L’auditeur peut ne pas l’aimer, mais jouer de la musique contemporaine est important / Article / LSM.lv

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Lorsque l’Orchestre Symphonique National de Lettonie (LNSO) a joué avec la chef d’orchestre estonienne Kristīna Poska pour la première fois en novembre 2017, la collaboration dans la catégorie “Concert de l’année” a été nominée pour le Grand Prix de Musique de Lettonie. Le 30 octobre, le directeur musical du Théâtre de Bâle et le chef d’orchestre de l’Orchestre symphonique flamand de la Grande Guilde, ainsi qu’en direct sur la radio lettone 3 “Klasika” et le portail des médias publics LSM.lv rencontreront les auditeurs dans un nouveau programme, couronnant le Festival de symphonie balte.

Maruta Rubeze: Vous êtes-vous souvenu de la première collaboration avec le LNSO au Baltic Symphony Festival il y a quelques années, lorsque le programme avec la musique d’Erki Sven Tire et Robert Schumann a été nominé pour le Grand Prix de Musique de Lettonie comme “Concert de l’année”?

Kristina Poska: Bien sûr, je m’en souviens, car ce concert, qui mettait en vedette Pure Magma avec le solo de Guntars Freibergs et la Quatrième Symphonie de Schuman, était certainement l’un de mes moments forts.

Ce fut un grand plaisir de travailler avec ce merveilleux orchestre et j’étais très heureux. Depuis lors, nous essayons de trouver une opportunité de coopération future, ce qui n’a pas été facile pour diverses raisons, et je suis maintenant heureux que cela se produise enfin. D’autant que ce n’est pas le bon moment pour les concerts, c’est plutôt un luxe et un grand privilège d’être ici de nouveau.

Avez-vous dû jouer dans une salle vide cette année?

Oui, avec mon orchestre symphonique flamand, quand nous nous sommes rencontrés pour la première fois pendant les mois d’été après la pause du Covid-19, même s’il n’y avait pas d’auditeurs. Cet enregistrement, la Septième Symphonie de Beethoven, peut encore être écouté sur Youtube.

Et d’où vient la route de Riga?

Je viens de Tallinn, qui est maintenant ma résidence, mais avant cela, j’étais aussi ensemble à plusieurs concerts avec l’Orchestre Symphonique Flamand.

Qui préférez-vous dans votre travail créatif? La collaboration avec un orchestre ou un programme spécial est-elle une priorité? Avez-vous déjà eu à choisir entre plusieurs options?

C’est une question difficile. Vous rentrez quelque part, alors vous savez déjà en partie à quoi vous attendre, ce qui n’est pas le cas dans le premier cas.

Les programmes sont certes importants, mais je dois dire, et cela est particulièrement vrai les années précédentes, que j’ai toujours été ouvert à tout ce qui est nouveau, que je voulais diriger de plus en plus de nouvelles choses, car il y a toujours eu tant à découvrir.

Il y a des chefs d’orchestre qui le font même à 50 ans, car il y a encore tant à diriger. Mais il y a aussi de jeunes chefs qui essaient de s’en tenir à un certain répertoire afin d’obtenir de meilleurs résultats et peut-être que c’est fait avec sagesse, mais je veux toujours faire quelque chose de nouveau.

Mais, bien sûr, le programme compte aussi, et cette fois pour moi c’est la Deuxième Symphonie de Jean Sibelius, que je dirigerai pour la première fois lors d’un concert à Riga. Au départ, le programme incluait “Holy Spring” d’Igor Stravinsky, qui ne s’est pas concrétisé car il nécessite trop d’orchestre, mais je suis heureux de ce changement, car j’admire la Deuxième Symphonie de Sibelius depuis des années, et maintenant le désir de la jouer va devenir réalité.

Kristīna Poska

Photo: Kaupo Kikkas

Que signifie le travail de répétition pour vous? Votre méthodologie a-t-elle «développé» quelque chose à éviter dans le processus?

J’essaie d’éviter la routine parce que, tout d’abord, chaque orchestre est différent, et il est très important pour moi de comprendre ce que l’orchestre lui-même propose dès le premier essai. Il y a des chefs d’orchestre qui aiment intervenir, briser l’orchestre tous les quelques pas et commencer immédiatement à travailler sur les détails. Je ne fais pas ça d’habitude parce qu’il est important pour moi de laisser jouer les musiciens, de ressentir comment ils communiquent entre eux, à quoi ressemble cette communication anonyme. Il est intéressant de savoir comment les groupes d’orchestre communiquent, quel est le son offert par l’orchestre, quel est l’équilibre, etc. Cela m’a d’abord intéressé, puis j’ai commencé à travailler sur le matériel, en proposant ma propre version, en tenant également compte de ce que j’avais entendu, et cela me séparait généralement de la routine.

Mais, bien sûr, avec les années vient l’expérience qu’il est préférable de commencer à travailler en trouvant des lignes directrices dès le début, en laissant autre chose pour les tentatives futures. C’est une expérience que je pense être une routine dans le bon sens.

Donc, en général, j’essaie d’éviter la routine, mais je dois dire que ce n’est pas difficile, car même lorsque j’ouvre une partition, même si je l’ai déjà rencontrée, je suis toujours partie de zéro, et ce sentiment s’applique également aux programmes.

Ok, peut-être que ce n’est plus zéro, mais un! (des rires)

C’est comme supprimer les connaissances précédentes et recommencer. C’était facile pour moi et c’était peut-être un peu déprimant de monter sur scène avec, mais maintenant je le vois comme un avantage.

Si nous abordons un sujet comme l’énergie – celui qui vient des auditeurs derrière vous et des musiciens sur scène, est-ce quelque chose du domaine de l’ésotérisme ou est-ce une réalité?

L’énergie est tout cela, je n’ai aucune question à savoir si elle est ésotérique ou réalité, pour moi c’est une réalité qui est aussi le résultat final. Et je dirais que ce que nous obtenons des auditeurs reflète ce que nous avons donné de la scène. Mais bien sûr, chaque public est différent et peut répondre différemment au même orchestre et au même contenu.

Mais en tout cas, c’est ce qui se passe ici et maintenant.

Et c’est une partie très importante, mais je pense que les auditeurs reflètent ce qui se passe sur scène, l’orchestre reflète ce que je fais, et je suis aussi le reflet de l’orchestre, et j’essaie de refléter ce qui est sur la partition. (des rires), et ce sont toutes des choses très importantes.

Avez-vous tendance à diriger sans partition?

Oui, et j’aime le faire. Dans le passé, quand je n’avais pas autant de concerts, je préférais aussi diriger par cœur, même une symphonie. Maintenant qu’il y a eu moins de concerts, beaucoup sont annulés, j’ai redécouvert ce type. Je l’aime vraiment parce que c’est une liberté supplémentaire, et j’aimerais le faire encore plus à l’avenir, mais avec moins de concerts. (des rires)

Il semble y avoir un bon équilibre entre le répertoire classique (romantique) et la musique contemporaine dans les programmes que vous dirigez. Doit-il toujours y avoir un concept spécifique, une coexistence égale?

Bien sûr, l’équilibre du programme est important, mais cela ne signifie pas que le programme doit inclure de la musique contemporaine.

C’est vrai, je fais ça parce que je pense qu’il est très important de jouer de la musique contemporaine, même si les auditeurs ne l’aimeront peut-être jamais.

C’est vraiment le cas et cela a à voir avec le fonctionnement de nos cerveaux – ils aiment ce qu’ils savent déjà mieux et tout ce qui est nouveau provoque au départ une résistance. Mais nous devons comprendre que ce que nous jouons maintenant habituellement dans la deuxième partie du concert était pour la plupart quelque peu nouveau. Parce que c’est un processus que nous traversons également. Et, à mon avis, la musique – qu’elle ait été créée maintenant ou il y a cent ans ou plus – est toujours le reflet de la société.

Si nous ne comprenons pas cela, comme c’est souvent le cas aujourd’hui, alors la question se pose: nous comprenons-nous? Il s’agit toujours de nous-mêmes. Et se regarder dans le miroir n’est parfois pas aussi confortable, mais important si l’on veut se développer. Oui, c’est un sujet tellement sensible mais important à bien des égards. Mais, bien sûr, l’équilibre du programme peut être atteint par d’autres moyens

Kristīna Poska

Photo: Kaupo Kikkas

Cette fois, à travers vous, nous ferons la connaissance de Lisa Hirsch, une compositrice dont la musique est bien connue dans le monde, nous l’avons rencontrée et également jouée au concours international des compositeurs.Tribune” le contexte. Ce scoreSeuil” (seuil, point de départ – en anglais) récemment joué à Tampere sous votre direction. Quelle est la caractéristique de l’écriture de Lisa Hirsch?

Oui, cette pièce est spéciale pour moi, je l’ai créée en 2017 aux Estonian New Music Days avec l’Orchestre symphonique national estonien et, comme le titre l’indique, elle a à voir avec le début, le bord, le seuil, le début du silence. le son naît tel que nous le percevons dans nos attentes. Il y a aussi une forme de son qui ne peut être décrite ni avec des mots ni avec des mots, mais oui, il s’agit de la relation entre silence et plénitude. Voici les qualités de la musique spectrale, entrer dans les détails, travailler avec les couleurs de timbre, c’est une palette très riche, mais ce qui m’attire le plus c’est que

Hirsch est un architecte très fort de la structure dramatique de la composition, du début à la fin, où, en tant que chef d’orchestre, j’ai la liberté d’improvisation de choisir l’ordre dans lequel les éléments proposés par le compositeur sont disposés ici et maintenant.

Bien sûr, cela s’est déjà produit lors des répétitions, mais le concert propose à nouveau une toute nouvelle version, et pour moi, c’est encore une nouvelle improvisation. Donc, en général, c’est un bon drame, une ligne de développement, mais en même temps – une attention particulière aux détails, aux couleurs, qui caractérise également la qualité de l’écriture du compositeur.

La deuxième symphonie de Sibelius a été jouée régulièrement par notre orchestre symphonique national, notamment sous la direction des chefs estoniens Olari Eltsa et Anu Tali. Le contexte historique, l’éveil national finlandais, la soif de liberté sont souvent mis en avant dans le contexte de cette partition, mais y a-t-il d’autres valeurs à retrouver dans cette musique aujourd’hui?

Oui, cela est souvent souligné, et une tension émotionnelle très forte peut être entendue ici, ce qui est compréhensible, mais Sibelius lui-même ne l’a pas souligné. Quant à mes sentiments, peut-être pas dans un sens stylistique, mais au cœur de cette musique se trouve beaucoup Beethoven, car ils sont tous deux caractérisés par ce chemin de l’obscurité à la lumière. Sibelius a commencé à travailler sur cette symphonie en Italie, et il y a beaucoup d’humeur pastorale dans cette musique, la présence de la nature, comme l’insouciance, mais ensuite – dans la toute première partie de cette symphonie, il entre dans son propre royaume de ténèbres, où il n’y a pas de lumière au bout du tunnel. Bien que ce chemin ne soit pas aussi long ici que dans la Cinquième Symphonie de Beethoven, il l’est également, et la vraie lutte se trouve dans la partie finale, et la deuxième partie, à mon avis, est un message important sur la difficulté apparemment insurmontable de la vie.

Et peut-être en effet, nous les Estoniens ressentons un lien particulier avec la musique de Sibelius, et c’est avec la partie la plus sombre de celle-ci, les Lettons ressentent certainement la même chose, mais nous avons même un nom spécial pour le temps associé à la période sombre avant l’hiver, je ne sais pas comment c’est de l’anglais – peut-être la dépression, le genre d’oppression que j’entends si bien dans la musique de Sibelius.

Et juste il y a un désir extrême d’en sortir, de lutter pour cette lumière, et quand cette lumière apparaît enfin, elle est si brillante que les yeux brûlent littéralement.

Puisque je ne vois pas la nécessité de voir cette symphonie dans le contexte historique d’une nation, mais pour moi c’est le chemin de l’âme humaine, c’est pourquoi des compositeurs proches de moi qui parlent de choses existentielles, essentielles, car ce chemin de l’âme, cette quête de lumière, c’est qui est programmé en nous. Et Sibelius le montre d’une manière si étonnante, allant de cette manière dans toutes ses nuances et ses profondeurs. C’était une longue description, désolé.

Il y avait autrefois une tour radio dans votre ville natale d’Estonie. C’est la semaine du 95ème anniversaire de Latvijas Radio, et nous sommes très heureux et fiers que lors de cet anniversaire, Radio 3 “Klasika” puisse offrir ce concert live. Quelle est votre relation avec la radio et d’autres formats de médias encore plus récents?

Cette relation est certes bonne et agréable, mais en pensant au temps dans lequel nous sommes maintenant, et bien sûr, bien que la radio ne puisse pas remplacer un concert en direct, nous apprécions de plus en plus que nous pouvons encore atteindre un public aussi large – serait-ce la radio , ou la télévision, ou d’une autre manière.

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