London Gallery Weekend : la capitale britannique veut rester la métropole de l’art en Europe

UNMis à part les ramifications politiques et économiques, une chose est certaine : le Brexit a provoqué un recul dans la perception publique de la Grande-Bretagne qui se fait également sentir dans le monde de l’art. La sortie du Royaume-Uni de l’Union européenne a créé des espaces pour la France, qu’une partie du marché primaire et secondaire a aussi immédiatement occupés.

D’importantes galeries ont ouvert des succursales à Paris, les maisons de vente aux enchères ont renforcé l’emplacement avec de grandes ventes aux enchères, en particulier dans le segment des prix plus élevés, où les taxes à l’importation sont particulièrement perceptibles. Le salon Paris+, lancé en octobre 2022, a complété le tableau : Paris versus Londres. Aussi parce que la foire d’automne de Londres Frieze n’a pas exactement brillé par rapport à la première édition de cet Art Basel « français ».

Comment se porte le London Gallery Weekend dans cette compétition urbaine ? Le week-end dernier, il a eu lieu dans la capitale britannique pour la troisième fois, mais les expositions peuvent encore être vues pendant quelques semaines. “Le Brexit n’était pas la motivation, mais le contexte de notre événement”, explique le galeriste londonien Jeremy Epstein (Edel Assanti), qui a fondé Gallery Weekend et en est le directeur.

125 participants au London Gallery Weekend

“Nous voulons affirmer avec force notre affiliation à l’Europe”, explique Epstein, “car nous nous sentons européens et avons des liens étroits avec le marché et les collectionneurs européens.” L’invitation de quatre conservateurs du continent (en plus de 20 de Grande-Bretagne), comme Johan Holten, directeur de la Kunsthalle Mannheim, financé par les frais de participation et le soutien d’un fonds d’art.

Le nombre élevé de commissaires s’explique probablement aussi par le nombre élevé de participants. 125 galeries des trois principaux quartiers du centre, du sud et de l’est de Londres ont participé au Gallery Weekend.

Chaque galerie paie une redevance comprise entre 600 £ et 3 300 £ pour participer. Les galeries sont libres de fixer leurs propres frais d’entrée sans que les autres ne le sachent, et même le billet le plus cher coûte la moitié du prix d’assister au Berlin Gallery Weekend, crédité d’avoir inventé le format. Les galeries londoniennes peuvent annoncer leurs expositions sur le site Web et inviter chacune trois collectionneurs. Ces invités privilégiés ont accès à un service de navette et peuvent visiter les studios et les collections privées.

Que ce soit pour les VIP ou le grand public : lors du troisième London Gallery Weekend, les galeries présentent le meilleur de leur programmation. La qualité des expositions (la plupart se déroulant jusqu’à fin juin) est élevée, dans certains cas même muséale. Vous pouvez dire que certains ont été organisés par d’anciens directeurs de musée.

Abstrait ou plutôt figuratif ?

Comme dans la plupart des foires d’art contemporain, la peinture domine à Gallery Weekend. Mais on a également remarqué à Londres cette année que la prédominance des peintures figuratives cède de plus en plus la place aux peintures abstraites. La galerie Gagosian, positionnée à l’échelle mondiale, présente une gigantesque exposition d’art contemporain non figuratif dans ses deux sites londoniens sous le titre “To Bend the Ear of the Outer World”.

Gary Garrels, ancien conservateur du San Francisco Museum of Modern Art, a rassemblé tout ce qui est bien connu aux États-Unis, en Grande-Bretagne et en Europe continentale : de Tomma Abts et Tauba Auerbach à Frank Bowling, Mark Bradford, Cecily Brown et Katharina Grosse , Mark Grotjahn et Mary Heilmann à Albert Oehlen, Gerhard Richter et Christopher Wool.

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histoire de harcèlement

Parmi les nouvelles galeries montantes, Sid Motion Gallery se démarque. Situé entre les quartiers sud de Londres de Bermondsey et Peckham, il présente des œuvres du jeune Anglais Max Wade (de 1 500 £ à 14 000 £). La peinture fortement gestuelle est créée intuitivement, inspirée par le rythme de la musique.

La galerie Hannah Berry – quelques blocs plus au sud – a consacré une exposition personnelle à George Rouy. Né en Grande-Bretagne en 1985, il débute sa carrière de peintre par des portraits figuratifs, mais se tourne ensuite vers l’abstraction gestuelle et matérielle (peintures à l’huile à partir de 30 000 £).

La tendance à peindre à nouveau de manière de plus en plus abstraite – et à valoriser cette peinture en conséquence en tant que collectionneur et acheteur – est dans une certaine mesure liée à un moment post-pandémique : la peinture figurative était presque parfaitement adaptée à être présentée numériquement pendant le confinement. Le retour à la physicalité permet désormais de bien vivre les abstractions haptiques, gestuelles.

Cette remise en question du corps a également pu être observée dans le programme d’accompagnement du Gallery Weekend : Trois performances fortement physiques de Li Hei Di, Minh-Lan Tran et Nicole Bachmann se sont déroulées en rotation lourde, pour ainsi dire.

Genre, identité et pouvoir

Richard Saltoun, par exemple, montre comment l’art éphémère et performatif conduit à des objets vendables. Les sculptures et les peintures à grande échelle de Florence Peake (de 10 000 £ à 32 000 £) sont exposées dans la galerie du haut de gamme Mayfair, qui est également actuellement exposée aux Southwark Park Galleries. Elles sont le résultat d’ateliers dans lesquels l’artiste britannique représente les corps des performeurs en mouvement directement sur la toile.

Florence Peake a récemment expérimenté ce procédé, établi dans l’art moderne depuis Yves Klein au plus tard, lors d’une performance au centre d’art Forof à Rome – mais avec de la céramique. Une nouvelle installation de plâtre est désormais visible à Saltoun. Avec le matériau que Peake utilise pour la première fois, elle rend hommage à sa mère et à son influence sur son travail artistique : feu la grande sculptrice Phyllida Barlow.

“Hardcore” – c’est ce qu’ils appellent le QG de Sadie Coles. Cela n’a pas seulement quelque chose à voir avec le corps non plus. L’exposition collective sur l’identité de genre, la sexualité et les dynamiques de pouvoir associées est un moment fort de ce week-end des galeries. Les œuvres de 18 artistes des années 1970 à nos jours sont exposées à la galerie Soho. Il s’agit notamment du tableau “For Foot Fetishists” de l’artiste féministe Joan Semmel et des images de la jeune Stanislava Kovalcikova, qui a étudié avec Peter Doig à l’Académie des beaux-arts de Düsseldorf.

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L’exposition réagit à la complexité de l’intime au-delà des conventions sociales, elle se veut visuellement provocatrice, mais soulève aussi des questions psychologiques. Il ne s’agit pas tant de regarder l’image ou d’ajouter de la valeur, mais de la valeur ajoutée que l’art a à offrir à la nature humaine.