Devriez-vous avoir se demandait si le Festival international du film de Toronto était effectivement « de retour » en force – dans sa 47e édition, et sa deuxième depuis Virtual TIFF Year Zero – il fallait simplement regarder à l’extérieur. Les gens se sont rassemblés devant la Bell Lightbox lorsqu’ils n’étaient pas emballés dans des projections, discutant en petits groupes, comparant des notes et recherchant des recommandations et comparant des histoires de célébrités lookie-loo. Les files d’attente serpentaient à nouveau autour du multiplex de la Banque Scotia. Sur King Street, qui abrite les théâtres voisins Princess of Wales et Royal Alexandra – ce dernier n’ayant été utilisé comme lieu de festival que pour la première fois cette année – des foules de gens bordaient le rayon de deux pâtés de maisons et criaient pour quiconque sortait de leurs SUV noirs et/ou ont foulé les tapis rouges. Vous pouvez évaluer les réactions de présélection par niveaux de volume. La Oignon de verre : un mystère à couteaux tirés première : Assourdissante. L’événement « En conversation avec Taylor Swift » : un concert des Who du début des années 70. Harry Styles, valsant dans la première projection de Mon policier: Une symphonie de moteurs à réaction qui est passée à 11.
Et puis il y avait les films eux-mêmes, un mélange de projets de grands noms – bienvenue au TIFF, Steven Allan Spielberg ! – et plusieurs drames de prestige à venir bientôt sur un streamer près de chez vous qui suggéraient que les studios et les stars étaient heureux de lancer à nouveau le défi de la presse au nom d’une première de gala. Ajoutez à cela quelques comédies qui plaisent à la foule, les premières nord-américaines des vedettes de l’Euro-festival, vos flotsam et jetsam habituels de films de minuit et une programmation documentaire allant du jazz chaud à Herzog, et vous avez eu ce qui ressemblait à un millésime Festival de Toronto. Même les quelques controverses qui ont surgi, comme le brouillage de la culture IP Le farceur du peuple (qui utilisait les personnages de DC Comics pour raconter une histoire de passage à l’âge adulte contagieusement irrévérencieuse) tirée après une seule projection publique, rappelait une époque avant que la nervosité de Covid et la paranoïa de la fin des temps ne dominent la conversation. Le TIFF de la ville fantôme de l’année dernière n’était qu’un lointain souvenir. C’était comme si l’automne 2014 ne s’était jamais terminé.
Nous avons vu beaucoup de choses au cours des huit jours où nous étions là-bas, et les titres suivants sont restés avec nous après l’allumage des lumières – et resteront sans aucun doute avec nous longtemps après la fermeture des livres sur TIFF ’22. D’un portrait révolutionnaire d’une légende de la photographie à un biopic sur le plus grand artiste musical de notre temps [accordion-playing parodist division], ce sont les 10 meilleures choses que nous ayons vues à Toronto cette année. C’était super d’être de retour.
(Merci aussi à La Fille éternelle, Un week-end à Gaza, Oignon de verre, L’inspection, Le noir et le blues de Louis Armstrong, Le menu, Les enfants des autres, La femme roi… et, bien sûr, la publicité WTF Bulgari d’avant-émission de Paolo Sorrentino avec Anne Hathaway, Zendaya et un paon, dans cet ordre.)
Toute la beauté et l’effusion de sang
La documentariste Laura Poitras transforme le portrait d’une artiste – la photographe Nan Goldin – en une œuvre d’art contestataire, oscillant entre biographie et chronique de la façon dont le créateur de “Ballad of Sexual Dependency” s’est attaqué à la famille Sackler et a forcé les institutions artistiques à reconnaître que les philanthropes peuvent aussi être des pousseurs de Big Pharma. Vous obtenez toujours une plongée profonde dans la vie et l’époque de Goldin, mais comme pour le passé de Poitras, les dénonciateurs et les perturbateurs (Citizenfour, Risque), il y a un effacement des frontières entre le personnel, le politique et l’éthique qui améliore à la fois la trame de fond (notamment l’influence de la sœur de Nan, Barbara) et l’arrière-catalogue. Certains biodocs servent de tours de victoire ou d’épitaphes. Celui-ci ressemble à un appel aux armes, accompagné de clics d’obturateur.
Les Banshees d’Inershin
En parlant de retour: Martin McDonagh revient à ses racines irlandaises avec cette histoire amèrement drôle d’un violoneux d’âge moyen (Brendan Gleeson) qui décide de couper les ponts avec son meilleur ami et un copain de beuverie légèrement sombre (Colin Farrell). L’idée est qu’il veut utiliser ses années restantes pour composer de la grande musique ; malheureusement, son ami d’autrefois n’acceptera pas de réponse. Si vous connaissez le travail de scène et d’écran de McDonagh, vous savez que les plaisanteries salées et à la vitesse de l’éclair et la violence sont sur le pont, toutes deux présentes et prises en compte ici. Pourtant, il y a une humanité dans les allers-retours humoristiques et, finalement, l’automutilation sanglante qui rappelle les premiers travaux du dramaturge (c’était censé être la troisième entrée de sa trilogie “L’île d’Arans” mais n’a jamais été publiée), et les avantages d’avoir son À Bruges duo redonnant vie à son dialogue. Vous allez beaucoup entendre parler des performances de Farrell dans les mois à venir. Pour une fois, vous pouvez croire le battage médiatique.
Les Fabelman
Steven Spielberg nous livre enfin son Roms, et ça valait la peine d’attendre. En repensant à ses années de formation dans les années 1950 et 1960, le réalisateur et scénariste Tony Kushner décrit comment un enfant sensible a survécu aux déménagements géographiques, aux conflits familiaux et aux intimidateurs antisémites grâce au pouvoir des films. Spielberg a fait allusion à ce qui ressemblait à une éducation avec sa part de tumulte au fil des ans, mais le voir reconstituer l’agonie et l’extase de son enfance – et avoir l’impression qu’il est enfin à un endroit où il peut le faire avec empathie et pardon – était de voir le grand évadé du cinéma américain regarder à l’intérieur. Imaginer Graffiti américain croisé avec une pièce de théâtre d’Eugene O’Neill et une séance de thérapie par le cri primal, et vous êtes à mi-chemin. De plus, il est doté d’un coup de casting et d’un bâillon visuel d’adieu absolument ravissant.
Pas d’ours
Le statut actuel du réalisateur iranien Jafar Panahi en tant que prisonnier politique – il purge actuellement une peine de six ans pour “production de propagande antigouvernementale” – donne certainement à son dernier méta-drame un sentiment d’urgence et une devise regrettable. Pourtant, ce serait un chef-d’œuvre malgré tout, car Panahi utilise à nouveau sa situation pour produire quelque chose qui affirme la vie et qui est profondément dévastateur. Incapable de faire des films dans son propre pays, une version légèrement romancée du cinéaste contourne l’interdit en réalisant à distance une production en Turquie via un ordinateur portable. Le village pittoresque dans lequel il séjourne, cependant, commence à s’inquiéter que leur célèbre visiteur ait tourné quelque chose pendant ses heures creuses qui affecte certains résidents locaux, et ils exigent de voir les photos. Ce qui se joue ressemble à ses tribulations réelles en miniature, avec de l’ironie et de la tragédie qui attendent au coin de la rue. Mon film préféré du TIFF 2022.
Retour à Séoul
Les vibrations des années 90 de Wong Kar-Wai sont fortes dans la première moitié du drame du scénariste-réalisateur Davy Chou sur une jeune femme coréenne nommée Freddie (Ji-min Park) qui, ayant grandi en France après avoir été adoptée, retourne dans sa ville natale dans la vingtaine afin de retrouver ses parents biologiques. La tâche s’avérera plus difficile qu’elle ne l’aurait imaginé, et elle passe le temps en traînant, en se branchant et en buvant à travers Séoul. Quand elle rencontre son père, il se trouve dans un endroit tout aussi instable ; sa mère reste AWOL. Les années passent et plus le film avance, plus vous ressentez son besoin d’un sentiment de fermeture. Il est ancré par une sacrée performance de Park, ainsi que par le sentiment que Chou – qui est né en France de parents cambodgiens – puise dans ses propres expériences interculturelles au nom de la ciné-catharsis. Sa première lettre d’amour au cinéma cambodgien, Sommeil d’or (2011), avait suggéré qu’il était un talent à surveiller. Ce dernier film m’a transformé en un fan de ride-or-die.
Saint Omer
La cinéaste Alice Diop se tourne vers une affaire judiciaire réelle impliquant une femme franco-sénégalaise jugée pour le meurtre de sa fille de 15 mois sur une plage. Un documentariste de métier – vous pouvez, et certainement devriez, attraper ses premiers travaux sur Mubi en ce moment – elle a pris des transcriptions judiciaires et a demandé aux acteurs de reconstituer des scènes du procès en longues prises, avec un écrivain (Kayije Kagame) remplaçant la réalisatrice elle-même. Et d’une manière ou d’une autre, en traduisant ce matériel factuel pour son premier long métrage de fiction, Diop parvient à prendre des notions de vérité, de justice et de frisson de seconde main d’un drame judiciaire et à les plier sournoisement en dialectique sur qui bénéficie des normes sociales modernes. et pourquoi. Absolument magnifique.
Bizarre : l’histoire d’Al Yankovic
Voici l’histoire d’un jeune homme qui, grâce à sa facilité avec une squeezebox et un rêve “de prendre des chansons populaires et de changer les paroles”, est devenu le chanteur parodique le plus connu de sa génération. Eric Appel a pris son court métrage Funny or Die et, avec l’aide de “Weird” Al Yankovic lui-même, en a fait un long métrage qui, tout comme les propres chansons glorieusement absurdes du chanteur, fait des gaffes sur tout un genre à un degré ridicule. La prise hilarante et impassible de Daniel Radcliffe sur l’accordéoniste aux cheveux bouclés scelle plus ou moins l’affaire, tandis qu’une scène de fête mettant en vedette un who’s who de gros bonnets de la comédie alternative se faisant passer pour des personnalités célèbres de la culture pop relie le ridicule au sublime. Non, ce n’est pas la seconde venue de Marche fort, toujours l’étalon-or pour déchirer les biopics musicaux. C’est toujours un ajout incroyable à un long héritage de Yankomania.
Will-o’-the-Wisp
Et maintenant quelque chose de complètement différent : une fantaisie musicale gay sur un prince qui tombe amoureux d’un pompier. Le cinéaste portugais João Pedro Rodrigues (Le fantôme) pousse tant bien que mal une éco-critique pointue sur notre rapport à la nature, numéros de danse élaborés, romance émouvante entre un futur régent (Mauro Costa) et l’entraîneur afro-portugais (André Cabral) chargé de le former, sentiment anti-royaliste, anti -fouilles colonialistes, farce, tragédie, lutte des classes et un soupçon de science-fiction en seulement 67 minutes. Le résultat ne ressemblait à rien d’autre au festival, ni même à rien d’autre dans la filmographie déjà impressionnante de Rodrigues. Un collègue l’a simplement résumé comme “joyeux”. Nous appuyons ce descriptif.
Femmes qui parlent
Bienvenue, Sarah Polley – ça fait une minute. L’acteur-scénariste-réalisateur canadien revient au TIFF avec une adaptation du roman de Miriam Toews sur une communauté mennonite en proie à une longue épidémie d’abus sexuels. C’est un secret de polichinelle écœurant, celui que les femmes ont dû endurer en silence. Ensuite, les membres masculins de la secte religieuse quittent la ville pour une nuit afin de payer la caution des violeurs, et les mères et filles restantes se réunissent pour discuter de l’opportunité de rester ou de partir en masse. Polley et une distribution d’ensemble comprenant Rooney Mara, Claire Foy, Judith Ivey et Frances McDormand, entre autres, transforment ce drame en un acte d’accusation accablant qui va bien au-delà de pointer du doigt un seul groupe ou une seule culture. C’est une montre dure, un hommage à la force des survivants et un film vraiment beau.
L’émerveillement
Florence Pugh – “Miss Flo” si vous êtes méchante – vous rappelle une fois de plus pourquoi elle est une actrice de cinéma hors pair (comme si nous l’avions oublié d’une manière ou d’une autre !) Avec l’aimable autorisation de la pièce d’époque du réalisateur Sebastián Lelio sur une infirmière britannique essayant de découvrir pourquoi un jeune fille irlandaise (Kíla Lord Cassidy) n’a pas mangé depuis quatre mois. À la fois un mélodrame à l’ancienne et une méta-prise sur le même, c’est le genre de bon film solidement réalisé qui est rehaussé par une performance centrale vraiment convaincante. Nous ne voulons pas salir le projet avec de faibles éloges – le cinéaste chilien joue un rôle depuis 2013 Gloria, et un casting de soutien profond qui comprend Toby Jones, Tom Burke, Niamh Algar, Ciarán Hinds, Brian F. O’ Byrne et Station onze‘s David Wilmot font tous un travail formidable. C’est juste que vous pouvez sentir Pugh creuser dans ce rôle d’une manière qui semble élever tout le monde et tout autour d’elle. Le titre vient du surnom de l’enfant que les habitants semblent penser qu’il pourrait être une sorte de divinité sous forme humaine. Cela s’applique également à son étoile.
