réoes une reprise de la sensation marginale de Sam Steiner en 2015 sur une «loi du silence» imposée par l’État qui limite notre nombre de mots prononcés résonnent différemment aujourd’hui, et sur un extremite ouest organiser? Pour certains, à notre époque de sur-partage en ligne 24 heures sur 24, 7 jours sur 7, plus de quiétude peut sembler une utopie plutôt que la dystopie qu’elle est ici, bien que la pièce parle autant de résistance que de langage.
Ce nouveau monde courageux de 140 mots prononcés quotidiennement, tout au plus, se réfracte à travers un couple naviguant dans l’amour et l’intimité et la production de Josie Rourke est portée par un duo étoilé dans Jenna Coleman et Aidan Turner. C’est Bernadette, une avocate spécialisée en divorce avec une puce ouvrière ; c’est Oliver, un musicien au privilège familial et à l’ego fragile. Avec une pièce issue du circuit marginal, la grande réussite de Rourke ici est qu’elle semble adaptée à une scène du West End, bien qu’elle soit un jeu à deux mains sans accessoire, tout en conservant son minimalisme aéré.
Le récit n’est pas linéaire avec des flashbacks ou en avant dans la relation du couple, un peu comme plusieurs autres drames récemment relancés, tels que Constellations et Poumons. Oliver est l’activiste, Bernadette la pragmatique, et nous voyons nos préoccupations contemporaines dans leurs discussions sur la nécessité de la protestation publique.
Coleman et Turner sont attachants ensemble, même s’ils restent mignons trop longtemps, répétant des riffs lors de leur première rencontre dans un cimetière pour animaux de compagnie. Le scénario répète également ses idées sur la protestation, mais comporte des scènes habiles qui montrent comment les mots peuvent dissimuler et aussi comment des banalités apparentes peuvent avoir une valeur et un sens. Il y a un bon usage du silence alors que le couple frappe les tampons de l’absence de mots, et leur relation prend de l’ampleur lorsque les acteurs abandonnent leur routine de comédie romantique et deviennent plus réels et tendres, bien qu’assez tard dans la journée.
La scénographie de Robert Jones est un décor d’éléments compartimentés, le décor s’incurvant autour du couple comme une étreinte forcée. Mais à mesure qu’ils commencent à utiliser le langage de manière libératrice, cela ouvre à plus d’espace et à une plus grande abstraction. Il y a quelques belles scènes tardives où le couple utilise des mots non pas pour leur sens littéral mais pour des effets sous-jacents, chantant et créant un langage incarné non verbal entre eux. Si les mots sont rationnés ou interdits, suggère cette pièce, nous trouverons d’autres moyens d’exprimer notre amour.
Citrons Citrons Citrons Citrons Citrons est au théâtre Harold Pinter de Londres jusqu’au 18 mars ; Opéra de Manchester, du 21 au 25 mars ; et Theatre Royal, Brighton, du 28 mars au 1er avril.
