Son fils, Simon, a déclaré que sa santé déclinait mais n’a pas donné de cause précise.
M. Brook était une figure dominante du théâtre international, largement décrit comme le metteur en scène le plus influent de sa génération, sinon de la fin du XXe siècle. Son travail allait du minimaliste au grandiose, d’une mise en scène dépouillée de l’opéra “Carmen” de Bizet à une adaptation de neuf heures de l’épopée sanskrite “Mahabharata”, qu’il avait initialement mise en scène dans une carrière de calcaire avec un lac artificiel. .
Les critiques de théâtre ont noté qu’il avait des aspects de chaman ainsi que de showman, à la recherche de la vérité spirituelle à travers son art et ses voyages à travers l’Asie et l’Afrique, tout en gardant un œil sur ses gains au box-office. Mince et chauve, il avait un visage rocailleux qui semblait suggérer l’apparence d’un oracle, et il a cité le mystique arménien russe George Gurdjieff comme une influence clé, notant l’insistance du maître spirituel à tout remettre en question.
“Goûtez, testez, questionnez et n’arrivez jamais à une conclusion”, a déclaré M. Brook le New York Times.
Dans sa carrière de réalisateur, cela signifiait rebondir entre les formes artistiques et les genres, chercher de nouvelles façons de ravir, de provoquer et de déstabiliser le public. “J’ai vraiment passé toute ma vie professionnelle à chercher les contraires”, a-t-il dit un jour.
M. Brook a fait le pont entre les mondes du théâtre commercial et expérimental, mettant en scène des œuvres canoniques de Shakespeare et Tchekhov, des pièces modernistes de Samuel Beckett et Jean Cocteau, ainsi que des comédies romantiques et des comédies musicales telles que “Irma La Douce”, qui a joué pendant trois ans dans l’ouest de Londres. End et est devenu un hit de Broadway en 1960.
Il a remporté les Tony Awards en 1966 et 1971, respectivement, pour avoir réalisé le drame brutal “Marat/Sade” de Peter Weiss et une production épurée en boîte blanche du “Songe d’une nuit d’été” de Shakespeare. Ce dernier mettait en vedette des acteurs faisant tourner des assiettes et se balançant sur un trapèze et s’est terminé avec le casting quittant la scène pour serrer la main du public.
M. Brook a également réalisé des opéras et des films, dont une adaptation à l’écran populaire de 1963 du roman de William Golding “Lord of the Flies”, sur des écoliers abandonnés sur une île, et une sombre adaptation de 1971 de “King Lear”, avec Paul Scofield.
Pionnier du casting daltonien et daltonien (il préférait le terme «riche en couleurs»), M. Brook a travaillé avec de nombreux acteurs de premier plan de son époque, dont John Gielgud, Alec Guiness, Glenda Jackson, Vivien Leigh, Laurence Olivier et Orson Welles. Pour l’une de ses premières productions, une mise en scène de “Hamlet” qu’il interprète pour ses parents sur une scène jouet à l’âge de 10 ans, il utilise simplement des figures découpées, lisant lui-même les lignes.
À la mi-vingtaine, il mettait en scène des pièces à Birmingham, Stratford et Londres, où il acquit une réputation de prodige – “un prodige super confiant, au visage de bébé qui aime choquer”, comme Le magazine Time mis en 1949. Ses premières productions comprenaient des mises en scène élaborées de drames costumés tels que “Ring Round the Moon” et des comédies comme “The Little Hut”, bien qu’au milieu des années 1950, il ait commencé à travailler pour couper, simplifier et purifier son travail. .
Parfois, il se qualifiait de «distillateur» plutôt que de «réalisateur». « Simple, pur, simple », disait-il.
Alors que M. Brook continuait à expérimenter, il a exposé ses théories dans des conférences et des livres tels que “L’espace vide» (1968). “Je peux prendre n’importe quel espace vide et l’appeler une scène nue”, a-t-il commencé. “Un homme marche dans cet espace vide tandis que quelqu’un d’autre le regarde, et c’est tout ce qu’il faut pour qu’un acte de théâtre s’engage.”
Preuve de son point de vue, il a monté des productions de tournées internationales qui pouvaient être jouées à l’extérieur, souvent avec des tapis servant de scène.
Le véhicule de ses explorations théâtrales est devenu le Centre international de recherche théâtrale (également connu sous son acronyme français, CIRT), qu’il a fondé après son installation à Paris en 1970. Pendant des décennies, il y a travaillé avec son lieutenant en chef, Marie-Hélène Estienne, mettant en scène des classiques comme “The Cherry Orchard” de Tchekhov tout en travaillant sur de nouvelles productions telles que son adaptation du “Mahabharata”, un texte hindou clé et une œuvre fondatrice de la littérature sud-asiatique.
Développée pendant une décennie avec son collaborateur Jean-Claude Carrière, la pièce a été créée au Festival d’Avignon en France en 1985. «M. Brook, synthétisant toutes ses inventions théâtrales précédentes, n’a rien fait de moins que tenter de transformer le mythe hindou en art universalisé, accessible à toutes les cultures », a écrit la critique de théâtre et journaliste Margaret Croyden. dans le temps.
La pièce mettait en vedette un casting de 21 acteurs de 16 pays et a fait le tour du monde pendant quatre ans. Mais cela a également provoqué une réaction violente de la part des universitaires et des critiques qui ont accusé M. Brook de s’approprier la culture indienne. “Il a pris l’un de nos textes les plus significatifs”, a écrit l’auteur et metteur en scène indien Rustom Bharucha“et l’a décontextualisé de son histoire afin de le vendre au public occidental”.
M. Brook a reconnu que la pièce “n’aurait jamais existé sans l’Inde”, mais a défendu son interprétation du texte, revenant aux sources en 2016 avec “Battlefield”, une pièce à quatre personnages qu’il a dirigée et écrite avec Estienne. Comme il l’a dit, son “Mahabharata” était un effort pour présenter un art qui attirait le public du monde entier, quelle que soit son origine.
“Quand nous l’avons fait, les Indiens ont dit:” Vous êtes là, colonialistes, en train de voler notre héritage “”, a-t-il déclaré au Times en 2019. “J’ai dit:” Non, cela appartient au monde “. Et je sais que vous avez des petites compagnies partout en Inde qui font Shakespeare. Quelqu’un a-t-il déjà dit : “Cela appartient à l’Angleterre ?”
Peter Stephen Paul Brook est né à Londres le 21 mars 1925. Ses parents étaient des immigrants juifs d’Europe de l’Est qui travaillaient comme chimistes et dirigeaient une entreprise qui développait un laxatif populaire au chocolat appelé Brooklax.
Enfant, M. Brook rêvait de devenir correspondant à l’étranger, considérant le journalisme comme une échappatoire à ce qu’il considérait comme le monde morne de la classe moyenne londonienne. Des décennies plus tard, il a expliqué son envie de voyager – et sa décision de déménager d’Angleterre en France – en citant l’une de ses lignes préférées de Shakespeare : “Il y a un monde ailleurs”, de “Coriolanus”.
Pendant ses études au Magdalen College de l’Université d’Oxford, il a mis en scène des pièces dont “Doctor Faustus” de Christopher Marlowe, recrutant l’occultiste vieillissant Aleister Crowley pour conseiller les acteurs sur la pratique de la magie.
Diplômé en 1944 à 20 ans, il tourne des courts métrages publicitaires et travaille sur une production de « Pygmalion » de George Bernard Shaw destinée aux troupes outre-mer. Le directeur de théâtre de Liverpool, William Armstrong, l’a vu diriger une répétition générale et a aidé à lancer la carrière de M. Brook en le recommandant au Birmingham Repertory, où M. Brook a fait ses débuts en 1945 en dirigeant “Man and Superman” de Shaw.
Il met rapidement en scène des opéras à Covent Garden à Londres, dont une mise en scène en 1949 de “Salomé” de Richard Strauss qui présente des décors et des costumes de Salvador Dalí.
En 1953, il était arrivé à New York, où il a dirigé une production de “Faust” de Gounod pour le Metropolitan Opera, déplaçant l’action du XVIe au XIXe siècle. Cette même année, il réalise son premier film, “The Beggar’s Opera”, la rare comédie musicale mettant en vedette Olivier. Il a échoué au box-office et M. Brook a ensuite eu du mal à trouver un large public pour des films tels que “Seven Days … Seven Nights” (1960).
Travaillant sur des films, il était à la merci des dirigeants de studio et des contraintes budgétaires, dit-il, alors qu'”au théâtre, on peut évoquer un univers dans un espace vide”.
M. Brook a été nommé Commandeur de l’Ordre de l’Empire britannique en 1965 et Compagnon d’honneur en 1998. Il a reçu le premier prix international Ibsen de la Norvège en 2008 et le Padma Shri de l’Inde en 2021.
En 1951, il a épousé l’actrice Natasha Parry, qui a continué à apparaître dans plusieurs de ses productions. Elle est décédée en 2015. Outre son fils, cinéaste, les survivants comprennent une fille, Irina Brook, directrice de théâtre et d’opéra; et deux petits-enfants.
M. Brook a quitté son poste de directeur artistique du CIRT en 2011, mais travaillait toujours ces dernières années, alors même que la dégénérescence maculaire lui rendait la vue difficile. En 2019, il a créé une nouvelle pièce, « Pourquoi ? », sur le réalisateur russe expérimental Vsevolod Meyerhold, que M. Brook a écrit et mis en scène avec Estienne.
“La seule vérité est que le théâtre est une expérience vivante”, a-t-il déclaré au London Evening Standard. cette année. « Tant qu’il est vivant, il est vivant. Il fluctue et change. Si nous travaillons sous cette forme ou écrivons à ce sujet, nous avons la responsabilité de ne pas laisser la flamme s’éteindre.
