2024-03-28 14:20:40
Le nouveau film de Chikako Yamashiro est le dernier en date à explorer la mémoire historique, les traumatismes de guerre et la situation géopolitique de son pays natal, Okinawa.
Dans le dernier film de l’artiste et cinéaste Chikako Yamashiro, nous suivons un homme âgé qui se promène, puis prend le bus, à travers des paysages ruraux luxuriants avant d’entrer dans une zone urbaine d’Okinawa. Cela semble assez innocent. Mais son voyage lui révèle bientôt des souvenirs de son passé. C’est du moins ce que nous sommes encouragés à penser via un changement formel et matériel de la clarté cristalline de la photographie numérique vers le monde granuleux et nostalgique des images analogiques.
Pour ceux qui connaissent le travail de l’artiste, ce processus ne surprendra personne. Au cours des deux dernières décennies, Yamashiro a utilisé la performance, la photographie et la vidéo pour explorer la mémoire historique et ses articulations relationnelles en réponse aux traumatismes de guerre et à la situation géopolitique de son pays natal, Okinawa. Okinawa, la plus grande d’un groupe d’îles connues sous le nom de royaume de Ryūkyū avant d’être annexée au Japon en 1879, a été transférée sous occupation militaire américaine de 1945 à 1972. Souffrant d’une double colonisation par le Japon et les États-Unis, l’histoire compliquée de la guerre et de l’après-guerre d’Okinawa – exploré par l’artiste dans des œuvres phares telles que J’aime le sucré d’Okinawa (2004), Ta voix est sortie de ma gorge (2009) et l’influent Homme de boue (2016) – traduit dans un présent tout aussi complexe. Le peuple Ryūkyūan (la communauté autochtone de l’île) n’est pas officiellement reconnu comme une minorité ethnique et linguistique par le gouvernement japonais, qui défend systématiquement son identité monoculturelle. En revanche, le mashup culturel 2019 de Yamashiro Chinbin Western : Représentation de la familledont le titre fait allusion à la fois au « chinbin » sucré traditionnel d’Okinawa et au genre cinématographique du « western spaghetti », tout en plaçant Okinawa comme une frontière poreuse, contribue à la préservation de la langue et du folklore d’Okinawa en incluant Tsurane Ryuka, un genre de chant narratif propre à l’île, et une pièce de théâtre dans le film racontée en Uchināguchi, la langue autochtone. De nombreux projets de poldérisation constituent également une menace environnementale sérieuse pour le paysage de l’île et suscitent de vifs débats publics, le plus récemment étant le cas du déménagement d’une base maritime américaine à Henoko.
Fleurs de Belau (photos), 2023, réalisé par Chikako Yamashiro
Les tensions sociopolitiques d’Okinawa se répercutent Fleurs de Belau. Dans la séquence d’ouverture du film, au début du trajet en bus du vieil homme, nous voyons des chargeuses ramassant des monticules de roche et de gravier dans une carrière lointaine, rappelant immédiatement au spectateur le paysage brutalisé d’Okinawa. L’une des marques les plus caractéristiques de Yamashiro est une représentation véridique et sans fioritures de l’île, contrastant avec l’image brillante et touristique d’Okinawa dans les médias grand public. Ceci est souvent associé à des récits lyriques et énigmatiques explorant les thèmes de la mémoire et du patrimoine. Dans Fleurs de Belau le paysage sonore fait également allusion à un possible exercice mnémotechnique : les bruits du moteur du bus et des voitures qui passent commencent à se dissiper dès que l’on aperçoit l’océan à travers les fenêtres ; un chœur de voix chantant du vibrato annonce une série d’images désarticulées d’un enfant qui pleure, de quelques fleurs deigo gisant sur le sol et d’un homme grimpant sur un palmier. Les moments les plus évocateurs de Fleurs de Belau se déroule pendant la section centrale du film. Ici, des séquences de l’environnement tropical de la République de Palau (historiquement connue sous le nom de Belau) – où une partie du film a été tournée – et du même enfant jouant au bord de la mer sont accompagnées de sons de plus en plus sourds de vagues apaisantes et de pas sur le sable. créant un récit multicouche et visuellement dissonant. Cependant, Yamashiro évite délibérément de suggérer une interprétation claire, laissant au spectateur le soin de faire ses propres hypothèses sur la relation entre l’enfant et le vieil homme dans un film totalement dépourvu de dialogue. Ce qu’il semble proposer, c’est plutôt une réflexion sur le corps humain vu comme un vaisseau perméable dans lequel les souvenirs s’infiltrent et sont stockés, jusqu’à ce qu’ils puissent être hérités pour vaincre la mortalité.
Ren ScateniReviews28 mars 2024ArtReview Asia
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