9 des meilleurs films du Festival international du film de Toronto

Demandez à certaines personnes sur le terrain au Festival international du film de Toronto de cette année, et elles pourraient répondre une version de la même chose : un nombre important de films présentés en avant-première lors de l’événement du 7 au 17 septembre, notamment “North Star” et “Seagrass”, » se sont sentis incomplets. Et d’autres, comme «Fiction américaine», ont réalisé d’excellentes performances dans des films pas si géniaux.

Mais certains des films qui ont été formidables cette année ont été moins vus et certainement sous-discutés. Pourtant, ils n’en sont pas moins significatifs. Ils sont aux prises avec des histoires complexes de faillibilité humaine, défient parfois toute catégorisation et persistent dans votre esprit longtemps après les avoir regardés.

Qui aurait cru que la salle des professeurs d’une école primaire pouvait être aussi tendue et remplie de drames ? « Le salon des professeurs » Une histoire de plus en plus claustrophobe du cinéaste allemand Ilker Çatak, qui raconte l’histoire d’un enseignant blanc (une formidable Leonie Benesch) dont la moralité est mise à l’épreuve lorsqu’un étudiant musulman est accusé de vol. Il s’agit d’une étude de personnage merveilleusement noueuse qui traite de la race et de la classe sociale, montrant une femme qui fait de grands efforts, très discutables, pour prouver à la fois l’innocence de l’enfant et son alliance. Le film est un drame tendu et fascinant sur les collines sur lesquelles nous choisissons de mourir.

De nos jours, peu de films méritent leur durée de tournage extra-longue. Mais le drame plein de suspense de la scénariste-réalisatrice française Justine Triet est si nuancé et passionnant à regarder qu’il dure deux heures et demie.

Cela brise le polar typique, dans cette affaire impliquant la mort mystérieuse de un homme nommé Samuel (Samuel Maleski), en ouvrant l’élément qui l’a le plus influencé : sa maison. Il y a sa femme bien-aimée mais bien plus prospère, Sandra (une fantastique Sandra Hüller), leur fils autodéterminé Daniel (Milo Machado Graner) et les démons personnels de Sam. À travers des flashbacks saisissants et des interrogatoires méticuleux en salle d’audience, Triet détourne magistralement notre attention de la résolution potentielle d’un crime vers le fonctionnement interne de deux personnes imparfaites et d’un mariage compliqué. C’est absolument fascinant.

“Anatomy of a Fall” devrait sortir dans les salles américaines le 13 octobre.

Bien que Molly McGlynn ait passé des années à réaliser des épisodes de séries télévisées populaires comme « Grace and Frankie », « Grown-ish » et le redémarrage de « Wonder Years », c’est le nouveau long métrage « Fitting In » qui la positionne comme une voix nouvelle et prometteuse pour la génération d’aujourd’hui.

Suite à un diagnostic inhabituel qui pourrait avoir un impact sur sa santé reproductive, Lindy (Maddie Ziegler), une lycéenne excitée, tente de reprendre sa vie comme d’habitude – jusqu’à ce qu’elle se rende compte que ne pas affronter la situation a mis à rude épreuve ses relations avec les gens qui l’entourent. Il s’agit notamment de sa mère Rita (Emily Hampshire, la star de Schitt’s Creek), qui a en même temps du mal à s’adapter à ses propres nouvelles réalités. Reflétant un parcours honnête et compliqué de genre et d’identité sexuelle, « Fitting In » est un regard parfois hilarant et toujours captivant sur une adolescente imparfaite mais sérieuse en train de redéfinir sa nouvelle normalité.

Il est difficile de dire où va se dérouler le film du scénariste-réalisateur coréen Jason Yu dans les 30 premières minutes environ. Mais « Sommeil » est si obsédant et étrange dès le saut que vous n’êtes qu’un voyageur. Situé dans l’un des lieux d’horreur les plus sous-estimés – un appartement confiné – un sentiment de terreur surgit entre Hyun-su (Lee Sun-kyun) et sa femme enceinte Soo-jin (Jung Yu-mi), dont la relation est mise à l’épreuve lorsque Hyun-su commence à somnambuler. Non seulement cela, mais il a également des envies inhabituelles de viande crue, une envie de se griffer la peau et d’autres comportements troublants.

Un film mûr pour le grand écran et un public effectivement terrifié, « Sleep » vous guide plus profondément dans un mal qui repose juste sous sa surface et ne vous lâche jamais. Bien que cela ne s’éloigne pas beaucoup du film de fantômes typique, c’est la preuve qu’il n’est pas toujours nécessaire de réinventer la roue si vous avez une histoire solide et une excellente utilisation des effets.

Il n’est pas toujours facile d’obtenir des performances honnêtes et formidables de la part d’enfants acteurs. Avec l’aide majeure de la directrice de casting Aisha Coley, qui avait déjà trouvé la grande Zelda Harris pour “Crooklyn” en 1994, le scénariste-réalisateur Minhal Baig capture avec compassion l’innocence et la curiosité de deux garçons noirs de 10 ans vivant dans le projet d’habitation Cabrini-Green à Chicago dans les années 90. À travers leurs perspectives, magnifiquement mises en lumière dans les portraits de Blake Cameron James et Gian Knight Ramirez, nous voyons un quartier à la fois prometteur et désespéré devenir un terrain de jeu pour leur imagination. « We Grown Now » est une expérience satisfaisante de la maison à travers les yeux d’un enfant.

Il y a quelques années à peine, le cinéaste Bong Joon-ho a livré une description marquante de la guerre des classes en Corée du Sud avec « Parasite ». Et maintenant, le scénariste-réalisateur Tae-hwa Eom prend le relais avec « Concrete Utopia », un regard émotionnellement et physiquement vicieux sur la dégradation sociale suite au tremblement de terre majeur à Séoul. Eom entraîne le public dans les histoires individuelles et collectives de personnes qui tentent de reconstruire la même communauté imparfaite, distinguée par les nantis et les démunis, tout en utilisant des éléments de genre pour rehausser leur destin. Entre les mains d’un cinéaste moins expérimenté, cela aurait pu être maladroit. Mais au lieu de cela, « Concrete Utopia » reste humainement inquiétante et écrasante.

La popularité croissante des récits marginalisés s’accompagne souvent du risque que beaucoup d’entre eux parlent de la même chose, en raison du contrôle hollywoodien. Mais avec « Solo », la scénariste-réalisatrice canadienne Sophie Dupuis raconte l’histoire spécifique de Simon (Théodore Pellerin), une star montante du drag dont la vie auparavant épanouissante tourne au désarroi lorsqu’il entame une relation avec le toxique et abusif Olivier (Félix Maritaud).

Dupuis aurait facilement pu tomber dans le piège de se concentrer uniquement sur leur romance néfaste. Mais au lieu de cela, elle raconte une histoire plus complexe, propulsée par la tendre performance de Pellerin, sur un homme qui lutte pour équilibrer son existence affirmée sur scène et au sein de sa famille aimante avec un partenaire de plus en plus désespéré et manipulateur.

Faisant preuve d’un égal soin pour les performances de drag éblouissantes et les moments les plus délicats du film, Dupuis offre un beau reflet de l’esprit humain.

Vous êtes en quelque sorte préparé à la tristesse lorsque vous vous lancez dans un film sur un trio de sœurs qui se réunissent à nouveau alors que leur père est mourant. Mais ce à quoi vous ne vous attendez peut-être pas, c’est à quel point cela vous affectera en tant que membre du public.

« Ses trois filles » du scénariste-réalisateur Azazel Jacobs parle moins du chagrin que des souvenirs que nous remodelons, pour le meilleur et pour le pire, dans nos esprits – ainsi que de la façon de tracer une nouvelle voie à suivre. Carrie Coon, Elizabeth Olsen et Natasha Lyonne sont étonnantes en tant que frères et sœurs obstinément en désaccord et dont le seul point commun est la mort imminente qui les attend. Tout au long du drame touchant et unique de Jacobs dans un appartement de New York, nous voyons leur relation se déconstruire de plus en plus. Cela mène finalement aux 15 dernières minutes du film, qui sont tout simplement un coup de poing aux tripes. C’est un film vraiment spécial.

Nicolas Cage est aujourd’hui considéré comme une blague, malgré sa longue histoire de performances talentueuses. Mais « Dream Scenario » rappelle que certains acteurs n’ont qu’à s’aligner sur de grands cinéastes pour faire ressortir le meilleur d’eux-mêmes.

Scénariste-réalisateur Kristoffer Borgli, juste après « Sick of Myself », revient avec un autre réquisitoire contre notre paysage social dépravé. Utilisant une fois de plus des éléments d’horreur pour amplifier le ridicule de tout cela, Borgli attire dans le public avec l’histoire d’un professeur autrement oublié (Cage) dont l’image commence à s’infiltrer dans les rêves d’innombrables personnes – puis dans leurs cauchemars. À partir de là, ils commencent à projeter des sentiments négatifs à son sujet qui conduisent à son ostracisme.

Un regard sombre et drôle, et souvent véridique, sur l’hystérie rapide de notre culture d’annulation du monde réel, le dernier de Borgli contribue à le consolider comme une voix provocatrice et extrêmement divertissante pour notre époque.