La technologie a eu un impact fondamental sur la musique. La technologie d’enregistrement a changé le paysage musical du sous-continent au début du XXe siècle.
Auparavant, la seule façon d’écouter de la musique était lors d’un spectacle en direct. Le chanteur était censé porter une voix forte qui pouvait atteindre la dernière rangée parmi le public. La technologie d’enregistrement a changé la façon dont le sur était entonnée et les volumes plus bas décidaient de la musicalité inhérente au son. La personne qui a le plus profité de ce changement était KL Saigal. Il a fait des incursions dans la musique de film ainsi que les disques 78 tours enregistrés qui ont fait ressortir la musicalité de son son plutôt que de la réduire comme cela avait été le cas avec de nombreux autres chanteurs.
Bien sûr, il n’y avait pas de studios où le son pouvait être contrôlé. L’enregistrement devait se faire sur le plateau en direct, en l’absence de ce qu’on appelait généralement le “playback”. Pendant le tournage du film, la chanson ou les effets devaient être enregistrés simultanément. Cela nécessitait beaucoup d’ingéniosité et de ruse pour cacher et camoufler les microphones et autres appareils d’enregistrement. La prise de vue visuelle a également dû être modifiée en fonction des besoins de la partition musicale et des chansons. Certains avaient également besoin de l’harmonium pour accompagner leur propre chant et cela devait être fusionné avec le décor. Seule une photo d’identité de l’acteur remplissait l’écran en long et en large.
Cela est devenu la principale préoccupation des réalisateurs car presque tous les films étaient musicaux dans le sens où le recours à la chanson était total. Il n’y avait guère de concept de film qui n’avait pas une série de chansons pour dramatiser les scènes et l’impact. Ce n’était pas le cas dans le cinéma occidental. Les techniques cinématographiques du sous-continent ont dû évoluer et s’inventer pour maintenir la préoccupation principale au centre de l’attraction. pleinement dans la chanson. C’était un défi et il a été accepté car les mouvements ont été ajustés ou limités aux particularités des moyens technologiques de l’époque. La chanson ne pouvait pas être sacrifiée, seulement ajustée, car sa présence était essentielle.
À bien des égards, cela aurait pu être mieux géré par des non-chanteurs ou des chanteurs qui acceptaient les nouveaux défis et n’étaient pas fixés dans les voies et les idées du rituel de performance traditionnel. Les chanteurs dans le moule traditionnel se sont probablement rebellés contre cela et n’ont pas accepté de se joindre à eux tandis que ceux qui n’étaient pas ancrés dans leurs habitudes ont trouvé plus d’espace.
Lorsque Kundan Lal Saigal est apparu sur la scène, la musique de film faisait ses premiers pas. Les films ont commencé à être tournés en indien avec Raja Harishchandra en 1913 mais c’était un film muet. Ce qui manquait le plus à ce nouveau moyen d’expression, c’était la musique. La musique populaire était encore dominée par le théâtre ; les films étaient davantage vus pour les effets spéciaux et la fantasmagorie que l’on pouvait évoquer à l’écran jusqu’à l’avènement du parlant – Alamar. Au cours d’une carrière de plus de 15 ans, la partition de fond était basée sur l’improvisation. Dans ce nouveau format, la chanson n’était pas seulement chantée en direct, elle devait également être adaptée au format de trois minutes. En effet, les disques de soixante-dix-huit tours avait cette capacité.
Saigal avait reçu peu de formation formelle en chant. Il avait acquis sa connaissance des arts musicaux à partir de sources peu orthodoxes. Adolescent, il a été béni et initié à riaz par Pir Salman Yousaf, un soufi qui vivait à Jammu.
Sa ville natale, Jullundur, était une terre fertile pour la musique et les soirées musicales nocturnes étaient fréquentes. Le jeune Saigal, alors âgé d’à peine 12 ans, les fréquentait régulièrement. Il regardait avec un vif intérêt les représentations des visiteurs thumri chanteurs de Lucknow et de Bénarès et s’efforçait de les imiter. Il avait l’occasion de démontrer son art chaque fois que sa mère l’emmenait à des fonctions culturelles ou religieuses locales et l’encourageait à chanter. bhajans ou Meera, shabds des écritures sikhs (sa mère était sikhe) et des passages du Saakhi de Kabir. Beaucoup d’entre eux étaient dans le moule classique.
Les débuts de Saigal dans le cinéma ont cependant été plutôt modestes. Son premier film Mohabbatkay Ansu et la prochaine L’étoile du matin (1932) a à peine réussi; le troisième, Laash vivant, était un flop total. Dans Rajrani Meera (1933), les stars établies Duraga Khote et Prithvi Raj Kapoor se sont vu attribuer les rôles principaux mais ils ont partagé l’ignominie d’un autre désastre au box-office. Saigal s’est vu offrir des rôles dans Puran Bagat et Yehoudi Ki Larki (tous deux de 1933) qui convenait le mieux à son tempérament. Avec la sortie de ces deux films, Saigal en tant que chanteur-acteur est enfin devenu bon. La prochaine aventure de Saigal avec les New Theatres, Roop Lekha (1934) échoua gravement et Cher Mansour s’est également avéré être une tentative malheureuse. Le film qui a fait de Saigal une super-star presque du jour au lendemain était celui de PC Barua Devdas (1935).
L’écrivain est un critique culturel basé à Lahore.
