Le style de mise en scène de Darren Aronofsky

Darren Aronofsky, connu pour ses récits inconfortables, explore dans ses films la complexité humaine, comme en témoigne son dernier succès : « La Baleine ». Fidèle à son esthétique, le réalisateur emmène le spectateur dans un espace claustrophobe, explorant le quotidien de Charlie, son protagoniste, pour révéler les limites et la tristesse de l’obésité morbide.

La performance remarquable de Brendan Fraser, lui a valu un Oscar. Même enseveli sous des prothèses, il humanise le personnage, tandis que l’intrigue cherche la rédemption et le lien familial.

Connu pour ses films surréalistes, mélodramatiques et souvent inquiétants, le réalisateur et scénariste Darren Aronofsky il découvre son côté artistique très jeune, à New York : étant enfant, il était fan de films classiques ; Adolescent, il expérimente le graphite. Cependant, contrairement à d’autres cinéastes de sa génération, qui ont appris le métier sur le tas (comme par exemple Quentin Tarantino et Christopher Nolan), Aronofsky a fini par obtenir un diplôme en cinéma de la prestigieuse université de Harvard.

Le début de la carrière

Après avoir remporté quelques prix avec ses films d’étudiants, le cinéaste réalise ce qui sera son premier long métrage, l’énigmatique «Pi” (1998), co-écrit par et mettant en vedette son camarade de classe universitaire Sean Gullette.

Avec un budget extrêmement restreint et des photographies en noir et blanc, Aronofsky a créé un exercice de style intéressant dans une histoire à suspense sur un mathématicien paranoïaque, qui lui a valu des critiques positives et une reconnaissance au Festival de Sundance et à l’Independent Spirit Award, une récompense nord-américaine importante. Américain pour les productions indépendantes.

Vous souhaitez en savoir plus sur les formations AIC – contactez le notre service.

En partenariat avec Clint Mansell

“Pi” Cela marque également le début du partenariat du cinéaste avec le compositeur Clint Mansell, qui a continué à travailler avec Aronofsky pendant plusieurs décennies, créant les musiques de ses films. “Sa musique dans”Requiem pour un rêve” (2000) est l’une des plus grandes compositions cinématographiques, probablement des 30 dernières années. Il parvient à apporter de la mélodie, du plaisir d’écoute, en même temps qu’il sert le film, en l’occurrence un thriller d’horreur dans une affaire antidrogue. Il est difficile de remplir correctement les deux fonctions : enchanter et dénoncer comme la musique dans un film », explique Leandro Afonso, professeur à l’Académie Internationale du Cinéma (AIC), chercheur et réalisateur.

Même si Aronofsky a ressenti la pression de faire de grands films après le succès de son premier long métrage, «Requiem pour un rêve” (dont le scénario était basé sur le livre d’Hubert Selby Jr.) a reçu un bon accueil, au point de faire de sa carrière de cinéaste indépendant une grande promesse du cinéma nord-américain. Le film percutant a été considéré comme controversé en raison de ses scènes de sexe graphiques et de sa représentation grossière de la consommation de drogues, mais il a garanti à Ellen Burstyn une nomination à l’Oscar de la meilleure actrice.

Cette projection a donné naissance au prochain film d’Aronofsky : «Source de vie” (2006), un long métrage fantastique ambitieux, avec au casting de grands noms, comme Hugh Jackman et Rachel Weisz. « Pour moi, regarder un film, c’est comme aller dans un parc d’attractions. Ma plus grande peur est de faire un film que les gens ne considèrent pas comme une ‘bonne aventure'”, a poursuivi le réalisateur, dont les craintes se sont réalisées : en plus de “Source de vieMême s’il s’agit d’un échec au box-office, le film n’a pas gagné beaucoup de faveur auprès des critiques.

Le retour du réalisateur viscéral

Le retour de Darren Aronofsky s’est produit avec «Le combattant” (2008), un ouvrage simple centré sur le travail des comédiens. Le film a reçu deux Golden Globes et a été nominé pour deux Oscars – Meilleur acteur et Meilleure actrice dans un second rôle. “Pour moi, “Le combattant” C’est le film dans lequel Aronofsky se donne le plus, sans chichi ni frémissement, à la grandeur de la performance, à la force de la douleur et de l’amour d’un anti-héros anachronique, qu’est le personnage de Mickey Rourke. Je l’ai vu deux fois en deux jours, puis je l’ai revu, et cela continue d’être un grand film pour moi », commente Leandro Afonso, qui souligne également les situations triviales, mais en même temps dures et dramatiques, du film.

Le succès public et critique a suivi Aronofsky dans son prochain long métrage : le thriller psychologique «Cygne noir” (2010). Pour incarner la danseuse obsessionnelle qui joue dans l’histoire, Natalie Portman s’est soumise à une dure routine de pratique du ballet pendant un an et a supprimé les doublures dans la plupart des scènes de danse. Elle a reçu l’Oscar de la meilleure actrice pour ce rôle, ainsi que le Golden Globe. Darren Aronofsky a également été nominé pour un Oscar pour son travail sur le film, mais a fini par perdre face à Tom Hooper (de “Le discours du roi”).

Superproductions controversées

Les récompenses reçues par «Cygne noir” étaient l’aval dont Darren Aronofsky avait besoin pour réaliser un autre projet risqué, doté d’un budget de plusieurs millions de dollars : le drame biblique “Noé” (2014), avec Russell Crowe dans le rôle principal. «J’essaie de vivre ma vie de manière à ne pas avoir de regrets. J’essaie donc de choisir la voie qui me passionne le plus, car de cette façon, on ne peut jamais vraiment se reprocher d’avoir fait les mauvais choix. On pouvait toujours dire qu’on suivait sa passion”, a déclaré le cinéaste. Bien qu’il ait rapporté des millions au box-office mondial, le film a été interdit dans certains pays (comme les Émirats arabes unis, le Qatar et l’Indonésie) pour des raisons religieuses.

“Mère!” (2017) a également divisé les critiques et le public. Avec Jennifer Lawrence en vedette, c’est une autre horreur psychologique avec des références bibliques et des touches de surréalisme, y compris des scènes choquantes d’une violence extrême. L’histoire suit la vie d’un couple dans une période indéterminée : elle, soucieuse de rénover la maison ; lui, un écrivain souffrant du syndrome de l’écrivain. Plus tard, après avoir remarqué la confusion du public quant aux métaphores du film, le réalisateur a expliqué qu’il s’agissait d’une allégorie de la « Terre mère ».

Le style de Darren Aronofsky

« Aronofsky n’a pas exactement de style prédéfini, car ses films sont très différents. Je pense qu’une grande partie de son style vient de la taille du budget, et c’est pour cela qu’il varie autant – ou du moins c’est mon impression de ses films », dit Leandro Afonso. Cependant, quelques caractéristiques récurrentes peuvent être pointées dans les œuvres du réalisateur :

• Utilise souvent une technique appelée montage hip hopqui consiste en une séquence d’images rapides avec effets sonores, simulant une action.
• Au lieu de se dissoudre sur un écran noir, Aronofky utilise le disparaîtreau blanc à la fin des films ou des actes/sections.
• Le réalisateur utilise souvent, au montage, des sons d’objets qui n’apparaissent pas dans le cadre.
• En plus des bandes sonores toujours composées par Clint Mansell, il a tendance à préférer les combinaisons d’instruments à cordes avec des rythmes techno.
• Il utilise une fonction de caméra dans laquelle l’équipement est placé sur le corps de l’acteur.
• Une autre ressource fréquemment utilisée est le cadrage. par dessus l’épaule (par dessus l’épaule).
• Les personnages représentés ont généralement de fortes obsessions qui les conduisent à l’autodestruction. Ce sont des gens avec de nombreux défauts, mais capables de gagner la sympathie du public.
• Les scènes de violence en général sont choquantes.
• Les histoires ont des tons surréalistes et suivent une logique onirique.
• Les influences d’Akira Kurosawa, Federico Fellini, Roman Polanski et Terry Gilliam se retrouvent dans les œuvres d’Aronofsky.

Un fait concret est que le cinéaste ne se soucie pas beaucoup de la réaction du public à son œuvre, du moment que le spectateur réagit d’une manière ou d’une autre. Son intention est de faire des films mémorables et d’essayer toujours de créer de nouvelles choses, même si le résultat finit par provoquer l’étrangeté ou le scandale. « Tout mon travail vient de l’intérieur. C’est passionné. Filmer est si difficile que les gens vous disent constamment « non ». Je ne sais pas faire autre chose que croire en la matière», a déclaré Aronofsky, pour qui être moyen est la pire chose qui puisse lui arriver. En tant qu’artiste, votre objectif est de travailler entre deux extrêmes : les applaudissements ou les huées.

*Texte et recherche : Katia Kreutz. Rédaction et mise à jour de Mônica Wojciechowski.