Jses Tramway est en train de transporter. Le casting de la production de Rebecca Frecknall garanti une venteet signe trois performances envoûtantes : Paul Mescal dans le rôle qui Brando et son T-shirt joué dans le film de 1951, aux côtés de Patsy Ferran, intervenant tard pour un blessé Lydia Wilson, comme Blanche, et Anjana Vasan comme soeur Stella. Pourtant, le triomphe central est la capacité de Frecknall à trouver le pouls du jeu de Tennessee Williams en 1947. La confusion et le désir ne s’incarnent pas dans un seul spectacle : ils balayent la scène, poussent l’action.
Frecknall a été acclamée pour sa production massive de Cabaret (toujours en cours au Playhouse). Pourtant, sa véritable percée a été sa réinvention en 2018 du peu connu de Williams L’été et la fumée, mettant également en vedette Ferran et Vasan: Frecknall a rendu la pièce étrange, la faisant paraître à la fois interne et similaire Tramway double. Cette production a un effet similaire, quoique plus étendu.
Les gestes et décors familiers sont bannis : pas d’évents langoureux, moins de ronflements musclés, pas d’enchevêtrement d’escaliers de fer. Le dessin de Madeleine Girling, qui va et vient sous l’éclairage de Lee Curran, est dépouillé mais délivre un point essentiel en étant en ronde-bosse : l’action est vue de plus d’un point de vue. La Stella de Vasan, souvent plongée en elle-même, sa voix grave, est une présence saisissante, en partie un avertissement de là où l’amour peut vous emmener. Mescal, aux épaules droites mais aux mouvements rapides, est un formidable mélange de poudrière et de dégâts. Il est sur ses gardes dès qu’il rencontre la sœur de sa femme – le lien entre les femmes est mis en avant avec une force exceptionnelle, comme la clé de toutes leurs relations. Il hurle de juste rage et de douleur d’être traité de Polack ; pourtant, vous le voyez accumuler une force horrible auprès de ses compagnons de beuverie masculins : le viol de Blanche est alimenté par une foule.
Pendant ce temps, la merveilleuse Ferran, plus jeune que d’habitude pour la femme qui dépend de la gentillesse des étrangers, apporte un esprit particulier à Blanche : elle fusionne l’innocence et le snobisme, et soulève un rire gêné avec sa référence pointilleuse à Edgar Allan Poe alors qu’elle roule des yeux à arrangements de sa sœur. Elle semble propulsée par la vélocité de ses mots, son propre rire si forcé et dur qu’on peut presque le voir suspendu dans les airs.
La formation de Frecknall en tant que danseuse imprègne sa production. Non seulement dans les épisodes de ballet (elle exagère parfois la flexion des membres) mais dans la chorégraphie qui regroupe et disperse la distribution à un rythme distinctif. La musique et le son – d’un groupe et d’un chanteur au-dessus de l’action – sont essentiels ici : crooner, fredonner, siffler, le choc des cymbales, le bruit sourd des tambours, une clameur rudimentaire ; un mélange de chaos intérieur et extérieur. C’est le bruit qui finit par vaincre Blanche : dans une touche merveilleuse, les gens qui l’emmènent à l’asile sont les musiciens : ce sont des accords, et non des cordes, qui vont la lier.
En 1941, huit mois avant que Pearl Harbor n’entraîne les États-Unis dans la seconde guerre mondiale, Regarder sur le Rhin – une demande que l’Amérique agisse contre le fascisme – a été produite. C’est astucieux du Donmar (réveil, Arts Council, qui a enlevé la bourse du théâtre, tout en diminuant le financement d’Almeida) pour faire revivre la pièce de Lillian Hellman maintenant. La production séduisante et convaincue d’Ellen McDougall témoigne de la peur actuelle de la montée de la dictature et des nouvelles fissures entre l’Est et l’Ouest.
C’est pourtant une pièce étrangement en contradiction avec elle-même. Hellman était à la fois spirituel et visionnaire politique – pas nécessairement des catégories exclusives, mais dans son cas, inconfortablement menottées les unes aux autres. Son appel aux armes est inattaquable, son exécution parfois raide. Une grande dame américaine reçoit la visite de sa fille, qui s’est mariée et a eu une famille avec un combattant de la résistance allemande; l’intrigue tourne autour de la trahison, de l’évasion et de la violence ; son but est l’éveil du nouveau monde à l’ancien.
La pièce de Hellman contient des événements et des personnages historiques (personnages inspirés du diplomate roumain le prince Antoine Bibesco et de l’activiste antifasciste Muriel Gardiner) mais l’action est inventée et son réalisme amoindri par la réticence de la dramaturge à faire de son héros un juif : elle se méfiait des provocations américaines. antisémitisme. La production de McDougall nuance ingénieusement la caractérisation avec le directeur musical Josh Middleton’s score, remplaçant des fragments classiques par un hymne socialiste juif. Un premier clin d’œil à l’imbrication de la fiction et de la véritable horreur politique est donné ici en affichant le générique du film de 1943 de Bette Davis.
Le dialogue est souvent arrêté, et John Light et Carlyss Peer sont plus rigides que ne l’exige même la rigidité de leurs personnages. Pourtant, des phrases mémorables sont éparpillées partout : je supporterais beaucoup de lignes stupides pour le commentaire de la matriarche dans son salon alors qu’elle reconnaît la vérité de la brutalité nazie : “Nous avons été secoués des magnolias.”
Des performances mémorables aussi. Patricia Hodge incarne avec autorité l’arrière-grand-mère – gâtée, autrefois adorée, hérissée et aboyante comme une veuve âgée. Sa certitude hautaine est enfin fêlée, mais elle ne s’effondre pas : elle reste elle-même, même si sa chevelure dorée est légèrement arquée. Il y a une performance exceptionnelle de Bertie Caplan dans le rôle de son jeune petit-fils effrayant et éloquent; hyper alerte mais avec une enfance flétrie par la menace de persécution. Inégal mais fascinant, cela livre l’histoire quand c’était l’actualité.
Notes par étoiles (sur cinq)
Un tramway nommé Désir ★★★★★
Regarder sur le Rhin ★★★★
