

Les hits coulaient, avec le style de guitare Hendrix/Parliament de Frusciante de retour au premier plan. Et bien que Californication soit souvent cité comme un exemple du mariage de Rubin avec les guerres du volume sonore – le mur de briques se limitant au clipping – cela conforte également sa réputation de mentorat d’artistes de type svengali.

Le premier single, Scar Tissue, est un excellent exemple de l’approche moins c’est plus de Rubin en matière d’instrumentation, avec les parties assez limitées au line-up principal du groupe composé d’une guitare, d’une basse, d’une batterie et d’un chant.

Alors que d’autres producteurs auraient pu encourager davantage de couches sous le solo clairsemé de Frusciante, l’as de la basse Flea se déplace simplement dans le registre de la guitare tout en conservant le grave avec une ligne de basse pédalée sur les octaves.

C’est une affaire décontractée qui représente parfaitement le titre de l’album, et batterie coupée ou pas, on n’y changerait rien.

3. Slayer – Il pleut du sang

Comparez le troisième album de Slayer avec Show No Mercy et Hell Awaits et vous remarquerez instantanément une différence marquée. Alors que la batterie de Dave Lombardo est parfois enterrée sur Show No Mercy et que Hell Awaits – bien qu’il s’agisse d’une amélioration sonore – manque de définition, la présentation de Slayer par Rubin est une fois de plus réduite en comparaison.

Les caisses claires claquent à chaque battement ; Les grosses caisses révolutionnaires de Lombardo percutent ; et le jeu de guitare mord avec attaque, ce qui signifie que vous entendez chaque note.

Raining Blood est le ‘hit’, avec son riff chromatique aux sonorités maléfiques, ses changements de tempo à vous casser le cou et ses parties batterie/guitare qui restent des classiques aujourd’hui. Tout aussi impressionnant est que tout cela est entassé en 4:15 secondes, avec la coupe grasse de Rubin resserrant les arrangements avec une économie inspirée du punk hardcore et apportant une nouvelle clarté au son global du groupe.

Son association avec Slayer a également produit une collaboration improbable entre les Beastie Boys et Kerry King, avec les pitreries de King’s Shredding et Whammy Bar fournissant le solo sur No Sleep Till Brooklyn.

4. Ed Sheeran – Circulation sanguine

Une partie de l’énigme de Rick Rubin réside dans le fait que, même s’il a peut-être supervisé des classiques avec des titans du hip-hop et du rock, il n’est pas non plus étranger au travail avec des mégastars de la pop. Adele, Lady Gaga et Lana Del Rey ne sont que quelques-unes qui ont bénéficié de la direction de Rubin au cours de la dernière décennie.

En 2014, Rubin était derrière la vitre pour quatre chansons du deuxième album d’Ed Sheeran, X.

Le plus remarquable est Bloodstream, écrit par Sheeran, Gary Lightbody de Snow Patrol et Johnny McDaid de Rudimental, et aurait été inspiré par le contact de Sheeran avec de la MDMA lors d’un mariage à Ibiza qui l’a fait « tomber amoureux d’un pouf ».

Le morceau lui-même est mené par deux guitares acoustiques, soutenues par un rythme post-club ralenti à quatre au sol. C’est encore un autre exemple du son sec et proche de Rubin, entrecoupé de chœurs débordants d’ambiance.

Au moment où nous arrivons au refrain, la chanson s’ouvre avec des pads de cordes de synthé ajoutant de la largeur et une réverbération supplémentaire sur les caisses claires ajoutant au trippinisme.

L’arrangement saute fréquemment entre les sons secs et humides d’une section à l’autre avant que la fin de la chanson ne se transforme en un mur détaillé de phrases vocales en boucle, de chœurs et de synthés supplémentaires, prouvant que les productions de Rubin ne se limitent pas au strict minimum.

Bloodstream évoque l’esthétique du titre, et nous vous conseillons d’écouter au casque pour repérer les détails.

5. Jay-Z – 99 problèmes

Nous aurions pu remplir cette liste 99 fois uniquement avec les contributions de Rubin au hip-hop, mais nous avons plutôt choisi d’opter pour son tube monstre avec Jay-Z, 99 Problems.

Le morceau est un échantillon parfait de la production de collages hip-hop à l’ancienne, rappelant les travaux antérieurs de Rubin : la ligne principale/le refrain interpolé (emprunté à la chanson du même nom d’Ice-T) ; la piste de batterie construite à partir d’échantillons de The Big Beat de Billy Squier, Long Red de Mountain et Get Me Back On Time Engine #9 de Wilson Pickett ; et un contenu mélodique quasiment nul (la partie de guitare est basée sur le début de The Big Beat).

Jay-Z s’exprime sur les pièges du succès et sur l’industrie qui veut l’exploiter, se bat avec d’autres rappeurs (Nas) et s’attaque à l’inégalité raciale qui est aussi pertinente aujourd’hui qu’elle l’était lors de la sortie de 99 Problems il y a 16 ans.

Rubin se fait crier pendant l’outro : “Tu es fou de celui-ci, Rick, c’est ton garçon !”, et a l’air totalement à l’aise aux côtés de Jay-Z dans la vidéo de la chanson.

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