Marc Brenner
Peu de spectacles de théâtre ont généré autant de battage médiatique que cette nouvelle version de l’histoire d’amour de Shakespeare mettant en vedette l’icône de la génération Z, présentée à Londres. Malheureusement, il est coulé par une mise en scène fantaisiste et austère et oppressante.
Le théâtre est nécessairement une forme d’art assez localisée, il est donc remarquable de voir une seule production atteindre le statut d’événement mondial. C’est pourtant sans doute ce qu’est devenue une nouvelle version de Roméo et Juliette dans le West End de Londres, grâce à l’un de ses protagonistes – un certain Spider-Man, Tom Holland. Vous pouvez ressentir l’effet de l’aura très particulière de la méga-célébrité de la génération Z aux Pays-Bas dans le brouhaha particulier du public avant le début de la pièce, et vous pouvez certainement le ressentir après, dans les scènes sans précédent à l’extérieur du Duke of York’s Theatre, où des centaines de les fans pullulent derrière les grilles, attendant d’apercevoir Holland alors qu’il se déplace de la porte de la scène à sa voiture, saluant comme un roi.
Si seulement le spectacle lui-même était capable d’égaler cette énergie. Malheureusement, il s’agit d’une affaire déprimante et sans vie, qui parvient d’une manière ou d’une autre à être à la fois surestimée et sous-alimentée. Ceci, il faut le souligner, n’est en aucun cas la faute des acteurs – ni Holland, qui va bien, ni Francesca Amewudah-Rivers, qui joue Juliette, qui va mieux que bien, ni les seconds rôles. Le problème réside fermement dans la mise en scène fantaisiste et austère et oppressante, qui joue systématiquement contre eux tous.
Cela soulève la question suivante : à quoi sert exactement un théâtre qui cherche si désespérément à imiter la télévision et le cinéma ?
Même s’il n’est guère au niveau hollandais, le réalisateur Jamie Lloyd est lui-même un personnage au box-office : l’un des très rares créateurs de théâtre « de renom », qui s’est fait connaître pour ses réimaginations minimalistes de classiques mettant en vedette des stars habillées. Il s’agit notamment des récentes versions de A Doll’s House, avec Jessica Chastain, The Seagull, avec Emilia Clarke et, l’automne dernier, de Sunset Boulevard d’Andrew Lloyd Webber, avec Nicole Scherzinger ; ce dernier, après avoir remporté des éloges dans la capitale britannique, se rendra à Broadway à l’automne.
Le danger, cependant, est que ce qui semble radical la première ou la deuxième fois peut rapidement devenir une formule – et il y a un sentiment de prévisibilité légèrement las d’être accueilli à l’arrivée par une scène nue, à l’exception des clôtures métalliques et des pieds de microphone, tandis qu’un grincement un paysage sonore électronique industriel résonne à travers les haut-parleurs. Oh, et au centre de la scène, il y a des lettres géantes au sol indiquant le lieu de la pièce, Vérone. Les choses ne deviennent pas plus subtiles à partir de là.
Où ça va mal
Ce qui fait vraiment sombrer les choses, c’est l’utilisation continue du travail de caméra en direct, avec des acteurs suivis par des caméramans tout autour du bâtiment – même, à un moment donné, jusqu’au toit du duc d’York – et des images projetées sur grand écran. Il s’agit d’un dispositif désormais de plus en plus familier du théâtre moderne, que Lloyd lui-même a déployé sur Sunset Boulevard, et qui peut être efficace s’il a un objectif clair – voir l’ingénieuse adaptation individuelle du Portrait de Dorian Gray par la Sydney Theatre Company, que l’on vient de voir dans la star du West End avec Succession, Sarah Snook, qui a utilisé toute une flotte de caméras pour aider le public à accéder, entre autres, à l’état narcissique du personnage.
Marc Brenner
Mais ici, la finalité thématique de la cinématographie est douteuse et cela soulève plutôt la question : à quoi sert exactement le théâtre qui cherche si désespérément à imiter la télévision et le cinéma ? Plutôt que le frisson d’une expérience live sans médiation, le public est séparé des interprètes, les interprètes sont séparés les uns des autres, et il y a peu de sens d’un monde cohérent dans lequel les personnages existent.
Ce sont les scènes d’Amewudah-Rivers et Agyeman ensemble, dans lesquelles ils plaisantent sur une alchimie fraternelle, qui sont véritablement le cœur battant de cette production.
Prenez la scène où Roméo aperçoit Juliette pour la première fois lors d’une fête : ici Holland est seul sur scène, regardant Amewudah-Rivers sur l’écran, où elle est diffusée depuis le lieu sans attrait du hall du théâtre du duc d’York – pas exactement un excellent remplaçant pour la salle de bal des Capulet. Ce qui devrait être un moment électrique de coup de foudre est ainsi dépouillé de son étincelle.
En effet, caméras mises à part, on remarque à quel point les acteurs sont peu autorisés à interagir de manière organique : à d’autres moments, ils sont obligés d’utiliser ces microphones et/ou de se tenir côte à côte, face au public, déclamant leurs répliques, sans regarder l’un l’autre. Cela rend les événements souvent insupportablement statiques, au point de devenir une corvée, malgré les coupures textuelles importantes qui l’ont réduit à une durée relativement rapide de deux heures et 15 minutes. Le nadir arrive dans le rendu complètement non dynamique de la scène de combat culminante à mi-chemin, qui voit la mort de Mercutio et Tybalt : ici, il n’y a aucune forme physique, juste une panne de courant instantanée, avant que les personnages réapparaissent comme par magie nouvellement ensanglantés.
Une humeur maussade
Avec son décor de boîte noire, sa conception sonore constante et sinistre et son éclairage austère, Lloyd semble également vouloir faire de Roméo et Juliette une sorte d’horreur nihiliste – vidant l’histoire d’amour de la lumière et de l’ombre qu’elle devrait avoir devant elle. aboutit à sa fin tragique. La performance de Holland souffre particulièrement, sentez-vous, d’être en phase avec cette esthétique résolument pessimiste. Il a une présence scénique certaine, mais l’habitude de jouer une humeur à la fois, plutôt que de rendre son Roméo psychologiquement convaincant, et vers la fin, il est réduit à une désaffection hargneuse, la tendresse émotionnelle de Roméo presque oubliée.
La nouvelle venue Amewudah-Rivers, en revanche, transcende son environnement morose et constitue la véritable grâce salvatrice : elle maîtrise les vers communs aux meilleurs acteurs shakespeariens, ainsi qu’un esprit naturel, qui se déploie particulièrement bien au début. scènes de cour. À ses côtés se trouve l’ancienne assistante de Doctor Who, Freema Agyeman, un délice comique et chaleureux dans le rôle de l’infirmière de Juliette. En effet, ce sont les scènes d’Amewudah-Rivers et d’Agyeman ensemble, dans lesquelles ils plaisantent avec une chimie fraternelle, qui sont véritablement le cœur battant de cette production – ce qui n’est peut-être pas ce que Shakespeare avait prévu, mais voilà.
Des rumeurs suggèrent que le spectacle sera transféré à New York et j’espère, quelles que soient les réelles lacunes de ce Roméo et Juliette, que l’effet Holland pourra inspirer une nouvelle génération de spectateurs, sans parler des amateurs de Shakespeare. Sauf que malheureusement, cela ressemble à un théâtre qui se déteste, qui croit que les écrans sont tout et n’a aucune réelle confiance dans la valeur inhérente de sa propre forme d’art. Considérez-le plutôt comme une satire immersive sur l’état des arts, peut-être, et cela tombe plutôt mieux.
2024-05-24 07:35:12
1716534002
#star #nest #pas #blâmer #mais #cette #productionévénementmondial #est #sans #vie
