Avec septembre ici, cette ruée vers la dernière lie de l’été tire la plupart d’entre nous à l’extérieur. Mais peut-être que la meilleure façon de faciliter l’automne est de mettre fin à ces séjours à la fin de l’été avec une visite dans un musée ou une galerie. Après tout, le soleil n’est pas la seule chose que vous pouvez vous prélasser – Art a toujours prouvé un baume à l’été, à l’automne ou aux esprits d’hiver. Nous avons rassemblé une poignée des meilleurs spectacles pour vous sortir de ce funk de la fin de l’été et dans cet esprit d’anticipation de retour à l’école.
Georges de La Tour: From Shadow to Light at Musée Jacquemart-André
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Paris, France
Lorsque l’on considère comment la lumière a été rendue par des peintres à travers l’histoire, ce sont les maîtres néerlandais et italiens qui obtiennent généralement le plus de temps. Le nom de Rembrandt est toujours à la pointe de la langue, Vermeer n’était pas étranger à un flux de lumière bien placée, et l’utilisation par le Caravaggio du chiaroscuro a abouti à certaines des scènes les plus chargées émotionnellement de la période baroque. Mais Georges de la Tour, un contemporain de Caravaggio, Peter Paul Rubens et Anthony Van Dyck, avait sa propre histoire d’amour avec la lumière. Une exposition dédiée au Français ouvrira le 12 septembre dans le contexte historiquement significatif du Musée Jacquemart-André. Le 19ème Century Mansion a été construit comme résidence pour Edouard André et Nélie Jacquemart, et a tenu sa solide collection de chefs-d’œuvre de la Renaissance et des Flamands et 18 ans et 18 ansème Century French Decorative Arts, dont la plupart sont toujours en vue aujourd’hui. De l’ombre à la lumière Offre une trentaine de peintures qui suivent le développement de la main de De La Tour au cours de sa carrière. Ses expériences avec la lumière prennent le plus souvent la forme de scènes de genre et de représentations symboliques des saints, mais ils suggèrent également une préoccupation avec le temps, le mouvement et l’atmosphère, et comment toutes ces choses ont un impact sur les mondes intérieurs de son sujet. L’exposition est exposée jusqu’au 25 janvier 2026. –Camille Okhio
Une écologie des courtepointes: L’histoire naturelle des textiles américains à l’American Folk Art Museum
New York, NY
Le fil par fil, les conservateurs Emelie Gevalt et Austin Losada démêlent les histoires cachées tissées dans nos textiles les plus aimés. Ouverture le 26 septembre à l’American Folk Art Museum, une écologie des courtepointes défie la façon dont nous voyons ces objets domestiques familiers – pas tout aussi des couvre-coucher ou un travail de grand-mère, mais comme des documents complexes du commerce mondial, de l’impact environnemental et du travail humain qui s’étendent sur des siècles. S’inspirant de la collection du musée de plus de 600 courtepointes, cette exposition retrace des exemples du XVIIIe au 20e siècle pour révéler le réseau complexe de relations entre les champs de coton et les plantations indigo, le travail asservi et le commerce international, et les colorants naturels et les processus de production toxique. De “Blue Gold” des cultures indigo de Caroline du Sud aux modèles mécanisés Chintz qui ont révolutionné les marchés textiles américains, chaque courtepointe raconte plusieurs histoires – des quilters qui les ont cousus, oui, mais aussi des innombrables mains qui ont cultivé, récolté, teint et transporté les matières premières qui ont rendu possible leur art. C’est une enquête éco-critique qui demande quels coûts environnementaux et sociaux ont été cousus dans la forme d’art la plus par excellence d’Amérique. Le résultat est à la fois beau et obsédant, et un rappel que chaque fil nous connecte à un monde plus grand et plus complexe que nous ne pourrions l’imaginer. En vue jusqu’au 1er mars 2026. –Julia Cancilla
Chiharu Shiota: deux pays d’origine à la Japan Society
New York, New York
L’identité peut être aussi impossible à épingler qu’une hydra à plusieurs têtes. Dès que nous nous comprenons, notre moi change. Chiharu Shiota explore l’espace liminal dans l’identité, où qui nous choisissons de rencontrer les parties de nous-mêmes, nous ne pouvons pas changer ou nier. Son spectacle solo Deux pays d’origine à la Japan Society Se sent comme une élégie pour l’expérience japonaise américaine largement variée autant qu’un monument à ses traumatismes et triomphes uniques. L’installation avec laquelle l’exposition partage son titre, prend la forme de deux maisons adjacentes. Dans leurs cadres fantomatiques, le fil rouge explose comme des cellules rompues ou de l’ADN au milieu de la récupération. Cellule parle de l’expérience de Shiota sur la maternité et du diagnostic du cancer de l’ovaire qu’elle a survécu. Agenda impliquait des fac-similés des pages du journal de la Seconde Guerre mondiale par des soldats japonais désireux que leur famille ait un morceau de leur monde interne en cas de mort. Le chagrin et le traumatisme vivent dans nos cellules, comme le montre la récentes bourses. Le travail de Shiota apporte une forme à ces marqueurs génétiques, permettant à leurs racines et déclencheurs d’être examinés et compris au rythme individuel de chaque visiteur. Il s’agit d’une exposition profondément émouvante et malheureusement opportun, car nous assistons aux camps d’internement utilisés initialement pour cage les citoyens japonais-américains réutilisés pour des moyens tout aussi mauvais. Deux pays d’origine Ne fournit pas un chemin particulier à suivre mais plante les graines pour que plusieurs chemins se développent. En vue jusqu’au 11 janvier 2026. –CO
Rich Aybar: Rubberworks à Tiwa Select
New York, New York
Éclairage de Caoutchouc.
Designer Rich Aybar.
J’ai d’abord écrit sur le travail de l’artiste et designer dominicain-américain Rich Aybar en 2022, lorsqu’il a montré avec le directeur créatif Alexander May dans le cadre de sa série de conservation itinérante, size. Ce spectacle a également introduit le travail d’Aybar au galeriste basé à New York, Alex Tieghi-Walker, et c’était le coup de foudre. “Honnêtement, je n’ai jamais vu personne jouer avec du caoutchouc comme le fait Rich”, explique Tieghi-Walker. La plupart des spectateurs seront probablement d’accord. Aybar, un ancien styliste de mode, a présenté son Caoutchouc Série pendant la Milan Design Week dans le cadre d’un spectacle organisé par Valentina Ciuffi et Joseph Grima, fondateurs de la plate-forme de design émergente Alcova. L’exposition de Tiwa Select le voit se développer sur la gamme avec des pièces qui combinent synthétiques et, pour la première fois, en caoutchouc naturel avec de l’acier et un châtaignier récupéré de son pays dans le nord. Il y a une exploration de nouvelles techniques, notamment la menuiserie et le soudage japonaises, qu’il a étudiées plus tôt cette année lors d’une résidence de quatre mois au Armory Art Center à West Palm Beach. Mais c’est l’utilisation désormais signature d’Aybar, qu’il prix pour ses qualités «haptiques», qui invite à l’intrigue et à la déconvisation dans une même mesure. Et c’est précisément l’appel. “Il joue avec l’idée de ce qui est naturel et de ce qui ne l’est pas”, explique Tieghi-Walker. “Et en fin de compte, c’est vraiment très joli.” A vu le 5 septembre au 8 octobre. – dans Santiago
Carol Bove: Nuits de Cabiria à Gagosian
Beverly Hills, Californie
Frottement parallèle par Carol Bove, 2025
Le piédestal et l’art convergent dans les sculptures trompeusement simples de Carol Bove. Nuits de Cabiria explore le patrimoine industriel de Los Angeles, avec des références particulièrement poignantes à son industrie de la fabrication d’armes. Sujets lourds oui, mais Bove est capable de jouer avec eux avec LEGITY. Le précédent officiel facile de son travail serait John Chamberlain. Ils partagent un penchant pour la grande échelle. Mais là où les sculptures de Chamberlain étaient des explorations simples de la valeur et de l’industrialisme, le travail de Bove pourrait potentiellement aborder la structure et le soutien dans un sens plus abstrait. Prêtre Utilise des échafaudages industriels comme base: ce qui est généralement un défaut sur la façade d’une structure ici est célébré et centré. Nuits de Cabiria Présente une vision de la beauté imprégnée de force et d’assistance. En vue jusqu’au 1er novembre 2025. –CO
La chambre de l’alto
New York, New York
La chambre de l’altoPrésenté par The Shed et Punchdrunk, 17 juin – 19 octobre 2025.
En entrant La chambre de l’altoune nouvelle expérience immersive au hangar, les visiteurs sont invités à enlever leurs chaussures et leurs chaussettes, à désinfecter leurs pieds, à mettre une paire d’écouteurs antibruit et à suivre le chemin circuit devant eux. Créée par la société de production Punchdrunk, Viola’s Room est le premier projet de New York de l’équipe depuis leur adaptation immersive Macbeth, immersive, Ne plus dormir. Basé sur une histoire d’horreur gothique, La chambre de l’alto n’implique aucun acteur. Les visiteurs sont guidés à travers l’espace labyrinthique – rampant, courir, courir et retirer le paysage – par la voix d’Helena Bonham Carter et une directive pour «suivre la lumière». Les paysages et les ensembles élaborés sont la principale forme de narration; Ces espaces comprennent une chambre pour adolescents rétro, des couloirs avec des miniatures détaillées, une salle à manger installée pour une fête, et plus encore. C’est étrange et désorientant, mais cela fait partie du point. Et l’expérience met l’accent sur le pouvoir de la conception dans le théâtre. Les ensembles de la chambre de Viola ne font que partie de la narration – ils y sont au cœur. Se déroule jusqu’au 19 octobre. —Annie Goldsmith
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