Le dernier spectacle à marquer la longue saison de célébrations de Sondheim à New York est la délicieuse reprise de « Into the Woods » par Lear deBessonet (au St. James). Le spectacle est né au printemps sous la forme d’Encores loués! production au City Center et, comme Milky-White, la vache sortie de la tombe dans le premier acte, a été ramenée à la vie à Broadway. Si votre cœur sent l’hiver alors que votre chair trop solide fond dans la chaleur accablante, si vous avez été submergé par le malaise du milieu de l’été et le marasme de la fin des temps, si vous pouvez faire face à l’abandon de la politique de masquage de Broadway et êtes prêt à braver le BA.5 renifle, allez le voir. C’est un tonique. Bien sûr, “Into the Woods” a un nombre de corps presque aussi élevé que celui de “Hamlet”, ses personnages étant victimes d’un géant enragé qui, selon votre humeur métaphorique, pourrait remplacer les maux du changement climatique ou du capitalisme , ou la sida crise (qui était en pleine vigueur lorsque la comédie musicale est arrivée en ville, en 1987), ou la pandémie actuelle, ou une autre catastrophe provoquée ou exacerbée par la confusion humaine, l’entêtement et la cupidité. Mais il n’est pas nécessaire de devenir trop fou du symbolisme. Parfois, comme l’a insisté Sondheim, un géant n’est qu’un géant.
Ce que Sondheim recherchait était une histoire de quête, quelque chose d’amusant et de fantaisiste. C’était l’idée inspirée de son collaborateur James Lapine, qui a écrit le livre, de tresser plusieurs contes de fées classiques dans une pièce en deux actes qui commence comme une farce puis prend une tournure vers le tragique. Naturellement, l’homme qui a fait une comédie musicale sur les tartes à la viande humaines avait un goût pour les morceaux les plus méchants des frères Grimm qui sont laissés de côté dans les plats standard de Disney : des orteils coupés saignant dans des pantoufles fantaisie, des princes aveuglés par des épines de bruyère. Cendrillon de Sondheim et Lapine aime parler à de mignons petits oiseaux, comme le fait la version animée, mais ici, les oiseaux picorent utilement les yeux de ses demi-sœurs.
Immédiatement merveilleux, alors que le rideau se lève sur la renaissance de deBessonet, est la vue de l’ensemble frais et simple, conçu par David Rockwell. Il n’y a pas de fosse; les bons musiciens des Encores ! L’orchestre occupe le centre de la scène, avec les acteurs postés le long d’une lèvre peu profonde à l’avant et envoyés en sautillant, ou, dans le cas de la malheureuse Cendrillon (Phillipa Soo), en trébuchant, à travers un bois représenté par des troncs de bouleau qui s’illuminent comme lanternes. Un conte de fées est une chose racontée, comme nous le rappelle le Narrateur (David Patrick Kelly) qui préside à l’action ; sa magie germe mieux dans l’esprit. Sans être fâcheusement méta à ce sujet, le spectacle se délecte de son humanité artisanale. La star furtive ici est le créateur de marionnettes astucieux James Ortiz, qui évoque le géant comme une paire de bottes cloutées de mammouth et a construit un Milky-White étrangement émotif (savamment manipulé par l’acteur Kennedy Kanagawa) à partir d’un peu plus que quelques tranches de carton. Regarder cet animal éminemment faux balancer joyeusement sa tête en papier mâché au rythme de la musique fait bondir le cœur.
Le cœur et ses désirs insensés et insolubles sont le premier grand thème de la série. Tout le monde commence par souhaiter quelque chose : Cendrillon pour aller à un festival au palais ; le garçon envahi par la végétation Jack (Cole Thompson) pour persuader sa bien-aimée Milky-White de produire du lait pour sa famille; et sa mère (Aymee Garcia) pour vendre la malheureuse vache au marché. Le Petit Chaperon Rouge (Julia Lester) veut acheter une miche de pain pour l’apporter à sa grand-mère – en fait, elle préfère le grignoter elle-même – tandis que le boulanger (Brian d’Arcy James), qui le lui donne, veut un enfant. Dommage : lui et sa femme sont stériles, grâce à une malédiction placée sur eux par la Sorcière qui habite à côté (la ravissante Patina Miller). Pour l’apaiser et rompre le charme, le couple se lance dans les bois pour une sorte de chasse au trésor qui les fait entrer en collision avec leurs compagnons fantastiques. Un loup est tué; certains haricots magiques sont échangés ; une jeune fille appelée Raiponce (Alysia Velez) se fait couper les cheveux de manière impromptue. Tout le monde finit par être heureux et chanter à ce sujet. C’est l’acte I. Dans l’acte II viennent les conséquences de tant de réalisations de souhaits, et le deuxième grand thème de la série, le favori personnel de Sondheim : le voyage de l’innocence à la connaissance, le processus ambivalent de grandir. “N’est-il pas agréable d’en savoir beaucoup !” Little Red chante, fraîchement sortie de son aventure dans le ventre du loup. “Et un peu non.”
“Into the Woods” est une pièce d’ensemble, et cet ensemble est formidable et le sait. Il y a une réjouissance collective dans les performances, un charisme particulier partagé. Little Red, au maximum sassifié, de Lester, doté d’une voix émoussée et d’une attitude jusqu’aux oreilles, est un point culminant; le duo de princes vaniteux, interprété par Gavin Creel et Joshua Henry, réussit “Agony” à la perfection. Même lorsque le géant commence à piétiner et que le casting fait boum-squish, vous trouvez toujours des raisons de rire. Mais l’hilarité est tempérée par le drame élevé de la sorcière et une dose de sens sceptique. Le soir où j’ai vu le spectacle, la femme du boulanger était jouée par Mary Kate Moore (en remplacement de Sara Bareilles) avec le pragmatisme ancré d’une femme qui refuse de confondre la réalité avec un conte de fées jusqu’à ce qu’elle découvre qu’elle a été trop aspirée dans un conte de fées pour échapper.
« Quelle est la morale ? / Ça doit être une morale », écrivait Sondheim dans « A Funny Thing Happened on the Way to the Forum », le projet qui lui a appris, en tant que jeune homme, à quel point il est difficile de faire une farce qui vole. Ce spectacle n’en a pas, mais “Into the Woods” est pratiquement une pièce de moralité, rongée par des questions de responsabilité sociale et familiale – de ce que nous nous devons tous les uns aux autres. « Les enfants écouteront » est l’un des adages célèbres de l’émission ; “Personne n’est seul” en est une autre. Ce sont des messages émouvants. Sont-ils chantés dans le vent ?
“La tête qui porte une couronne est mal à l’aise.” Un autre adage – celui de Shakespeare, pas celui de Sondheim, mais Cendrillon peut s’y rapporter. Hésitante sur les marches du palais, elle ne peut choisir entre courir à la maison pour reprendre sa vie de souillarde ou rester et embrasser l’inconnu d’un lit royal : « Alors à l’improviste, / Et sans guide, / Vous savez quelle est votre décision, / Qui n’est pas de décider. Être une princesse ou ne pas être une princesse ? Hamlet aurait peut-être fait mieux pour elle que le prince charmant.
En parlant de Hamlet, il est de retour en ville, tergiversant au Park Avenue Armory dans une production sensationnelle mettant en vedette Alex Lawther et réalisée par Robert Icke. La mise en scène est élégante, avec le fantôme du roi repéré sur les caméras de sécurité, le palais décoré dans un décor moderne du milieu du siècle et l’action rythmée par des airs de Bob Dylan. Le casting est au top. Mais la grande excitation ici est la façon dont Icke, avec un mélange de lecture attentive et d’invention intelligente, révèle de nouvelles richesses dans la pièce, exposant des couches du texte qui sont souvent anéanties par les exigences pratiques de la performance. (Celui-ci dure près de quatre heures.) Et si Rosencrantz et Guildenstern formaient un couple ? Et si Guildenstern (Tia Bannon) était même, comme le suggère Icke, l’ex-petite amie de Hamlet ? Leur trahison est maintenant infiniment plus lourde et flagrante, pas une simple note de bas de page. J’ai été particulièrement frappé par l’accent mis par Icke sur Claudius (Angus Wright) en tant que monarque confiant et machiavélique qui justifie son intérêt personnel au nom de la rationalité. « C’est une faute au ciel, / Une faute contre les morts, une faute à la nature, / Pour raisonner de la façon la plus absurde » n’est pas une bonne chose à dire du chagrin de quelqu’un à la perte d’un père, mais l’homme a un royaume à diriger .
En dehors de l’affaire du meurtre de son frère, Claudius garde la tête froide, une qualité utile chez un dirigeant. Il en fait certainement un meilleur que ne le ferait le prince. Lawther, à vingt-sept ans, est une énergie nerveuse et cérébrale, un Hamlet au sang chaud – un baiser extratextuel juteux avec Ophélie (Kirsty Rider) lui permet d’afficher son côté sensuel. Mince, léger et pâle, avec un menton pointu et des yeux sarcastiques et bridés, il semble extrêmement imprévisible, même à lui-même. Regardez Hamlet après avoir tué Polonius. La grossièreté du meurtre impulsif le déstabilise; il se transforme en un instant en un enfant terrifiant, terrifié. Il y a quelque chose d’inquiétant, voire de redoutable, chez ce garçon magnétique qui ne veut pas agir, même s’il joue tout le temps. Est-ce la vraie vie ou est-ce juste un fantasme ? Hamlet de Lawther le sait à peine, et il nous maintient suspendus à ses côtés dans l’entre-deux nébuleux. ♦
