La deuxième journée de la vingtième édition du Trayectos Festival s’est terminée avec des pièces aussi créatives qu’extraordinaires

Il Musée de Saragosse a de nouveau abandonné son patio intérieur pour la représentation de quatre œuvres merveilleuses qui nous font comprendre que la vingtième édition de ce festival appartenant à la Acieloabierto rouge.

La Cerda. Photo: Marta Cendrier – Mimöi

LACERDA. Catalogne

LA DANSE DE LA GAUCHE.

Chorégraphie : Edward Tamayo

Interprétation : Edward Tamayo, Johann Perez, Aina Wool, Valentina Azzati

J’ai toujours été un ferme défenseur du fait que la connaissance et la maîtrise de la technique académique de la danse nous donne la liberté nécessaire pour pouvoir dire ce que nous voulons dire. Cependant, si cela n’est pas “dansé”, c’est une simple “reproduction obéissante” de nos corps : Quelque chose comme si on s’était aliéné au milieu d’un processus d’apprentissage, puisque l’on est venu à confondre les moyens avec les fins.

Maintenant bien, La danse de la main gauche C’est un bon exemple pour comprendre qu’une fois que vous parvenez à bouger comme vous l’entendez, c’est lorsque vous commencez à interpréter et à danser une vraie pièce, et plus encore, si c’est votre propre création. Ainsi, les membres de cette compagnie catalane rendaient hommage au simple fait de danser : collectivement, avec des pas typiques de genres différents… C’est qu’ils sont allés si loin avec cette œuvre que, il est difficile de ne pas aimer la danse après l’avoir vue.

Les membres de LaCerda ils occupaient tout l’espace avec de petits mouvements qui dessinaient des vecteurs dans différentes directions, ou avec des mouvements de groupe qui façonnaient l’air à leur goût et à leur plaisir. En plus de cela, il n’y avait aucun moyen de prédire ce qu’ils allaient faire, à tel point qu’il m’est venu à l’esprit qu’ils n’avaient même pas chorégraphié toute la pièce. Comme s’ils avaient tout laissé à l’écoute collective et au dur labeur collectif que tous ces professionnels auront traversé en équipe. Ce qui m’amène à affirmer que la rigueur et l’engagement dans ce qui se fait ne doivent pas nécessairement être associés à une dynamique assumée “militaire”, au moment où l’on a choisi de représenter ce que l’on veut représenter, convoquant un groupe d’interprètes pour danser dans unisson.

C’est tellement bien composé La danse de la main gauche que les répétitions de certaines de leurs phrases chorégraphiques apportaient plus d’information et de profondeur au contenu qu’ils transmettaient à ceux d’entre nous qui composaient le public. C’est ainsi qu’une pièce purement formelle est beaucoup plus éloquente que celles qui optent pour des formats de type narratif. Et loin de sous-estimer ce qui précède, le fait est qu’il ne faut pas oublier que la danse est une discipline abstraite, et un véhicule capable de transcender les objets d’étude de la sémantique, et si vous me pressez, aussi de la sémiotique. Pour cela et bien plus encore, ce travail donne lieu à des investigations pluridisciplinaires. La danse de la main gauche c’est un pur délice !

Photo: Marta Cendrier – Mimöi

MARIA GANZARAIN. Aragón. (Première)

CHAMP OUVERT

Chorégraphie et interprétation : María Ganzaraín

Se préparer à la danse, c’est passer par une sorte de « rituel » qui laisse notre corps disponible sur le plan physique et mental. Tout cela va au-delà de la prévention des blessures ou de la concentration sur ce que nous avons prévu pour concrétiser la séance en question. Où je veux aller, c’est que Champ ouvert C’est une œuvre dans laquelle María Ganzaraín nous représente et recrée les différentes manières d’entrer dans des états corporels et mentaux pour danser. Dans lequel passer par différentes émotions, qualités de mouvement et d’autres choses comme ça, sont les moyens pour que la danse ait lieu.

Je parle d’une de ces pièces où l’on ose explorer l’intérieur, puiser dans ses propres entrailles et son imaginaire du monde. Même s’il est vrai que de nombreuses pièces qui parcourent ces chemins finissent par être “exhibitionnistes” et prétentieuses. Au contraire, ce professionnel basé en Aragon a agi avec vérité et conviction. Dès lors, je comprends que cette œuvre doit être lue comme un symptôme de ce qui germe à l’intérieur d’un danseur et créateur qui fera parler de lui dans les années à venir.

En outre, Maria GanzarainAu fond, il n’a fait que “jouer” sur scène, comme s’il s’agissait d’une improvisation dans laquelle on “lance” sans rien chercher ni éviter, signe de sa générosité, de son ouverture et de son courage. Cela dit, il est clair que Champ ouvert c’est monté au millimètre près, ce qui me laisse penser que peu de professionnels d’un certain âge entreprendraient de tels projets. C’est-à-dire : une personne qui s’est familiarisée avec une poignée d’outils, mais qui se cherche encore, recourt à diverses stratégies pour savoir qui elle est et savoir comment elle danse vraiment.

Dans cette ligne, le poème qu’il nous a récité n’était rien d’autre qu’un ensemble de réflexions sur ce qui vit en chacun de nous, êtres humains, mais pas pour les “faire exploser” comme l’a fait ce professionnel, eh bien, on dépend de la chance pour redécouvrir votre plein potentiel. María Ganzaraín sait déjà quelle est la route qu’elle doit emprunter pour continuer à être et à être dans le monden’attendant plus la mort comme quelqu’un assis à un arrêt de bus.

Photo: Marta Cendrier – Mimöi

ELIAS AGUIRRE. La communauté de Madrid

SOMMES DE FLEURS

Chorégraphie : Elias Aguirre

Interprétation : Mario González, David Eusse, Elías Aguirre

Elías Aguirre et son équipe nous ont plongés dans les confins d’une jungle habitée par une série de personnages dont, pour une raison ou une autre, nous n’avions toujours aucune nouvelle de leur existence. Pourtant, nous n’avons d’autre choix que de recourir à des choses “équivalentes” générées par l’être humain, dans sa recherche de se reconnaître à travers sa représentation particulière de la Nature. Dans mon cas personnel, cela m’a aidé à garder à l’esprit les personnages uniques des films Studio Ghibli et ceux qui font partie du jeu vidéo Hollow Knight.

En même temps, j’ai rapproché leurs mouvements de ceux que l’on peut trouver en danse contemporaine, en théâtre physique ou en danse urbaine. Ce que je veux dire avec tout cela, c’est que ces professionnels ont atteint un tel degré de surcroît de vie quotidienne que lors de l’exécution de Têtes de fleurs, j’avais de sérieux doutes sur le fait qu’il s’agissait d’êtres humains. Et malgré le fait que tout se passait sous nos yeux, il était difficile de déchiffrer quels personnages jouaient Elías Aguirre, David Eusse et Mario González, ainsi que quel type de relation il y avait entre eux. Ce qui se traduit par le fait qu’après l’enquête exhaustive que seuls ces professionnels sont passés ont accès à ce monde qu’ils ont représenté dans Têtes de fleurs, leur donnant la possibilité de continuer à fouiller dans toutes les directions. Sans oublier que dans la musique de Ed est mort Ils ont trouvé un allié pour que tout soit parfaitement mis en place, même si aucun accessoire n’a été placé sur scène, et nous continuons à avoir le même fond que les autres pièces qui ont été programmées cet après-midi de juin au Musée de Saragosse.

Finalement, Têtes de fleurs Je trouve que c’est un travail amusant, intelligent, énigmatique et très mature. Que demander de plus à un spectacle vivant, pour franchir les frontières et élargir nos connaissances et nos expériences ?

CARLA SISTERE. Catalogne.

LA MÉTHODE SAD-FOU

Chorégraphie : Carla Sisterè

Interprètes : Carla Sisterè et Ana Sagrera

Comme s’il s’agissait d’un conteur dramatisé, Carla Sisteré et Ana Sagrera ils nous ont pris par la main à travers une histoire aussi baroque que loufoque. Exactement ce qui se passe quand la condition humaine est abordée du point de vue d’un clown : un philosophe qui garde un pied dans la réalité que nous partageons tous, et un autre essaie de le poser sur un plan bizarre dans lequel, par exemple, il s’inscrit la possibilité que l’huile soit extraite en pressant une pomme. Bien sûr, peu importe si le clown “échoue” lors de son apprentissage que l’huile ne sort pas des pommes, la clé est de savoir comment il s’en occupe, et bien sûr, de quelle manière, nous les spectateurs, nous sentons interpellés .

Ainsi, les membres de cette société catalane ont pu rendre crédible quelque chose qui, dans d’autres contextes, semblerait farfelu. Et dans cette vérité qui était dans chacune de ses actions, ce que signifie se balancer dans la vie a été révélé, car rien n’est stable et prévisible. Dans ce maelström, se dévoilent les rôles joués par ces deux professionnels, qui ont trouvé la clé qui unit toute la formation qu’ils portent avec eux dans les arts de la scène en une courte pièce. Dans cette mesure, La méthode triste-folle Il illustre à ceux qui ont encore des comptes en attente combien il est bénéfique de mettre en relation divers codes et langages, afin que les créations dans lesquelles ils s’embarquent soient les plus cohérentes et complètes possibles.

C’était très excitant de sentir que La méthode triste-folle ça pouvait finir de mille façons, et en plus d’être sûr que ça pouvait durer des heures. En fait, je défends que tout sujet qu’ils introduisaient aurait été utile pour approfondir le vulnérabilité qui nous caractérise tant, puisque derrière toutes ces larmes, ces rires qui frisaient le délire ou l’enhardissement…, il y avait une personne qui apprend à être plus droite et consciente de sa condition. Sans aucun doute, étudier la philosophie, les sciences naturelles ou les sciences sociales fournira à nos têtes des concepts et des données, mais cela n’a aucun sens quand on n’obtient pas une traduction qui s’adapte à notre quotidien, et c’est bien de cela qu’il s’agit. vivre; et bien sûr, c’est ce que j’ai lu La méthode Sad-Mad.

Pour tout ce que je vous rapproche et bien d’autres choses, Je ne me retiens pas de partager que c’est le travail qui m’a le plus ri et amusant jusqu’à présent dans la saison 2022-2023. Et si, en plus, on tombe sur des interprètes qui s’amusent à faire quelque chose avec rigueur, intelligence et qui courent le risque de passer pour un couple de “mamarrachas”, eh bien, ils obtiennent un fan à vie qui aimerait voir ce travail au moins environ deux fois de plus.