Savez-vous ce qu’est une aquatinte ? / LR3 / / Radio lettone

L’ingénieur en chef du studio de sérigraphie LONO raconte l’histoire Gents Ozolins

Les questions de gradation tonale ont toujours été d’actualité pour la famille des graphistes. Et pourquoi pas! Alors qu’un peintre remplit la toile d’une ombre mystique, d’un nuage d’orage inquiétant ou d’un visage mystérieusement ombragé d’un seul coup de pinceau, les graphistes doivent pouvoir créer une telle ambiance avec juste une ligne.

Mais n’attendez aucun compromis de la part du graphiste ! Dans la gravure sur cuivre déjà au Moyen Âge, des canons artistiques ont été développés pour le croisement des lignes, la ponctuation, la densité, afin de réaliser le volume de l’espace, le remplissage des zones et les limites de la lumière. Un coup de main pour les maîtres graveurs du XVIIe siècle. la première moitié présente le lieutenant-colonel de Kassel et artiste amateur Ludwig von Siegen inventant la mezzotinte. L’essence de cette technique est la technique de meulage mécanique du cliché métallique, qui offre la possibilité d’améliorer le motif des lignes de gravure avec des zones sombres parfaitement saturées, ainsi que des transitions lumineuses sensuelles.

Il s’avère que l’aquatinte est née pour la première fois en même temps. Oui, ce ne sera pas le premier épisode de la naissance de l’aquatinte, car son premier introducteur a gardé son invention dans le plus grand secret, c’est pourquoi le nom d’un autre artiste est souvent appelé le créateur de l’aquatinte un siècle plus tard.

Mais revenons d’abord à la caractérisation de l’époque de la première naissance de l’aquatinte. Après la création de la République des Sept Provinces Unies en 1588, les régions du cours inférieur du Rhin et de la Meuse connaissent une prospérité sans précédent.

En historiographie, on l’appelle l’âge d’or de la Hollande. Bien que seulement un million et demi d’habitants vivaient dans les sept provinces à cette époque, la nouvelle république contrôlait les routes commerciales maritimes du monde, créait une flotte ambitieuse qui surpassait les flottes combinées d’Angleterre et de France, mais la division confessionnelle servit de base à une grande émigration d’artisans protestants des Pays-Bas espagnols vers la nouvelle république. En peu de temps, d’une petite ville portuaire, Amsterdam est devenue une citadelle mondiale du commerce, de l’art et de l’initiative civique.

Ces conditions historiques ont également influencé les processus artistiques et le marché de l’art de la manière la plus directe.

Fondamentalement, la Hollande construisait une nouvelle identité à partir de zéro – elle était caractérisée par le libre-échange, le pluralisme, l’initiative privée et l’individualisme protestant. Tant dans l’art que dans la société en général, le rôle dirigeant de l’Église a été réduit au minimum.

Un voyageur anglais a observé en 1640 que les murs de presque toutes les maisons de forgerons ou de cordonniers hollandais étaient décorés de peintures. Aujourd’hui, le marché de l’art était incroyablement saturé. Le client de l’œuvre d’art n’est plus l’Église ou le monarque, mais la large couche de la bourgeoisie. Des genres complètement nouveaux, jusqu’alors inexistants, ont émergé dans l’art, tels que la nature morte, les compositions florales, les compositions gastronomiques, la vie paysanne, les paysages avec des animaux, l’observation du travail des artisans et des intérieurs, les paysages urbains et marins. Les formats des peintures étaient petits conformément à la nouvelle situation du marché, à moins de compter les portraits de groupe représentatifs des mairies. Des foires d’art se tenaient régulièrement en Hollande, mais les artistes se spécialisaient souvent dans la peinture d’un genre ou d’un motif particulier. Les grands complots religieux, les canons et les discussions ont disparu de la scène artistique, à leur place le massisme et l’accessibilité de l’art aux masses populaires ont triomphé.

Dans de telles circonstances, la reproduction d’œuvres d’art par des méthodes de timbre était une préoccupation particulièrement reconnaissante, il n’est donc pas surprenant que les œuvres graphiques aient également été populaires en Hollande. En 1643, le lieutenant-colonel Ludwig von Siegen, qui servait à la cour de Hesse-Kassel, s’installa à Amsterdam. Il a donné à l’Europe la technique vitale de gravure tonale de la mezzotinte. Et il n’a pas fallu longtemps pour que quelque chose de similaire soit créé sur la base de la gravure à l’eau-forte.

Le peintre et graveur Jan van de Velde IV (1610, Utrecht – 1686, Haarlem) était l’un de ceux qui appréciaient les nouvelles méthodes et suivaient l’esprit de l’époque. Dans ses œuvres, il a utilisé le procédé de mezzotinte nouvellement découvert, mais il a fini par utiliser la gravure de grains en poudre dans des conditions inconnues de tous. Dans la période de 1651 à 1654, le maître hollandais séjourna à la cour royale suédoise et son portrait de la reine Christine y fut réalisé. Bien que van de Velde n’ait jamais décrit les méthodes de création de son travail, quiconque regarde ce portrait comprendra sans équivoque que ce qui est montré dans l’image n’est rien de plus qu’une aquatinte. Quelques années plus tard, à Amsterdam, Jan van de Velde réalise plusieurs autres portraits dans lesquels il utilise cette technique alors inconnue.

Quelle est donc la caractéristique de l’aquatinte ?

La technologie de l’aquatinte est basée sur les mêmes principes qui ont été introduits par l’artiste souabe Daniel Hopfer d’Augsbourg en 1500, combinant la gravure sur cuivre et la gravure décorative d’une armure de fer. Cette technique utilise une plaque de cuivre poli recouverte d’un vernis résistant aux acides. Un motif est gravé dans cette couche de vernis et gravé dans une solution de sulfate de cuivre ou d’acide nitrique. De cette façon, la ligne est obtenue, tandis que la tonalité de la zone peut être obtenue avec de l’aquatinte. À savoir, la plaque de cuivre est recouverte de poudre de colophane et en chauffant la plaque par le bas avec un chalumeau, la poudre est fusionnée à la surface de la plaque. Chaque particule de poudre de colophane fondue forme une sphère résistante aux acides sur la surface de la plaque, mais les dépressions entre ces sphères sont exposées pour la gravure. De cette manière, un relief négatif est obtenu, ce qui crée une tonalité de couleur continue dans l’impression sur le papier.

Étant donné que Jan van de Velde a gardé son secret commercial derrière sept clés et que personne n’a découvert ce que l’artiste faisait dans son atelier, il a fallu un autre siècle à la famille de graphistes pour atteindre l’objectif souhaité.

La méthode de gravure des grains de poudre a reçu le nom d’aquatinte vers 1770 par le célèbre aquarelliste paysagiste et cartographe britannique Paul Sandby. C’est tout naturellement qu’un membre de la famille des aquarellistes a attiré l’attention sur l’aquatinte, car l’une des tentatives de l’aquatinte était d’imiter la texture de l’aquarelle.

Plusieurs maîtres du graphisme au XVIIIe siècle. au milieu, il est parti à la recherche du “saint graal” des imprimeurs hélio avec un scaphandre autonome. Ce processus a finalement été couronné par les efforts de Jean-Baptiste Leprince (1734, Metz – 1781, Lagny-sur-Marne), élève du galant laqueur François Boucher, graphiste et peintre français. Il montra ses aquatintes au public en 1768 et, dans certains cercles, elles rencontrèrent un véritable enthousiasme. Cependant, comme van de Velde, Leprenz n’était pas pressé de révéler les détails techniques de son invention au grand public. Le célèbre magazine littéraire français Mercure de France s’est beaucoup intéressé à cette affaire, dont les éditeurs espéraient que Leprenz mettrait sa technique à la disposition du public, créant ainsi la possibilité de reproduire les œuvres d’artistes conservées dans des collections fermées ou même de publier toutes les œuvres du Salon annuel de Paris.

Leprince, d’autre part, ne voulait pas montrer un geste philanthropique et continuait obstinément à tenir la bougie sous la dot. Cependant – là où il y a du grain, il y a aussi des souris – et les secrets de l’art de l’aquatinte se dévoilent peu à peu. Ayant compris cette dure réalité de la vie, Leprenz a approché l’Académie française des sciences avec une offre pour lui acheter la technologie de l’aquatinte. Cependant, une telle transaction n’a pas eu lieu et en 1780, Leprenz est allé plus loin – il a publié un catalogue de 30 à 40 exemplaires d’aquatinte avec une description technologique de l’aquatinte.

Malheureusement, Leprince n’a pas obtenu le retour financier qu’il méritait, car un an plus tard, le maître est allé servir les muses dans les ateliers d’impression de l’autre monde.

Pendant ce temps, son animal de compagnie a eu un bref mais brillant éclair de gloire. Le grand peintre et graphiste espagnol Francisco Goya a créé une série d’œuvres graphiques canoniques dans la technique de l’aquatinte – “Whims” (1799), “Terrors of War” (1810-1819), Bullfights (1816) et “Foolishness” (1816- 1823).

Il faut dire que le triomphe de l’aquatinte n’a pas duré longtemps. Suite au procédé de lithographie découvert par le dramaturge munichois Alois Seenfelder au tournant des XVIIIe et XIXe siècles, de nombreuses techniques d’impression hélio, en particulier les tonales, ont perdu leur attrait aux yeux des éditeurs de livres et de journaux et des artistes. Cependant, l’aquatinte a connu une nouvelle vague de popularité en tant que pur moyen d’expression artistique au XIXe siècle. dans la seconde moitié. Dans une large mesure, l’Exposition universelle de Paris en 1867 a servi de stimulant à cela, dans le cadre de laquelle une vaste exposition d’artisanat, d’arts appliqués et de beaux-arts a été organisée par le Japon, qui a mis fin à la politique d’isolationnisme. L’émergence de cette mystérieuse civilisation orientale a laissé une impression non seulement sur les larges masses de la société, mais surtout sur les artistes impressionnistes. L’ancienne technique de gravure sur bois polychrome Ukiyo-e a été admirée, copiée et interprétée. L’artiste franco-américaine Mary Cassatt a adopté les techniques stylistiques de l’art japonais, la palette de couleurs pastel, mais a choisi des méthodes d’estampe européennes – l’eau-forte et l’aquatinte – pour l’élaboration de ses œuvres graphiques. Plusieurs autres impressionnistes ont également commencé à utiliser le procédé de l’aquatinte dans leurs œuvres, parmi lesquels des noms tels que Edouard Manet, Félicien Ropp, Edgar Degas, Camille Pissarro et Jacques Villon.