« The Color Purple » en comédie musicale : une ode à l’amour des femmes les unes pour les autres

Dès : 17h45 | Temps de lecture : 4 minutes

FCela fait presque quarante ans que Steven Spielberg a porté au cinéma l’adaptation inédite de « La Couleur Pourpre ». Des stars comme Whoopi Goldberg et Oprah Winfrey, qui ont joué les rôles clés, en étaient encore au début de leur carrière. Le film a été nominé onze fois aux Oscars en 1986, mais est resté non nominé. Désormais, une version musicale du classique peut à nouveau espérer une récompense. Cette fois, le film a été réalisé par le cinéaste et producteur de musique Blitz Bazawule, né au Ghana et vivant désormais à Brooklyn. Winfrey et Spielberg ont participé en tant que producteurs.

Dans l’intrigue, Bazawule, comme Spielberg dans la première adaptation cinématographique, s’en tient à l’original littéraire. Nous sommes en Géorgie, dans le sud des États-Unis, au début du XXe siècle. Celie (incarnée enfant par Phylicia Pearl Mpasi, adulte par Fantasia Barrino), une jeune fille noire issue d’un milieu pauvre, est enceinte pour la deuxième fois de son père. Cependant, contre sa volonté, les bébés lui sont retirés peu après la naissance. Elle ne sait pas ce qui leur arrive. Puisque sa mère n’est plus en vie, la seule consolation de Celie est son amour pour sa sœur Nettie (jouée par Halle Bailey lorsqu’elle était enfant et par la chanteuse pop Ciara lorsqu’elle est adulte). Mais les deux se déchirent lorsque le père épouse Célie avec un homme violent et alcoolique qui se fait appeler « Monsieur » (Colman Domingo). Seule avec son père, Nettie fuit ses attaques vers la nouvelle maison de sa sœur. Mais là aussi, elle doit fuir son beau-frère après avoir évité un viol. Nettie promet d’écrire, mais ses lettres sont interceptées par le propriétaire.

Violence, abus, racisme comme thèmes pour une adaptation cinématographique musicale légère

Les années à venir sont marquées par la violence et l’humiliation. Ce n’est qu’avec l’arrivée de la belle-fille de Celie, Sofia (Danielle Brooks), et du chanteur de blues Shug Avery (Taraji P. Henson), dont Celie tombe amoureuse, que les points lumineux arrivent. Les femmes sûres d’elles éveillent la volonté de Celie de se défendre. Sofia, qui franchit la porte, délivre l’hymne approprié avec « Hell, No ». L’actrice Danielle Brooks, connue pour « Orange Is the New Black », est nominée aux Oscars pour ce rôle.

Jusqu’ici, c’était des choses difficiles. Et avec cela se pose la question de savoir si des sujets tels que la violence domestique, les abus, le racisme et le colonialisme se prêtent vraiment à une adaptation cinématographique musicale légère. Parce que Bazawule, qui a réalisé le film musical de Beyoncé “Black is King”, fait danser des prisonniers noirs enchaînés et, à la fin, achète à son mari violeur et battu un pantalon de jazz scintillant. Les couleurs sont vives, les danses et les chants sont parfaitement synchronisés. Cela semble très bien.

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Bazawule décrit également les atrocités de manière beaucoup moins explicite que son prédécesseur Spielberg. Et prouve ainsi que l’explicite n’est pas forcément nécessaire. Par exemple, lorsque Celia se fixe sur la photo posée sur la table de chevet de son mari qui montre son ex-amant, le chanteur de blues Shug Avery (Taraji P. Henson), son regard est plongé dans la photo. Jusqu’à ce qu’elle apparaisse enfin assise devant elle et l’écoute chanter. Mais ensuite la scène commence à trembler et Shug Avery commence à se balancer. La caméra sort du cadre et nous voyons le visage de Célie et ses mains agrippant le montant du lit. Le lit tremble alors qu’elle est violée par son mari. Le spectateur ne voit « Monsieur » que lorsqu’il se détourne.

Un plus grand désir de vivre

Spielberg a été critiqué à l’époque pour avoir représenté les hommes noirs dans le film de manière trop négative et pour avoir joué avec les stéréotypes. D’autres ont répondu que la représentation des hommes dans le livre d’Alice Walker était encore plus radicale. Dans la nouvelle version de Bazawule, nous voyons principalement des personnages masculins effrayants et repoussants. Le cœur du film, ce sont les femmes. C’est une ode à l’amour des femmes les unes pour les autres.

On pourrait trouver déplaisant de sortir « La Couleur Pourpre » de sa pénombre. Mais la légèreté que véhicule le film à travers les couleurs, les danses, le chant et l’humour ne fait que rendre accessible d’une manière différente la gravité des sujets. Il ne les rend pas invisibles. Les expériences de violence récurrentes au fil des générations déclenchent non seulement des traumatismes mais également des stratégies de résilience et de survie. Ceux qui sont attaqués utilisent souvent l’humour pour se sauver. Et peut-être même un plus grand désir de vivre. Ce film ne raconte rien d’autre.