‘Lear’, l’opéra sur lequel personne ne comptait | Culture

Il y a un fil mince mais puissant qui unit Electre (Strauss), Wozzeck (Berg) et Les soldats (Zimmermann) avec ça Léar qui a été présenté hier soir en Espagne pour la première fois. Il y a peut-être plus de références, mais celles-ci suffisent à identifier ce qu’on pourrait appeler le gène de l’expressionnisme allemand : une grande littérature, une vision pessimiste des aventures humaines et une musique traversée de convulsions qui plaident pour toute révolution sonore.

C’est ici que réside la principale réussite d’un opéra composé sur une histoire qui avait étouffé les grands génies de l’histoire de la musique (Berlioz, Debussy, Verdi, Britten), le drame noir de Le roi Lear avec lequel Shakespeare a signé peut-être son œuvre la plus négative et la plus dévastatrice.

Le plus curieux et le plus paradoxal est que Léar est née de deux impossibilités, l’œuvre shakespearienne elle-même avec laquelle personne n’avait osé dans le domaine lyrique et une stratégie musicale déjà bien amortie lorsque Léar a été créée à Munich en 1978. Les grandes frises sonores de grappe avaient connu leurs quelques jours de gloire dans les années soixante, ils avaient été pratiqués par des compositeurs comme Penderecki (Les démons de Loudun) et bien d’autres influencés par l’électronique dans des pièces orchestrales qui surprirent quelques jours et s’éteignirent bientôt. Ligeti lui-même, auteur de l’un des opéras les plus réussis de la génération d’avant-garde, Le grand macabresorti la même année que Léaravait utilisé cette écriture dans des pièces précédentes telles que Loin ou le vôtre Requiemcélèbre pour son inclusion dans le film 2001, une odyssée spatiale, de Kubrick, mais plus dans son opéra. Dans Léar Il existe également des parties dodécaphoniques, une technique encore plus amortie que la groupes pour ces années-là.

Cependant, Aribert Reimann, compositeur à peine connu lorsque son ami Dietrich Fischer-Dieskau lui faisait mordre la pomme de la pièce de Shakespeare, s’est jeté dans la piscine et a réussi ; Il y a peu de choses plus sombres que groupes orchestral pour refléter la tension permanente qui traverse l’histoire de Le roi Lear, et il y a peu de choses plus appropriées pour exprimer un peu de lyrisme que ce ton dodécaphonique porté au fil des années. Son collègue et compatriote Hans-Werner Henze s’y était essayé, tout en évitant les peintures noires de cet opéra shakespearien.

Le fait est que Léar Ce fut un succès raisonnablement élevé pour l’époque, déjà noir dans l’histoire de l’opéra européen. Un succès qui a pratiquement couvert le reste d’une carrière de haut niveau comme celle de Riemann, avec neuf opéras écrits, dont certains devraient nous motiver à découvrir en Espagne comme celui-là. Maison de Bernarda Alba de son catalogue, sûrement aussi audacieux que Léar.

En Espagne, cela arrive tard, il y aurait encore du chemin à parcourir, avec en prime cinq ans en plus à cause de la pandémie. Mais le voici, et avec des noms distingués dans la production, à commencer par l’un des barytons les plus célèbres et charismatiques de notre époque, le Suédois Bo Skovhus, qui monte sur scène avec une sagesse dramatique au sommet de son parcours musical, un luxe cela justifie toute production ; son King Lear est le meilleur substitut possible au tant attendu Dietrich Fischer-Dieskau, même si leurs couleurs sonores ne correspondent pas. Ça, me manque Léar chanté par Bo Skovhus aurait été impardonnable.

Et, ne serait-ce que pour notre part, il aurait été difficilement justifiable de rater une production du metteur en scène espagnol Callisto Benoîtdont l’avant-première est d’ailleurs ces jours-ci à Paris L’ange exterminateur, opéra de Thomas Adès, d’après Buñuel. Dans LéarBieito parvient à transmettre son cachet sans que son chapitre d’excès ne s’éternise Le roi Lear. C’est peut-être l’une de ses productions les plus proches de ce que véhicule l’histoire dans laquelle les excès sortent déjà de l’usine grâce à l’imagination de Shakespeare. Il y a des détails idiots, comme l’homme nu qui reste quelques minutes sur scène à regarder le public sans savoir pourquoi, mais aussi des moments exquis, comme cette évocation de Michel-Ange avec l’image du Compassion, ce qui justifie presque à lui seul que Bo Skovhus soit en sous-vêtements pendant tout le deuxième acte. Mais, détails mis à part, Bieito parvient à créer l’atmosphère idéale, guidé par la magie d’un Shakespeare qui est le Deus ex maquina de l’œuvre.

Et la partie musicale demeure, la partition très difficile est conduite comme une Ferrari à 200 à l’heure par un pilote extraordinaire, Asher Fisch, le brillant directeur d’orchestre qui a émaillé la conférence de presse de déclarations fulgurantes, comme lorsqu’il a défini la partition comme une partition , ou lorsqu’il dit quelque chose qui est un élément clé de cette partition : « Si ce n’était pas un opéra, le public ne le supporterait pas. » Et il a raison, le public ne supporte pas les pièces de Xenakis ou de notre brillant Paco Guerrero ou les premières pièces orchestrales de Luis de Pablo ou Cristóbal Halffter, ou tant d’autres de ces années où la saturation orchestrale était la couleur du moment. Même ça Léar, qui est un opéra qui captive, a conduit une partie du public de la première à ne pas regagner leur place lors du deuxième acte, notamment l’ancien président Aznar et Mme. Qu’allons-nous faire, j’ai le même préjugé avec de nombreux films des années soixante-dix.

Anecdotique mise à part, la réalisation de ce Lear est fulgurante et tous les artistes impliqués sont à la hauteur. Du trio de femmes qui représentent les filles du roi, avec une magnifique Cordelia, Susanne Elmark, à un casting de protagonistes dont il est difficile de mettre en valeur les uns par rapport aux autres, du moins en termes vocaux et musicaux, car il est difficile de les interpréter. sur scène… pour digérer que les enfants du comte de Gloucester semblent, et sont probablement, plus âgés que leur père. Mais il faut souligner Andrew Watts dans le rôle d’Edgar, qui excelle dans un rôle dans lequel il chante en ténor alors qu’il est un personnage normal et en contre-ténor lorsqu’il se déguise pour échapper à la colère de son abominable frère. C’est même convaincant lorsqu’il passe la moitié de l’opéra également en sous-vêtements, bien que d’un modèle différent de celui de Lear.

Bref, avec un casting aussi homogène et excellent, il devient injuste et fatigant de chercher des mérites suffisants, surtout pour une partition d’une difficulté diabolique pour laquelle le pitch absolu est presque une condition essentielle.

Et, comme cela est presque évident, l’orchestre et le chœur répondent aux exigences du feuille louable, avec certains tous des sons orchestraux qui ébranlent les fondations de la vénérable maison.

Bref, si l’on parle de performances artistiques, cette production de Reimann est véritablement anthologique, mais si quelqu’un est gêné par les bruits, tous sonores comme sociaux, émotionnels et historiques, il devrait y réfléchir ; C’est Shakespeare. Mais oui, avec l’assaisonnement lyrique d’un Reimann qui a su trouver et mélanger les bons ingrédients pour que cela soit aussi un opéra. Celui qui n’est pas arrivé et presque personne ne s’y attendait.