Clôture du festival : Le Theatertreffen surmonte sa malédiction Documenta

DLa surprise fut grande : y a-t-il déjà eu quelque chose de pareil au Theatertreffen ? La sélection du jury a été accueillie avec des éloges unanimes dans les reportages ; les controverses habituelles n’ont pas éclaté. Lors de sa 61e édition, le Theatertreffen a également été épargné par les embarras pseudo-politiques que l’on a récemment pu observer lors d’autres événements culturels comme la Berlinale. Et après la « perte d’audience » des années précédentes, les spectateurs sont de retour.

Des images comme celle-ci étaient presque oubliées : des gens avec des pancartes « À la recherche d’un billet » devant le Berliner Festspiele et de longues files d’attente essayant d’obtenir un billet restant. Les choses étaient différentes l’année dernière, lorsqu’une équipe de direction collective a décidé de donner à la rencontre théâtrale une touche de Documenta. Avec pour effet qu’une sélection de 10 personnes a été écrasée par le programme de soutien gonflé – et le public moins familier avec un tel vain auto-amusement est resté à l’écart.

Le collectif au sommet a été remplacé après une seule édition infructueuse par Nora Hertlein-Hull, originaire de Hambourg à l’époque de Lessing. Avec elle, ça se concentre Treffen du théâtre à l’essentiel. Le ton est objectif et amical, pas activiste et enthousiaste. Là où le jury était assis sur le banc des accusés lors de la discussion finale l’année dernière – trop blanc, trop direct, pas assez de changement climatique et trop de drames en général – le ton détendu et conversationnel est revenu. Même les lanternes colorées placées dans les châtaigniers devant la salle des fêtes semblent émettre une lumière plus agréable.

Cette année, « nous avons pu tirer le meilleur parti », a déclaré un membre du jury des critiques, qui a assisté à près de 700 représentations. Vu la qualité, on aurait facilement pu inviter plus de dix productions, etc. Une bonne nouvelle qui témoigne de la vivacité du théâtre. En fait, la sélection représente différents langages théâtraux, dont chacun présente une grande complexité artistique – du développement du jeu à la performance et à l’immersion jusqu’à l’étude des classiques.

Ce qui n’apparaît pas dans la sélection de cette année, ce sont des tentatives de thèse ou l’accent mis sur l’authenticité. Au lieu de cela, c’est le côté ludique qui prend le dessus, ce qui conduit les critiques, apparemment sous-alimentés artistiquement depuis des années, à jeter à l’excès le vocabulaire des acteurs ou des festivals de théâtre. Considéré avec plus de sobriété, le retour du désir de se transformer sur scène est le signe d’une réalité qui s’amenuise et où le débat public est de plus en plus rigidement soumis à un engagement dans l’un ou l’autre.

Autre chose qui ressort : la sélection est assez timide. Il s’enfonce dans l’obscurité, l’opacité et le brouillard, en un mot : dans des abîmes qui ne peuvent être éclairés ni par la seule raison pure ni par la raison communicative. Il semble que tout ce qui est étrange, non résolu et incompréhensible puisse apparaître sur scène au théâtre et être réprimé et repoussé dans un présent brossé pour une transparence totale. En s’éloignant de l’omniprésent, le théâtre découvre son propre accès aux événements contemporains.

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Porteur de l’anneau d’Iffland

La production d’ouverture « Nathan le Sage » d’Ulrich Rasche, sombre exercice sur scène tournante, est un exemple de combinaison entre rigueur formelle et référence au réel. Dirigé par Valery Tscheplanowa dans le rôle de Nathan, l’ensemble se transforme en mouvement pur, plaçant pied après pied dans le sous-sol en rotation incessante, poussant mot après mot dans la salle sombre. Le cœur des ténèbres ici est le massacre de la femme et des enfants de Nathan ; la parabole de l’anneau n’est rien d’autre que la lumière éphémère de l’illumination qui va bientôt s’éteindre à nouveau. « Au secours, au secours ! » sont les derniers mots du juif Nathan, un cri solitaire dans l’obscurité.

Ce que Rasche appelle son « esthétique de la marche » est tortueux et monotone, mais dans le classique de Lessing sur la tolérance en temps de guerres de religion, cela développe un impact indéniable. Lorsque la chorale scande « Le Juif sera brûlé ! », la violence que le massacre du 7 octobre en Israël est susceptible de faire ressentir à chaque spectateur fait trembler. Très similaire à la comédie musicale « Bucket List » de Yael Ronen, qui parle ostensiblement de la fin d’une relation et de la douleur de la séparation, mais avec le 7 octobre il y a une signification sous-jacente qui concerne la perte du monde et de la réalité.

« Extra Life » de Gisèle Vienne était encore plus brumeux et sombre que « Nathan » ; les effets de lumière qui fendaient le brouillard comme des vitres établissaient de nouveaux standards. Comme Rasche avec sa compulsion de répétition théâtrale, Vienne parvient également à trouver une « dramaturgie du traumatisme », selon l’expression d’un membre du jury. “Extra Life” traite des abus sexuels commis pendant l’enfance. Une soirée douloureusement mémorable par sa temporalité étirée et ses images brisées.

Étonnamment, le « Macbeth » de Bochum n’a pas vraiment plu au public berlinois. La production de Johan Simons, réduite à trois personnages, a été l’occasion de faire connaissance avec la star du cinéma Jens Harzer, qui s’installe au Berliner Ensemble. Mais tout le monde n’a pas aimé le mal comme un jeu vide de clowns tristes, tandis que “Les Sans-Père” de Jette Steckel – également du département des classiques – avec Joachim Meyerhoff et Wiebke Puls a reçu à juste titre des tempêtes d’enthousiasme, mais de manière surprenante et incompréhensible aussi le banal décevant, Spectacle immersif du « Seigneur des Anneaux » « Géant de la Terre du Milieu ».

« Laios », le superbe solo de Lina Beckmann du projet « Anthropolis », s’est avéré être l’un des favoris du public. La pièce de Ronald Schimmelpfennig montre que le matériel ancien est intéressant pour le théâtre contemporain si on le transforme en une histoire passionnante sur les histoires que les gens se racontent entre eux et à eux-mêmes. Le niveau du commentaire va plus loin dans l’histoire, de sorte qu’à la fin il y a un effet cathartique. Le deuxième solo de la sélection, Dimitrij Schaad dans « Le Silence » de Falk Richter, explore également les lignes de fracture du réseau générationnel, l’histoire allemande d’après-guerre étant à peine inférieure artistiquement à l’Antiquité.

À la fin du lundi de Pentecôte, une autre surprise a eu lieu : après le prix 3sat, « Die Hundekotattacke » du Theaterhaus Jena a également remporté le prix Alfred Kerr, décerné à l’acteur rappeur Nikita Buldyrski. « The Dog Poop Attack » montre que le théâtre intelligent et drôle se fait en dehors des grandes métropoles théâtrales et qu’il affecte le monde scénique tout entier. C’est un hommage au pouvoir du théâtre de pouvoir faire face à n’importe quelle tempête de merde, aussi grave soit-elle. Bonne nouvelle venant de la rencontre théâtrale de cette année.