CRITIQUE | RÊVES DE ROBOTS. Les chiens rêvent-ils de robots électroniques ?

Cette 2023 s’avère être une année particulièrement marquante en termes de premières d’animation. Ce fut bien sûr une année riche en propositions de haut niveau qui ont choisi de sortir des schémas habituels de ce type de films. De la perfection de maîtres comme Hayao Miyazaki o Makoto Shinkai (Le garçon et le héron, Suzume), la revue exquise du cinéma de super-héros (Spider-man : Traverser le multivers, Tortues Ninja : Chaos Mutant), le saut inspiré du monde du jeu vidéo au cinéma (Super Mario Bros. Le film) ou les propositions que nous a faites le cinéma d’auteur espagnol (Tirez sur le pianiste, Rêves de robots), le bilan annuel est extraordinaire.

Pablo Berger C’est un cinéaste qui se caractérise par son implication constante dans des projets risqués qui le mettent au défi. Une filmographie qui réunit des titres aussi disparates que Torremolinos 73, Blancheneige o Abracadabra et qui finit par former une trajectoire cohérente grâce à la personnalité de son auteur, il est toujours ouvert à la surprise. Rêves de robots en fait certainement partie. Présenté dans la section Panorama du Calavera Island Festival, il a reçu, entre autres, le Prix du public au Festival de Sitges, le Prix Contrechamp au Festival d’Annecy et le Meilleur film d’animation aux European Film Academy Awards. Se démarquant toujours comme l’une des propositions les plus originales et émotionnelles de la programmation.

DE LA BD À L’ÉCRAN

L’origine de ce film se trouve dans le roman graphique du même nom, publié en 2007, écrit et illustré par Sara Varonune artiste reconnue avant tout pour son travail destiné à un public d’enfants, bien qu’en toute honnêteté, Rêves de robots, plus qu’une œuvre pour enfants, est une histoire universelle pour tous les publics, valable aussi bien pour un enfant de 9 ans que pour tout lecteur adulte. C’est une de ces œuvres à large portée, dont vous pouvez avoir une interprétation si vous la lisez en tant qu’enfant et une autre (pas différente, mais plus complexe) à travers les yeux d’un adulte.

La bande dessinée nous raconte l’amitié, la perte et la solitude dans notre société moderne, à l’aide de dessins simples, avec des personnages anthropomorphes, mais avec un récit très profond, qui joue avec les points de suspension et le passage du temps pour transmettre son message optimiste, mais doux-amer. Porter cette histoire à l’écran n’a pas été facile. Le roman graphique est constitué d’une série de chapitres sous forme de nouvelles, disposés chronologiquement au fil du temps narratif. Les points de suspension deviennent ainsi l’une des principales ressources du récit, au même titre que l’absence de dialogue. Tous ces éléments essentiels, mais difficiles à traduire au cinéma.

L’ÉTRANGE COUPLE

L’histoire de Dog and Robot est une allégorie de la vie moderne et de la façon dont nous faisons face à la distance ou à la perte. Dog mène une vie solitaire et aliénée, avec un besoin existentiel de compagnie, mais sans pouvoir se connecter avec les gens qui vivent autour de lui, qui entrent et sortent de sa vie comme si cette relation était consciemment éphémère et qui n’avait jamais de sens au-delà. le moment. Le contraire se produit avec Robot. Il y a immédiatement une connexion et un véritable sentiment d’amitié, ou d’amour, si vous préférez, s’établit entre eux.

Les relations humaines, tant dans la bande dessinée que dans le film, bien que particulièrement pertinentes dans ce dernier, sont étroitement marquées par le passage du temps et les conditions de la ville, qui devient un autre personnage de l’histoire. L’un des aspects les plus travaillés et développés de l’adaptation réalisée par Pablo Berger est celui du New York des années 80, avec ses immeubles d’habitation, sa population multiculturelle, le bruit, la musique, la couleur des rues. Rien de tout cela n’est présenté à aucun moment comme un élément sombre ou menaçant, même si la surpopulation de la ville renforce le sentiment de déshumanisation et de solitude chez des personnages comme Dog, qui ont du mal à établir une relation émotionnelle étroite et durable avec les gens. les gens qui vivent autour. D’où aussi le fait qu’il doive recourir à un robot, sans que cela ne soit jugé à aucun moment, ni par Sara Varon, ni par Pable Berger, ni par le spectateur. L’amitié des deux protagonistes semble pure et vraie. Sinon, cette histoire n’aurait pas fonctionné.

DESSIN ANIMÉ

Alors que le travail de Sara Varon Il nous rappelle les dessins de journaux, avec ses récits brefs et son style de dessin caricatural et simple ; le film nous emmène au Symphonies idiotes ou la Looney Tunes en termes de ton simple et clair du dessin et des récits. Cela ne veut pas dire que nous sommes confrontés à un travail d’animation conventionnel ou médiocre. Au contraire, atteindre ce degré de purification, de distillation de l’essence émotionnelle du film n’est pas facile, surtout quand, étant donné la brièveté du roman graphique, le film a besoin de développer de nouveaux éléments qui élargissent l’histoire. Ces nouveaux éléments fonctionnent organiquement avec ce qui est déjà présent dans l’œuvre de Varon, qualifiant voire améliorant l’œuvre originale (en particulier, la fin du film semble mieux résolue et culmine mieux l’histoire émotionnellement que le roman graphique).

Un autre aspect que le film intègre avec succès est la composante référentielle et nostalgique, avec de délicieux clins d’œil à la culture pop occidentale. On retrouve ici des références à la comédie musicale des années 30 et 40, de Busby Berkeley un Le magicien d’Ozmais aussi à des éléments ultérieurs, comme la musique des années 70 et 80, avec Terre, Air et Feu à la tête. À aucun moment cela ne devient gratuit, mais cela donne plutôt une plus grande profondeur émotionnelle aux deux personnages principaux.

SYMPHONIE DE LA VILLE

Pablo Berger nous l’avait déjà montré avec Blancheneige qui pourrait raconter un film sans les dialogues. Si celui-ci était un hommage au cinéma muet, ici l’absence de dialogue remplit une fonction différente, davantage liée à ce portrait de solitude et de tristesse qu’est véritablement le film. Trois éléments fondamentaux se réunissent ici. Le travail sonore du film est exceptionnel, reproduisant cette symphonie cacophonique que devient une ville cosmopolite comme New York, connue, non gratuitement, sous le nom d’Asphalt Jungle.

L’autre élément est la musique. Au sein de cette symphonie urbaine, la musique même qu’écoutent les habitants de la ville, ce mélange de styles, vient s’ajouter au bruit de la ville, fonctionnant de manière organique avec la section sonore. Finalement, nous avons le score de Alfonso Villaronga, dont la fonction principale est de donner la parole aux personnages et de servir de pont pour le spectateur, résolvant le manque de dialogue. Tout ce travail et les interactions de ces trois éléments sont extraordinaires, se nourrissant les uns des autres tout au long du film.

LA TENDRESSE

Rêves de robots Il évite la grandiloquence et, avec sa simplicité et son honnêteté, il construit un chef-d’œuvre, une histoire pleine de tendresse, amusante et optimiste, mais en même temps émouvante, crue et douloureuse. C’est justement l’équilibre de ce mélange doux-amer qui nous semble fondamental pour que l’histoire d’amitié entre Chien et Robot pénètre si profondément dans le cœur du spectateur.