Camille Blake/Festival de Berlin
Le concert comme surpuissant : le tromboniste solo Alex Paxton
Le triomphe du principe curatorial a atteint la musique contemporaine bien plus tard que les arts visuels, mais il n’en est pas moins durable. Le festival berlinois Maerz-Musik, dirigé par Berno Odo Polzer depuis 2014, peut être considéré comme un excellent exemple de cette évolution. Le “Festival de musique contemporaine” est devenu un “Festival d’enjeux contemporains” et un vaste programme de discours a été consacré aux “dimensions socio-politiques, philosophiques et artistiques” du phénomène du temps. En 2022, Kamila Metwaly prend la direction artistique de Maerz-Musik et remporte le compositeur berlinois Enno Poppe comme curatrice invitée de la première édition du festival dont elle était responsable. Cela a fait du bien au festival, qui s’est déroulé du 17 au 26 mars à la Haus der Berliner Festspiele, au Radialsystem et dans d’autres lieux, et a remis la musique sur le devant de la scène.
Le fait que Miya Masaoka se soit fait distribuer des petits bouts de papier avant la représentation de sa pièce pour trio à cordes et électronique le dimanche soir avec la demande « Imagine a De-Colonized Space/Place » aurait aussi pu faire naître l’idée d’un satiriste qui critique les discours de la mode contemporaine va. Masaoka était sérieuse, même si ses ondes sonores étaient plus apaisantes. Des normes politiques élevées et peu de substance musicale ont également caractérisé le théâtre musical “Song for Captured Voices” de Laure M. Hiendl, Phila Bergmann et Thea Reifler, qui a eu sa “première en direct” jeudi. Le point de départ était des enregistrements sonores de camps de prisonniers de guerre allemands, qui ne sont pas entendus dans la pièce. Il s’agit des voix des voix anonymes et inaudibles supprimées par les relations de pouvoir et du scandale de la politique migratoire de l’UE. Le livret de Göksu Kunak tourne autour de ces thèmes dans des textes documentaires ressemblant à des gravures sur bois et des slogans politiques, qui sont présentés dans de nombreuses boucles de répétition et que Hiendl touche à peine. Les chanteurs exceptionnels Djibril Sall (live) et Elaine Mitchener (sur bande) et le KNM Berlin n’ont pas le droit de montrer ce qu’ils savent faire lors de cette soirée certainement bien intentionnée.
La soirée du vendredi, soutenue par l’Ensemble Musikfabrik et la pianiste Agnese Toniutti, était consacrée à une furieuse ronde de pièces expérimentales et à la redécouverte d’une compositrice dont même John Cage ne se souvenait plus du nom : Lucia Dlugoszewski (1925-2000). Dans une pièce pour trompette solo au beau nom “Space is a Diamond”, elle utilise toutes les sourdines imaginables qui sont également prescrites pour le quintette de cuivres dans “Tender Theatre Flight Nageire” – en combinaison avec un énorme arsenal de percussions, y compris d’étranges instruments. Une musique très originale, tonalement subtile et toujours surprenante. On pouvait également entendre une pièce pour deux cors des Alpes de Hans-Joachim Hespos. Agnese Toniutti a ajouté de nouvelles pièces de Philip Corner, un autre héros de la musique expérimentale, à la composition de Dlugoszewski pour “Timbre Piano”, qui fait sortir toutes sortes de sons du piano sans frapper aucune touche.
Samedi soir, le Riot Ensemble de Londres occupait le devant de la scène. Les musiciens étaient dans leur élément virtuose lors de l’interprétation de “Blue-Chew Cheerio Earpiece” d’Alex Paxton, qui présentait également le compositeur en tant que tromboniste solo. La musique était aussi colorée que les vêtements de Paxton, pendant une bonne demi-heure non-stop à gesticuler par-dessus avec des samples entrecoupés, comme la bande originale d’un dessin animé avec divers personnages drogués. Une exagération qui a fait applaudir le public. »Gêmdis« à peine moins virtuose pour clarinette et ensemble de Bethan Morgan-Williams, tandis que la pièce pour contrebasse solo d’Oliver Thurley, interprétée de manière convaincante par Marianne Schofield, emmenait l’auditeur dans des univers sonores plus délicats et déclenchait des aigus de l’instrument. La soirée a été ouverte par Juliet Fraser qui, après un numéro de méditation peu convaincant de Cassandra Miller et la mise en musique par Lawrence Dunn d’un poème de Caitlín Doherty, a brillé avec “The Mouth” pour soprano et bande de Rebecca Sauders.
S’il y a un maximum de contraste avec la musique agitée de Paxton, c’est sans aucun doute celle de Jakob Ullmann, né en 1958 à Freiberg/Saxe. Le cycle “voix, livres et FEU”, dont plusieurs parties ont été interprétées par l’ensemble de solistes berlinois PHØNIX16, est un exercice pour l’oreille à la limite de l’audibilité. Ces voix semblent venir de très loin. Encore et toujours, le langage semble vouloir s’articuler, mais reste finalement incompréhensible. Les séances d’Ullmann, qui duraient jusqu’à une heure et demie, étaient manifestement trop pour le public ; l’extrême silence semble provoquer plus que le grand geste et le volume.
Le clou musical de ces journées de mars à Berlin a été la première mondiale du « cycle asamisimasa » de Mathias Spahlinger. Le titre énigmatique est dérivé de l’ensemble norvégien asamisimasa, auquel est dédié le cycle de deux heures en onze parties – avec clavier, clarinette, violoncelle, batterie et guitare en fait une distribution impossible, comme le souligne Spahlinger, mais qui a appris à apprécier leur potentiel. Chaque instrument représente un type spécifique de production sonore, les pièces librement combinables du cycle comprennent des quintettes, des duos et des pièces solo. Avec cette musique, l’auditeur est immédiatement éveillé et le reste tout au long de la longue soirée : Chacune des pièces de trois à 15 minutes est dédiée à une question claire, qui peut aussi être clairement vécue sans lire les textes d’accompagnement – donc quand on est dedans » diffénce négligeable « les instruments guitare et violoncelle, qui sont très similaires dans leur gamme tonale mais sonnent complètement différents, sont maintenus côte à côte. Lorsque le rythme 3 + 1 + 2 est pratiqué dans un furieux solo de batterie ou lorsqu’un son est répété encore et encore dans “presque zéro” et que des écarts minimes deviennent le point central. Mathias Spahlinger vous invite à réfléchir avec vos oreilles, et vous sortez du concert plus sage que vous n’y êtes entré.
