L’avenir du théâtre musical : de nouveaux opéras à Amsterdam et à Essen

Jjeunes dans la salle constamment comble. Enthousiasme pour les nouveautés. Expériences de laboratoire d’élève à élève avec la pratique de la scène. Spectacles en tous genres et ambiance de fête. C’est l’exemple Festival d’opéra en avant au Dutch National Opera d’Amsterdam. Pour la septième fois en mars, des formes contemporaines de théâtre musical ont été testées ici sous une forme concentrée – dans le bâtiment merveilleusement jouable démocratiquement sur l’Amstel.

Trois premières, dont deux avant-premières et une première européenne, étaient au programme. « Changer le monde, il en a besoin » – cette fois, après Brecht/Eisler, était la devise du festival allemand.

Et c’est aussi le nom d’une performance de collage avec le même titre et la musique d’Eisler, Schumann, Rachmaninoff et Beethoven avec des membres du studio d’opéra et un artiste vocal. La question a été posée de savoir si la grande révolution est nécessaire ou si de petits changements suffiront.

Le théâtre musical d’aujourd’hui et peut-être de demain, qui semble assez familier et accessible à Amsterdam, où l’opéra est actuellement du plus haut niveau grâce à l’Opéra national néerlandais, mais n’a encore qu’une courte tradition. En tout cas, il utilise des thèmes et des mythes bien connus pour entrer immédiatement en dialogue, pour communiquer, pour échanger des idées entre makers et consommateurs.

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C’est ce qui se passe entre l’interprétation militante de Peter Sellars de l’icône du féminisme noir et de la déesse du music-hall Josephine Baker, une performance du musicien de jazz américain impromptu Tyshawn Sorey, et une adaptation lyrique bruyante et tout à fait conventionnelle du classique du totalitarisme de George Orwell Animal Farm. par le Russe Alexandre Raskatov.

L’opéra de l’exil Raskatov, qui vit en Allemagne, a peut-être acquis une nouvelle urgence politique en ce moment, mais son contenu est intemporel. Dans une ferme, les animaux prennent le pouvoir sur un pied d’égalité, mais comme nous l’avons tous appris à l’école, “certains sont plus égaux que d’autres”.

Le célèbre slogan se dresse ici à la fin de la production virtuose, animée, colorée et divertissante, mais aussi satiriquement diabolique de Damiano Michieletto en lettres de néon rose entre les murs de marbre d’un abattoir, dans lequel étaient initialement suspendues des cages avec des animaux tristes à tête grise. La plupart d’entre eux se sont désormais humanisés dans des vêtements chics et sans masque, même s’il y a eu un peu de dégâts collatéraux sur le chemin de la nouvelle hiérarchie, qui ne fait que remplacer et n’abolit pas ceux des personnes qui les ont gouvernés jusqu’à présent.

Dans la pièce en deux parties chantée en anglais de Raskatov, qui dure un peu plus de deux heures et que l’Orchestre de chambre des Pays-Bas, riche en percussions et amplifié électroniquement, fait joyeusement avancer sous la direction de l’énergique bassiste Akiki, les personnes brutalisées se comportent beaucoup plus primitivement que les personnes initialement léthargiques, animaux qui se rebellent lentement. Mais les 14 rôles solos sont marqués individuellement par leur articulation et le traitement vocal qui en résulte.

Staline est un cochon

Les cochons grognent des basses saturées, les chèvres bêlent soprano, la vieille jument hennit en colorature vaporeuse, les chiens aboient, l’âne crie et Blacky le corbeau, commentant à la Cassandre, se retourne à nouveau entre fausset et voix de poitrine, comme le seul humain depuis le début (dans la figure de l’épouse de Raskatov, Elena Vassilieva) – jusqu’à ce que Napoléon (ou mieux : Staline en cochon) dans une veste bleue (Misha Kiria) émerge comme le nouveau dictateur.

Une Arche de Noé darwinienne avec un chœur de volailles d’enfants et des masses plutôt passives devant quelques individualistes égarés augmente dans cette partition colorée entre drame d’opéra grotesque exagéré et sons de musique de film, qui fonctionne souvent avec des bruits, ce qui est souvent illustratif, mais néanmoins rapidement captivant. Cela réussira certainement aussi avec les partenaires coproducteurs à Vienne, Palerme et Helsinki : la diffusion de cet opulent opéra est donc assurée.

Ce n’est peut-être pas un rêve d’avenir, mais c’est aujourd’hui un théâtre musical réussi. Comme il y a un an au même endroit l’opéra de Manfred Trojahn ! Prix ​​2023 d’excellente réécriture du mythe “Eurydice – les amants, aveugles”.

« Perle Noire : Meditations für Joséphine » ne bouge pas à ce niveau. En général, ces deux heures sur Joséphine Baker, un peu trop longues, ne sont pas un opéra, mais plutôt un concert joué. Peter Sellars fait franchir sept marches à ses protagonistes jusqu’au piédestal de la diva, se tortille sur le sol et jure furieusement.

Car bien sûr cette pièce, qui reprend sept numéros de cabaret de Baker à connotation raciste et les fait passer au niveau supérieur et les radicalise, est accusée d’activistes. Dans les intermèdes de Claudia Rankine, la légendaire danseuse et combattante de la paix devient une prima donna réveillée, sans banane ni brillantine dans les cheveux. Mais certainement avec une nudité transparente. Et avec la personnalité presque détonnante de la soprano Julia Bullock, qui a longtemps été une muse de John Adams, mais qui est aussi à l’aise dans le baroque et le spirituel.

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Leur voix riche, sonore, doucement caressante, miséricordieuse et colérique ne connaît aucune frontière vocale et aucune limite stylistique. Encadrée par six instrumentistes qui lui sont très proches musicalement, le compositeur Tyshawn Sorey aux percussions et au piano, elle rock la soirée. Un évènement. Elle seule vaut tous les opéras.

Et même si sa Joséphine n’a pas grand-chose en commun avec la première Baker, on s’accroche à chaque mot de Bullock, la regardant fascinée. L’année prochaine, elle sera à l’affiche d’un nouvel opéra sur le procès de la compagnie pétrolière Shell (dans laquelle la Couronne néerlandaise détient une participation) dans l’opéra Forward n°8 sur le thème de la « responsabilité » ; 100 ans plus tard, il y aura aussi une suite féministe à Oedipus Rex de Stravinsky avec Antigone de Samy Moussa, tous deux mis en scène par le chorégraphe très recherché Wayne McGregor en collaboration avec le Dutch National Ballet.

Lavinia Dames est Nicole Kidman

Mais l’opéra contemporain qui impressionne un public enthousiaste peut aussi le faire Théâtre musical Aalto Dans la nourriture. Et pas seulement parce qu’à la fin de la mise en scène par Gordon Kampe du scénario anglais de Lars von Trier pour le film culte “Dogville”, l’héroïne Grace fauche les villageois dans une furieuse épreuve de force puis une voiture d’époque rapproche leurs habitations primitives sur une pente le long le portail de scène sous des gerbes de feu. La merveilleuse Lavinia Dames dans le rôle de Nicole Kidman alors qu’ici Faye Dunaway-esque Bonnie se libère comme un ange de la mort.

La version opéra, savamment condensée à 105 minutes et quelque peu parlando-monotone au début, prend de l’ampleur à partir de la mi-course, car Kampe, dans sa partition polystylistiquement empilée, mélangeant habilement l’atmosphère, que Tomas Netopil a entassée sur le podium dans un de manière tonalement rigide, permet enfin aux individus de chanter, où au début magnifiquement harmonieux, le collectif du village, trouvant lentement un ton, s’unit vocalement jusqu’à l’ensemble de douze musiciens.

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La mise en scène sobre de David Hermann, qui reprend l’effet Brecht épique de von Trier sur les plans de maison uniquement enregistrés en studio, se fait plus dense et plus intense ; à laquelle la scénographie minimaliste et forte, y compris la lumière de Jo Schramm, contribue de manière décisive.

“Dogville” n’est pas non plus un nouveau son académique, mais immédiatement captivant, à partir d’une parabole dans le style strict de Thornton-Wilder formant une histoire idiosyncrasique, un opéra tonique engageant comme un drame toujours vivant. Ici aussi, 15 protagonistes acquièrent des statures différentes et traversent des changements.

Les 18 scènes montées en douceur se déroulent comme un talkie-walkie à bout de souffle. Et elles sont toujours imbriquées à la scène, la musique tire son sens de la nécessité du scénique. Ce n’est pas nouveau, mais c’est bien versé et a enthousiasmé le public au complet.