Art Basel Miami Beach joue la sécurité au soleil

L’édition de cette année de la foire d’art parfois notoire, toujours bien fréquentée, marque le 20e anniversaire de l’événement et est sa plus grande itération à ce jour, remplissant le Miami Beach Convention Center avec 282 exposants de 38 pays et territoires. Et bien qu’il y ait peu ou pas d’œuvres révolutionnaires dans les débats gonflés – il m’a fallu près de huit heures pour me frayer un chemin à travers les cabines labyrinthiques – les compétences techniques et les compositions réfléchies signifient qu’il y a encore beaucoup d’art qui se démarque.

Trouver un message cohérent à travers des dizaines, voire des centaines, d’exposants différents lors d’une foire d’art est difficile, même dans les moments les plus dans l’air du temps, et ce n’en est pas un. Cela dit, l’accent mis sur notre forme physique revient sur plusieurs écrans. L’horreur corporelle cronenbergienne est présente, que ce soit dans des créations plus anciennes comme l’énorme “Naissance” (1984) au crochet de Judy Chicago, exposée par Jessica Silverman et représentant exactement ce qu’elle décrit, ou dans des pièces plus récentes comme celles de Samara Golden présentées par Night Gallery, aux teintes arc-en-ciel. sculptures murales réalisées cette année qui pourraient être des viscères de licorne. Bien qu’elles soient encore corporelles, les œuvres ailleurs sont plus ludiques, comme les sculptures en argile de Jonathas de Andrade à la Galeria Nara Roesler de sections médianes humaines vêtues de maillots de bain perdus qu’il a récupérés au Brésil.

Pour une foire d’art qui se concentre sur le contemporain, il y a plusieurs surprises enrichissantes du passé. Chez DC Moore, « Bayou Fever » (1979) est une série de 21 collages énergiques de Romare Bearden qui raconte l’histoire d’une lutte entre la Conjur Woman et la Swamp Witch. Empreintes de mysticisme et débordantes de couleurs, ces images ont été créées comme point de départ d’une danse que Bearden espérait voir chorégraphiée par Alvin Ailey mais, hélas, n’a jamais vu le jour. Dans le même kiosque, 15 sérigraphies de Jacob Lawrence (1986-97) racontent « La vie de Toussaint L’Ouverture », leader de la Révolution haïtienne. Lawrence a créé plusieurs séries axées sur l’histoire des Noirs – sa “Série Migration” est la plus célèbre, mais d’autres projets ont également porté sur Harriet Tubman et John Brown, par exemple – et ces pièces sont tout aussi convaincantes et immédiates que son meilleur travail. Et chez Hirschl & Adler, le “Chemin de croix” de George Tooker (1984) engage pleinement la technique de tempera influencée par la Renaissance de l’artiste en dépeignant l’histoire sainte sur 14 panneaux centrés uniquement sur les mains du Christ (pour lesquelles le peintre a utilisé les siennes comme des modèles). Le résultat est à la fois classique et moderne, à la fois religieux et profane.

La curation intelligente est également à l’honneur sur plusieurs stands. Le premier d’entre eux est l’espace de Kavi Gupta qui présente plusieurs artistes jouant avec l’histoire de l’art, quoique dans des styles très différents. “Nos cheveux ont toujours été le problème” (2022) d’Arghavan Khosravi, dans lequel une femme nous regarde, ses cheveux sur le point d’être coupés par une guillotine, est un commentaire puissant et opportun sur la place des femmes dans l’Iran. pays d’origine de la peintre née, et le jardin délicatement rendu derrière elle rappelle la peinture miniature persane. À proximité, le portrait tondo aux couleurs vives de Tomokazu Matsuyama utilise un langage visuel tiré de la culture pop contemporaine et du manga japonais tout en faisant un clin d’œil aux compositions de la Renaissance, et le textile mural de Suchitra Mattai combine des saris vintage et des broderies pour lutter avec l’histoire coloniale tout en s’inspirant de la tradition de la tapisserie européenne. A noter également l’exposition d’Annely Juda Fine Art qui juxtapose les nouvelles œuvres du céramiste japonais Raku Jikinyū aux dessins géométriques centenaires de Kasimir Malevich qui les ont inspirés. Un coup d’œil sur ces pièces concurrentes mais complémentaires effondre les trois dimensions en deux, seulement pour avoir un autre regard inverser le processus et faire exploser le plan en une forme volumineuse.

Comme c’est la norme dans les foires, la peinture engageante est omniprésente ici – chez Peres Projects, “Untitled (A Young Boy in Forest)” de Shota Nakamura est une représentation pastorale du personnage titulaire lisant dans la nature qui est rendue dans des teintes vertes et ocres à la Gauguin. ; Le néo-surréaliste d’Astrid Terrazas “Wishing We Could’ve Packed Our Doorframe” au PPOW regorge de détails autobiographiques, de symboles religieux et de folklore mexicain; chez Pilar Corrias, l’abstraction frénétique de Manuel Mathieu semble respirer, et si vous la fixez juste, une figure commence à émerger qui semble tirée des cauchemars de Francis Bacon ou de Lucian Freud.

Mais le travail le plus passionnant à Miami est en trois dimensions. Les totems incrustés de sable d’Oren Pinhassi sur le stand d’Edel Assanti nous accueillent comme des Brancusis qui viennent de faire un long voyage à travers le désert. À Travesía Cuatro, un morceau d’argile grossièrement taillé pousse d’élégantes frondes orange comme s’il s’agissait d’une sorte de champignons extraterrestres dans la “Tunnel Boring Machine” de Teresa Solar. L’installation d’Eduardo Sarabia de poteries mexicaines et de caisses d’expédition sur mesure à OMR est instantanément enchanteresse, mais en y regardant de plus près, les œuvres regorgent de nombreuses références allant de l’expérience des immigrants et de la culture narco aux boîtes Brillo de Nafta et Warhol. Les dioramas miniatures de Curtis Talwst Santiago dans des boîtes à bijoux récupérées, exposés à Rachel Uffner, explorent la vie noire dans les moindres détails et justifient un look lent (les loupes sont incluses !).

Et le « monument inversé » de Do Ho Suh à Lehmann Maupin est ce qui se rapproche le plus d’un spectacle à la foire de cette année : un socle massif avec une figure à l’envers enfermée à l’intérieur remet en question les notions traditionnelles de culte des héros, tandis que les brins de plastique délicats qui constituent l’œuvre le faire paraître léger comme l’air. Pour une foire d’art – et un lieu – connu pour le spectacle, c’est une pierre angulaire tranquille, mais qui prouve que l’extravagance n’est pas le seul moyen d’attirer l’attention, même à Miami Beach.

-M. Kelly est la rédactrice adjointe du Journal Arts in Review. Suivez-le sur Twitter @bpkelly89.