Comment l’art contemporain a incorporé de nouveaux matériaux issus de l’industrialisation

Penser au terme « industriel » dans le domaine des arts visuels peut conduire à différentes voies, de la production de matériaux à l’échelle industrielle – comme les peintures – à l’incorporation de méthodes spécifiques à l’industrie dans le processus artistique. Le rapprochement entre l’artiste et l’industrie s’est fait de différentes manières au cours de l’histoire, en fonction précisément de ce que l’industrie pouvait offrir à chaque artiste. Dans ce texte, cette relation sera considérée dans certains cas, à travers oeuvres d’art contemporain.

Standardisation des matériaux

Tout au long du processus artistique, la conception et la matérialisation d’une œuvre passent, entre autres, par la manipulation de la matière première. Le développement artisanal des matériaux, comme la production de peinture à partir de pigments et de liants isolés, par exemple, a fait partie du processus artistique à travers l’histoire.

Cependant, l’industrialisation a apporté aux artistes d’autres moyens d’atteindre certaines nuances à partir de peintures déjà fabriquées, prêtes à l’emploi, ce qui a permis une standardisation des nuances et la répétition des gammes chromatiques avec plus de facilité.

La fabrication artisanale de peintures est encore très présente dans plusieurs productions, mais l’industrialisation des matériaux a ouvert de nouvelles discussions sur l’importance des pigments dans l’art.

En 2016, “Vantablack” – le pigment le plus foncé au monde créé par la société du Surrey NanoSystems – a été breveté par l’artiste indo-britannique Anish Kapoor pour son usage exclusif. En brevetant le pigment qui absorbe 99,965% de la lumière visible, Kapoor, qui avait déjà une grande projection dans l’art contemporain, est devenu la cible de réponses d’artistes qui n’étaient pas d’accord avec cette exclusivité.

L’artiste britannique Stuart Semple a alors développé la “rose la plus rose” du monde, et en réponse à Kapoor, il a commercialisé ce pigment à travers une performance. Pour acheter ce pigment rose, le client devait accepter un terme indiquant qu’il n’était pas Anish Kapoor, ne serait pas associé à l’artiste et ne laisserait pas le produit lui parvenir.

La provocation de la performance était le but de l’artiste, et le prévisible s’est produit : le pigment rose est arrivé entre les mains de Kapoor, qui a annoncé sur ses réseaux sociaux qu’il avait une copie du pigment. En tout cas, Semple développe la commercialisation de pigments spéciaux de manière accessible, comme ce super rose, ou encore une nouvelle version d’un noir aussi spécial que le Vantablack – mais moins cher.

La métamorphose de la sculpture

Dans les années 1960 et 1970, plusieurs artistes américains commencent à intégrer l’univers industriel dans la conception de sculptures et d’installations. Le courant connu sous le nom de « minimalisme » se forme alors, dans lequel les matériaux conventionnels pour la sculpture, comme le marbre, le bronze et la céramique, cèdent la place au fer et à une série de matériaux industriels.

L’utilisation du fer, du plastique et d’autres qui marquent l’industrie, à elle seule, a déjà transformé la sculpture et ses propriétés formelles. Ce matériau brut ou hautement manipulé a apporté aux artistes de nouvelles élaborations sur la relation entre les formes et le monde – en constante transformation. Pas étonnant que de nombreuses sculptures minimalistes aient été conçues pour l’espace public, contrairement à la ville.

La sculpture a non seulement acquis de nouveaux aspects et qualités à travers ces matériaux, mais le processus artistique a également subi des transformations. Un exemple est l’œuvre « Black Box » de Tony Smith : elle a été conçue par l’artiste, qui a envoyé les instructions pour fabriquer une boîte en fer à une usine. Dans le cas de cette œuvre, la manipulation industrielle du fer est une composante essentielle du processus artistique – il n’y a pas eu de finition avec de la peinture ou des détails, par exemple. C’est une des manières d’aborder l’art conceptuel contemporain, dans la mesure où la conception de l’œuvre était plus importante pour l’artiste que sa construction physique.

Aussi ancienne que la dynamique du « projet » – par lequel l’artiste conçoit une œuvre à réaliser par des tiers –, l’échelle industrielle de la manipulation des matières premières a permis aux artistes de repenser la tâche de matérialisation d’une œuvre. À la Renaissance italienne, par exemple, la pratique collective des ateliers reposait sur la conception des œuvres par les maîtres, tandis que les apprentis et les assistants suivaient l’exécution du projet. D’autres artisans extérieurs aux studios ont également été embauchés pour exécuter les idées des artistes.

L’échelle industrielle est celle qui permet la production massive de toutes sortes de choses en peu de temps. Avec les méthodes industrielles, la quantité et les dimensions de ce qui est produit sont élargies. Les œuvres de Richard Serra peuvent aider à comprendre le poids de l’industrie dans le champ de l’art contemporain et dans l’espace public. L’emblématique « Tilted Arc » (1981) du sculpteur américain témoigne de cette dimension industrielle et de son pouvoir d’affecter un espace.

Longue de 36,6 mètres et haute de 3,6 mètres, l’œuvre a été installée pour traverser Federal Plaza à New York. Jusqu’en 1989, avant d’être enlevée, l’immense plaque d’acier corten divisait une partie de la place, avec un angle contrastant avec le dessin du sol. L’œuvre a apporté au débat public de longues discussions sur le rôle de l’art dans l’espace public, ainsi que sur le dialogue entre ces œuvres et leur environnement.

L’ouverture à de nouveaux matériaux – largement rendue possible par le minimalisme – a permis aux artistes d’enquêter de plus en plus sur les relations entre ce qui est considéré comme naturel/organique ou artificiel/manipulé. Même si ces catégories peuvent être confondues – après tout, tout ce qui est artificiel a une origine naturelle – des artistes comme Mary Carmen Matias montrent le contraste de la matière dans ses différentes étapes de manipulation.

Dans Envolving I, par exemple, l’artiste développe une composition à travers un métal hautement manipulé et sophistiqué qui implique une roche à l’état brut. Dans la même idée d’œuvre projetée évoquée plus haut, l’artiste comprend quelles sont les possibilités de composer du métal à partir de roches qu’elle trouve lors de ses voyages. Le métal est travaillé par un atelier spécialisé à partir d’un moule construit par Matias.

Le plastique est aussi l’un des symboles de l’industrie, puisqu’il n’a commencé à être produit que dans le contexte industriel. En plus d’être un matériau issu de manipulations complexes, le plastique possède des caractéristiques très particulières, comme sa malléabilité. Dans l’œuvre « Onda#1 », l’artiste Claudia Kayat utilise cette malléabilité pour produire une sculpture par torsion. La texture, qui se définit entre transparence et opacité, laisse apparaître les parties torsadées et enveloppées par le jeu de la lumière et des ombres sur l’œuvre.

Le travail Horizon de Marina Rodrigues fait écho à la relation entre l’art, la ville et l’industrie de plusieurs manières. À première vue, on peut voir l’utilisation de matériaux typiques de la construction civile – béton et fer. La matérialité de l’œuvre lui donne déjà un poids unique, mais comprendre que ces formes suggèrent un paysage urbain, élargit la réflexion autour de la sculpture et sa capacité à synthétiser des thèmes aussi complexes que la ville. Dans Skyline, l’industrie est le moyen de recherche de l’artiste tout en étant une source matérielle et une élaboration formelle de l’œuvre.

À petite ou grande échelle, avec des œuvres conçues pour un espace intérieur ou public à large diffusion, l’appropriation de l’industrie par les artistes contemporains signale une relation incontournable. Une telle relation démontre que l’art incorpore tout – que ce soit pour rechercher, critiquer, resignifier ou détruire.