29 novembre 2022
Dans le quatrième volet de la série transformationnelle Multihyphenate Masterclass de SDA, la réalisatrice, actrice, danseuse et chorégraphe révolutionnaire Debbie Allen a rejoint un panel de jeunes anciens élèves dynamiques de la SDA animé par le professeur Kate Burton pour discuter des défis uniques de la transition du jeu d’acteur à la mise en scène pour la scène et filtrer.
Allen a régalé le public d’histoires, de leçons et de conseils qu’elle a acquis au cours de sa carrière légendaire, depuis son virage révolutionnaire Notoriété à ses travaux plus récents sur L’anatomie de Grey, et tout ce qu’elle a accompli entre les deux. Allen a rappelé les premières leçons de mise en scène qu’elle avait reçues en tant qu’actrice, y compris un épisode de son rôle d’Anita dans West Side Story.
Elle a raconté l’histoire de Jerome Robbins lui demandant d’interpréter le même numéro – “America” - de manière radicalement différente et apparemment contradictoire chaque semaine.
« ‘Anita, sois plus vulnérable.’ « Anita, botte plus de cul », se souvient Allen en riant. “Puis j’ai réalisé ce qu’il faisait. Il m’avait fait faire tant d’étapes, le numéro m’appartenait.
Burton – qui a travaillé avec Allen à plusieurs reprises sur L’anatomie de Grey– a pu partager ses propres observations et leçons qu’elle avait tirées de la mise en scène d’Allen. Elle a mentionné qu’Allen était l’un des seuls réalisateurs avec qui elle avait travaillé à prêter attention à chacun des figurants d’une scène, sachant qu’ils sont de précieux contributeurs à la vision artistique finale de l’épisode.
“Mlle Debbie Allen s’est tournée vers tous les figurants et a dit que vous faisiez tous partie du récit de l’histoire”, se souvient Burton. “Je n’avais jamais connu un réalisateur pour inclure les figurants, pour inclure tous nos incroyables humains qui font partie de notre narration. Ce fut un moment tellement sismique pour moi.
Allen a accepté.
“J’appelle mes figurants des artistes de fond parce que je veux qu’ils aient un sentiment de propriété sur ce qui se passe dans une scène”, a-t-elle déclaré.
Peinture sur une grande toile
Allen a encouragé les étudiants à se concentrer sur l’histoire lors de la réalisation et à laisser les aspects techniques se mettre en place. Que ce soit en tant qu’acteur ou réalisateur, Allen a souligné que la compétence la plus importante à avoir est celle d’un conteur magistral.
“Être capable de décomposer le récit est l’une des choses les plus importantes pour un réalisateur”, a déclaré Allen. « Quand j’accompagne des réalisateurs, je ne veux pas les entendre parler de plans. Je veux qu’ils me disent, de quoi parle la scène ? Comment allez-vous aider l’acteur dans la scène ?
“Si vous ne savez pas de quoi parle la scène, les plans ne signifient rien”, a-t-elle conclu.
Burton et Allen ont également passé du temps à parler de travailler pour accroître la diversité dans le domaine de la réalisation. Favoriser la diversité dans l’industrie a toujours été important pour Allen, et elle a souligné le travail qu’elle a fait sur L’anatomie de Grey donner des opportunités aux réalisatrices émergentes et aux réalisatrices de couleur.
“J’engage tous les réalisateurs sur L’anatomie de Grey, c’est l’une de mes plus grandes tâches », a déclaré Allen. « Quand j’ai pris le poste, mon mandat était d’embaucher 50 % de réalisatrices, car il n’y avait pas de femmes. Et il n’y avait pas assez de diversité. Un Noir n’avait jamais réalisé L’anatomie de Grey. J’ai embauché le premier réalisateur transgenre – cette personne est devenue un grand réalisateur chez Netflix maintenant.
Burton a lancé la masterclass, décrivant son propre parcours en grandissant dans les industries des arts et du divertissement et en passant de sa formation au grand écran, en travaillant avec des réalisateurs comme Ang Lee, Woody Allen et Richard Linklater. Elle a expliqué comment chaque élément de l’éducation et chaque expérience s’applique à son métier dans le monde du jeu d’acteur et de la réalisation, un thème qui serait abordé encore et encore tout au long de l’après-midi par presque tous les panélistes.
“J’en parle à mes étudiants comme une grande toile”, a déclaré Burton. “Chaque expérience que vous avez, chaque pièce de théâtre dans laquelle vous jouez, chaque cours que vous suivez, un film qui pourrait vous intéresser, un film que vous allez voir… Ce sont tous des points qui créent cette toile qui est votre vie.”
Entrez dans l’espace et faites-le
Burton a ensuite accueilli un panel de jeunes chevaux de Troie, tous dotés d’une vaste expérience et de succès à la fois en tant qu’acteurs et réalisateurs, pour parler des défis spécifiques associés à la transition. Le panel était composé de Gabriela Ortega (BFA ’17), Neal Mulani (Cinema ’19), membre du corps professoral SDA et ancienne élève Tessa Hope Slovis (MFA ’19) et Scott Felix (BA ’16). Chacun de ces jeunes anciens a rencontré un immense succès en combinant acteur et réalisateur au début de leur carrière, et au cours de l’heure suivante, ils ont raconté leurs histoires sur ce qui les a amenés à devenir acteurs-réalisateurs et ont donné des conseils et des conseils pratiques aux étudiants souhaitant suivre chemins similaires.
Felix, qui a occupé le poste de secondeur dans l’équipe de football pendant son séjour à l’USC, a parlé d’apporter les compétences et les leçons qu’il a apprises en tant qu’athlète universitaire à l’art du jeu d’acteur et du cinéma.
« Lorsque vous essayez de sauter dans l’espace créatif, cela demande beaucoup de discipline. Vous devez découvrir ce qui est authentique et unique pour vous. “Eh bien, je sais comment me réveiller à 5 heures du matin tous les jours. Je peux le faire », a déclaré Felix, suscitant les rires de la foule. “Si vous voulez être un artiste professionnel, vous devez agir comme si c’était votre travail, où vous vous réveillez et vous appliquez tous les jours. À partir de là, vous commencez à voir des résultats.
Ortega, dont le court métrage Empreinte digitale était une sélection officielle au Festival du film de Sundance 2022 et est actuellement en cours de transformation en long métrage, a parlé de l’environnement sûr à l’université qui lui a permis d’expérimenter la transition du jeu d’acteur à la réalisation. Elle se souvient d’avoir cherché différentes poches de l’école où elle pouvait développer ses muscles créatifs – écrire son propre matériel narratif et lire de la poésie slam à Ground Zero – ce qui l’a finalement conduite, avec le soutien du professeur Phil Allen, à écrire et à diriger sa propre pièce. , qu’elle a ensuite interprété au Hollywood Fringe Festival 2016.
“C’était incroyable. C’était ma propre histoire, j’y jouais, j’ai appris à la produire, à la commercialiser », se souvient Ortega. “A ce moment-là, je me souviens m’être senti tellement connecté avec le matériel que j’ai pensé que je ne voulais jamais avoir une expérience d’acteur qui ne soit pas celle-ci.”
L’ancien du cinéma, Neal Mulani, a expliqué comment le manque de précision des premiers projets de réalisation d’étudiants lui avait donné la confiance nécessaire pour se lancer à pieds joints.
“La première classe de production que vous avez en première année est 285, et c’est une invite différente chaque semaine. Ils ne vous donnent aucun équipement formel. Vous avez une Go Pro ? Utiliser ça. Vous avez un iPhone ou un Android ? Tirez dessus », a-t-il dit. «Parce que c’est tellement brouillon et que vous faites tout ce que vous pouvez chaque semaine, j’ai pensé, je vais les faire. Je serai celui qui les fera.
Tessa Hope Slovis a également rappelé comment les encouragements d’un professeur l’ont amenée à créer son propre premier film, un projet exprimant sa colère et son désir de changement social à la lumière des événements en cours du mouvement MeToo et des procès de Larry Nassar.
“Cela a synthétisé pour moi la troisième année quand j’ai eu un professeur qui a dit:” Faites ceci. Faites cela professionnellement. Ayez confiance. Entrez dans l’espace et faites-le », a déclaré Slovis.
L’histoire est la réponse à tout cela
Allen a passé du temps à répondre aux questions des étudiants dans le public, leur donnant des conseils et des conseils sur ses années en tant qu’actrice-réalisatrice. Un conseil auquel elle revenait encore et encore était de laisser la narration guider le processus de réalisation.
“Le fait que vous soyez familier avec l’histoire que vous racontez est la réponse à tout cela”, a-t-elle déclaré. « Tout ce que je peux dire, c’est qu’il faut être prêt. Cela signifie que vous étudiez. J’enseigne que lorsque vous obtenez un script, vous décomposez ce script de haut en bas. Vous ne pouvez pas le faire en fonction du calendrier de tournage; vous devez tout faire pour savoir comment ça se passe.
Allen a encouragé les étudiants à considérer leurs rôles d’acteurs et de réalisateurs comme issus du même point de départ : tout au service de l’histoire.
“Vous devez connaître l’histoire”, a-t-elle souligné, sous les applaudissements et les acclamations des étudiants et anciens élèves dans le public.
