Critique du long métrage de Christopher Nolan

De plus grand péché dans l’art du cinéma est une sorte d’arrogance, qui imagine que tout ce qui est toujours important pour les gens peut et doit être montré sur un écran à tout moment. Il y a des longs métrages avec des scènes de chambre à gaz. Cependant, ce qui est décisif dans le crime singulier qu’il s’agit de mettre en scène, ce n’est pas le procédé technique captable par une caméra, mais aussi la souffrance nue des êtres sans défense auxquels les hommes sont ici réduits. L’essentiel est qu’il y ait des têtes humaines qui imaginent consciemment un tel crime et rendent ensuite possible qu’il se produise.

Dans “Oppenheimer”, un film sur autre chose que l’invention, les essais et l’utilisation de la bombe atomique, Christopher Nolan montre quelque chose de mauvais qu’il a à dire, des images d’Hiroshima et de Nagasaki qui n’ont pas été extraites des archives ni même reproduites. Il le montre face à l’acteur Cillian Murphy, qui incarne le physicien J. Robert Oppenheimer.

Il le montre comme un reflet : Oppenheimer voit des images du meurtre de masse au Japon. Oppenheimer voit également des gens l’encourager parce qu’il a imaginé ce qui a rendu possible le meurtre de masse. Imaginaire et perception se pénètrent dans de nombreux plans de ce film ou du moins se touchent de très près. Quand Oppenheimer est humilié lors d’un interrogatoire en coulisse conçu pour le priver de tous les privilèges d’accès à la recherche américaine sur les armes nucléaires classifiées des années après son plus grand succès, Nolan le dépouille littéralement de ses vêtements. Dans la nudité minable, dans la plus profonde saleté du soupçon, le cinéma le voit, les chasseurs le voient, sa femme le voit, chacun regarde comment il aime une autre femme, qui est mentionnée parce qu’elle était communiste. elle s’est suicidée Elle ne peut plus s’exprimer.

À un autre moment, l’homme qui a introduit tout cela dans le châtiment d’Oppenheimer est formellement presque mot pour mot, et la symétrie des événements doit s’affirmer face à la complexité considérable de la dramaturgie de Nolan, qui dépeint la fin en noir et blanc et le début en coloré (parce que la jeunesse est un monde fort de couleurs : saturé, enceinte). Les nombreux fils de l’intrigue sont tendus mais pas étroitement liés. Le public n’est jamais pris pour des imbéciles, le film dédaigne les ennuyeuses insertions de dates, ceux qui peuvent suivre ont passé le test ; L’entrée est refusée à ceux qui sont paresseux pour penser. L’ensemble du film est un croisement entre une peinture d’histoire et un essai biographique. A la croisée des chemins, dit-on, les ambitieux vendent leur âme au diable.

Christopher Nolan est un réalisateur très ambitieux qui sait qu’avec la subtilité de ses processus, tout tient et tombe avec l’ensemble, qui doit agir de manière crédible sur ces processus. Il n’a jamais poussé un ensemble plus fort qu’il ne l’a fait sur Oppenheimer (et cela en dit long, compte tenu des miracles qu’il a accomplis avec succès sur Heath Ledger et Matthew McConaughey). La plupart des acteurs et actrices seraient subjugués par le paysage dans lequel Nolan place son peuple cette fois : Nouveau-Mexique, plus White Sands, le laboratoire secret de Los Alamos, entouré d’un porche d’éternité, monde total de la montagne de la table, souvent considéré par d’autres comme être exclusivement flétri et chatoyant chaud incompris. Nolan voit plus : l’obscurité, le crépuscule, le dôme étoilé, la pluie, la neige.