«Est-ce que j’agis à mon âge?» Billie Eilish, 22 ans, s’interroge à voix haute dans la chanson d’ouverture de son ambitieux troisième album, “Hit Me Hard and Soft”.
“Je suis déjà sur le point de sortir?”
L’album de 10 titres voit un artiste pop unique en son genre réécrire une fois de plus les règles. Dans son premier album, Eilish a présenté au monde sa brillante pop horreur, avec son humour macabre, ses rythmes divers et ses sentiments adolescents, son deuxième a séché ces larmes noires pour le chant pop et les réflexions bossa nova sur les attentes de la gloire. Le troisième est un amalgame des deux, avec des surprises nouvelles et audacieuses.
“Hit Me Hard and Soft” démontre qu’Eilish va à certains égards à contre-courant de la pop contemporaine : c’est un album destiné à être écouté et apprécié dans son intégralité, allant à l’encontre du modèle monocentrique actuel de l’industrie musicale. Et il mérite cette distinction, avec un son plus complet, grâce à son frère, producteur et collaborateur de longue date Finneas O’Connell, qui est désormais rejoint par Andrew Marshall à la batterie et le Quatuor Attacca aux cordes.
Le morceau d’ouverture « Skinny » se rapproche du fausset sucré de sa ballade primée « Barbie », « What Was I Made For ? » Le message de la chanson a également un type de résonance similaire, abordant l’image corporelle, chantant « Les gens disent que j’ai l’air heureux / Juste parce que je suis devenu maigre », faisant écho à son court métrage et à l’interlude récité « Not My Responsibility » de « Happier Than Ever » de 2021. »
Une section de cordes porte « Skinny » dans sa coda, rappelant l’interprétation par Eilish de sa chanson « Barbie » aux Oscars 2024, où elle a été rejointe par un orchestre.
A partir de ce moment, tout change. Les mirages abondent dans « Hit Me Hard and Soft ». Pensez-vous qu’une chanson va dans une seule direction ? Erreur.
Dans les cinq dernières secondes de « Skinny », la batterie entre dans l’équation, un rythme qui se prolonge dans « Lunch », qui sera certainement l’un des favoris des fans.
Ensuite, il y a la basse langoureuse et le refrain éthéré de la chanson midtempo « Chihiro », du nom du protagoniste de 10 ans du film classique du Studio Ghibli « Sen to Chihiro no kamikakushi » (« Le Voyage de Chihiro »). Cette chanson, comme beaucoup d’autres sur l’album, commence doucement et se termine fort. Un crescendo érotique de techno-house percutante qui atteint le niveau d’euphorie auditive des « Challengers ».
« The Greatest » pourrait être considéré comme une suite thématique à « Everything I Wanted » de leur album de 2019, « When We All Fall Asleep, Where Do We Go ? », avec désormais une guitare à cordes de nylon. Au bout de trois minutes et demie, il se transforme en rocher expansif, adapté aux stades. Les guitares en sourdine sont interprétées d’une manière qui semble familière à la chanson titre de « Happier Than Ever » de 2021.
Le son faussement joyeux de « L’amour De Ma Vie » est également fidèle aux moments jazzy et lounge de leur dernier album. «Mais je dois avouer / Je t’ai dit un mensonge», chante Eilish. “J’ai dit que tu/tu étais l’amour de ma vie.”
La chanson s’élève plus tard vers le bonheur synth-pop : des voix déformées et automatiquement réglées en hyperpop et rave Eurodance, de peur que quiconque n’oublie qu’il s’agit du même artiste pop qui a écrit la chanson industrielle « Oxytocin ».
Alors, où est passé le chanteur de « Bad Guy » ? C’est dans “The Diner”. Ici, le son hanté de leur carnaval revient. Son vaudeville gothique commence par la phrase « N’aie pas peur de moi », un ordre au lieu de la question « Pourquoi n’as-tu pas peur de moi ? (Pourquoi n’as-tu pas peur de moi ?) de « Bury a Friend » de 2019. Il plaisante : « Je parie que je pourrais changer ta vie / Tu pourrais être ma femme. »
Là où d’autres artistes pourraient s’appuyer sur leur passé pour réaliser des portraits impressionnistes dérivés de ce qu’ils étaient, Eilish fait évoluer ses fantômes.
C’est vrai sur le staccato de « Blue », un rappel sonore de l’amour de longue date d’Eilish pour les disques de Lana Del Rey, jusqu’à ce qu’il fasse un détour trip-hop de style Massive Attack. Deux choses peuvent être vraies et bleues à la fois.
“Hit Me Hard and Soft” est le plus fort qu’Eilish ait jamais enregistré, ne chantant plus presque exclusivement dans de belles tonalités feutrées induisant l’ASMR sous une production révolutionnaire et radicale. De toute évidence, elle a acquis la confiance en elle nécessaire pour se démarquer.
Le seul choc sera peut-être l’avant-dernière chanson, « Bittersuite », qui souffre de sa propre subtilité, ce qu’elle parvient à éviter sur le « Wildflower », largement acoustique. Là, sa douceur sonore est confuse après un remplissage de batterie croustillant au milieu. C’est discret, mais efficace. En paroles, Eilish détaille son inquiétude pour l’ex-amant d’un partenaire actuel : “Chaque fois que tu me touches/je me demande juste ce qu’elle ressent.”
Tout au long de l’album, Eilish est un oiseau : un oiseau en cage sur « Skinny » ; elle veut rester ensemble sur la chanson pop baroque « Birds of a Feather » et sur l’album plus proche, « Blue », elle se rend compte qu’ils n’étaient pas « des oiseaux d’une plume » après tout, et elle est de retour dans une cage.
C’est un changement bienvenu par rapport aux tarentules qui définissaient « Quand nous nous endormons tous, où allons-nous ? », mais cela sert également de métaphore idéale pour le troisième album d’Eilish. Elle est motivée par un désir de liberté. Et dans « Hit Me Hard and Soft », il s’est permis de communiquer la tension et de la laisser prendre son envol.
