«Rusty the Savage», un Bildungsroman avec une tragédie (et une bande originale de chef-d’œuvre) – Corriere.it

Il 7 octobre 1983 a été présenté au New York Film Festival (sortie dans les salles américaines la semaine suivante ; et ici seulement en mars 1984) Rusty le poisson sauvage/Rumble de Francis Ford Coppola, clôturant le diptyque ouvert sept mois plus tôt avec The Boys on 56th Street/The Outsiders, comme celui tiré d’un roman de l’écrivaine Susan E. Hinton (dont Coppola avait pris en parallèle une option sur les droits) et du un coup très court en choisissant celui qui était alors âgé de dix-neuf ans comme protagoniste Matt Dillon (déjà au casting du précédent).

Malgré le grand succès rencontré au pays par le premier film, Rusty the Wild a été snobé par le public à ses débuts puis a regagné du terrain au fil du temps, au point d’être considéré, aujourd’hui, comme un classique des années 1980. Et à juste titre : un chef-d’œuvre, plus expérimentalmoins émouvant et non moins beau que son prédécesseur, dont il devrait être considéré presque comme un contre-type (à partir du fait que pour ce film Coppola a obligé son directeur de la photographie Stephen H. Burum à utiliser un noir et blanc ouvertement expressionniste et froid à la place de palette de couleurs saturées et chaudes qui distinguait esthétiquement The Boys of 56th Street).

Le film retrouve le décor deL’Oklahoma de la fin des années 1960 et poursuit de manière encore plus auto-analytique la recherche d’un ponctuation sur la fin de l’ère de l’innocence américaine fauchée par le meurtre de Kennedy ; en remuant obsessions anthropologiques typiquement coppolien comme la famille et l’appartenance, mais reproduisant aussi une fois de plus son désir de construire progressivement un cinéma dans lequel, avant tout, temps (idéalisé, déréalisé, transfiguré) est configuré comme une machine/mécanisme pour échapper à douleur contemporaine.

James rouillé (Matt Dillon) le tout jeune patron d’un bande de garçons qui comprend également Smokey (Nicolas Cage), BJ (Chris Penn), Steve (Vincent Spano) et Midget (Laurence Fishburne) ; vit avec son père (Dennis Hopper), avocat accro à la bouteilleet dans la mémoire presque mythique de son frère Motorcycle Boy” [da noi il meno efficace Quello con la moto] (Mickey Rourke), qui quelques années plus tôt avait été un personnage légendaire dans le monde des gangs et on dit maintenant qu’il se promène sur sa Kawasaki quelque part en Californie. De façon inattendue, il revient de nulle part juste au moment où Rusty aurait pu subir le pire. une altercation avec son rival Biff Wilcox (Glenn Withrow) ; mais le leur lien retrouvé Cela semble avoir peu d’avantages dans la vie quotidienne de Rusty, qui est d’abord expulsé du lycée puis perd sa petite amie Patty (Diane Lane) qui le laisse tomber pour Smokey, plus dur.

La tournant décisif dans son existence et la fin résignée de l’idolâtrie pour son frère/modèle viendra après la mort de Motorcycle Boy, tué par un brutal et insensible Officier de police (William Smith) lors de la descente dans une animalerie dans le but de libérer des poissons combattants d’un aquarium (le poisson grondement du titre original ; c’est-à-dire, avec une large métaphore, une espèce dont la vie en captivité conduit àélimination non seulement de ses pairs mais aussi de l’instinct d’attaquer son propre reflet).

Comme The Boys de la 56e rue, Rusty the Wild est aussi un rManzo d’entraînement qui dessine clairement un chemin de (ré)initiation à la vie (mais aussi un tragédie familiale triangulaire – le père alcoolique et ses deux fils vaincus – sans figures féminines pour amortir l’effondrement du rêve américain) dans une mesure formelle capable d’harmoniser échos de la tragédie grecque dans son contraste entre héros et anti-héros, souvenirs hauts et bas(issim)e de ce cinéma des années cinquante sur le thème de délinquants juvéniles dans lequel des personnages problématiques évoluaient dans un comportement rebelle et parfois criminel (depuis l’évidence The Wild One, 1953, de Laszlo Benedek, également mentionné par le titre italien, et Giovent brûlé/Rebel Without a Cause, 1955, de Nicholas Ray jusqu’au vaste théorie des films B moins connus comme Jail Bait, 1954, d’Edward D. Wood jr).

Mais aussi pour aligner sans affaissement dans la narration ou dans les didactismes, des touches baroques comme les citations fréquentes et fébriles d’Orson Welles et des aperçus même les visionnaires: comme l’inclusion de la couleur pour souligner le daltonisme de Motorcycle Boy ou, dans la dernière séquence de miroirs, la libération de Rusty deachromie de son monde; ou comme les suites surréalistes/expressionnistes des horloges sans aiguilles et des plans écrasés par les grands angles où les ombres ont plus d’importance que les volumes.

Dans ce film aussi, comme dans le précédent, le parterre de visages et corps complémentaire aux histoires des protagonistes Dillon et Rourke (ici à un pas du saut vers le notoriété planétaire qui arrivera avec 9 1/2 Weeks/9 1/2 Weeks, 1986, d’Adrian Lyne) plein d’acteurs à l’époque rampe de lancement, de Fishburne à la recrue Penn ; et cette fois il montre aussi les relations familiales (le neveu de Copola, Nicolas Cage, tout aussi débutant ou presque ; sa fille de douze ans Sofia, en tant que sœur de Patty ; son fils Gian-Carlo, décédé tragiquement trois ans plus tard, chez le cousin de Rusty) et camées inattenduesviens le barista Tom Waits.

Après A Dream Along a Day/One From the Heart (1982), dans lequel il était un élément clé et césure, et même au-delà de la dimension théorique qu’il a joué dans Apocalypse Now (1979), Rusty the Wild est peut-être le seul autre titre de la filmographie de Coppola qui ne pouvait être considéré comme distinct de sa musique : le bande-son incroyable a été composé par Stewart Copeland et brille de sa propre lumière même lorsqu’il est séparé des images ; mais malheureusement peu de gens s’en souviennent chanson de chef-d’œuvre Don’t Box Me In, pour lequel le batteur de Police a fait appel au chant à Stan Ridgway, leader de Wall of Voodoo. Retrouvez le clip vidéo (réalisé par Howard Deutch) : trois minutes et demie dans lesquelles condensé toute la philosophie du film et qui séduisent révision due plus que n’importe quelle remorque.