5 albums de musique classique à écouter dès maintenant

Elision Ensemble (Huddersfield Contemporary Records)

Au cours de la dernière décennie, la réputation de la compositrice australienne Liza Lim n’a cessé de croître, avec une musique de chambre et albums d’orchestre sorti sur des labels de musique expérimentale de premier plan comme Wergo et Caire.

Chanter en langues” collectionne la musique vocale et d’opéra écrite par Lim entre 1993 et ​​2008 – le tout traité de manière persuasive par ses collaborateurs de longue date de l’ensemble Elision. La première pièce ici est une interprétation abstraite de « The Oresteia ». Ses techniques étendues aérées, des bribes d’harmonie vocale lumineuse et des explosions sonores noueuses d’ensemble donnent une idée de l’approche de Lim du drame musical : il s’agit plus de voyager entre les timbres que de passer d’un point d’intrigue à un autre.

Cette approche est restée remarquablement cohérente, mais cela ne veut pas dire qu’elle n’a pas évolué. La pièce la plus récente de l’album – “The Navigator”, qui conclut cet ensemble – est un magnum opus d’invention glissante et sinueuse. Des fragments de l’œuvre ont été disponible sur YouTube, dans la mise en scène de Barrie Kosky. Mais ce premier enregistrement audio complet révèle la maîtrise de Lim de son style. Au fur et à mesure que la pièce progresse d’un prologue écrit pour une flûte à bec alto « Ganassi » à l’ouverture dirigée par la guitare de la première scène (« The Unwinding »), ses talents de dramaturge d’avant-garde sont pleinement mis en évidence.
MURS DE REFROIDISSEMENT SETH

La récente vague de coffrets d’archives dédiés aux chefs d’orchestre a eu tendance à rappeler douloureusement à quel point le répertoire de certains artistes majeurs a été restreint après la Seconde Guerre mondiale – avec des conséquences durables pour le domaine. Mais ces deux collections alléchantes font exception à la règle.

Igor Markevitch, figure polyglotte et cosmopolite né à Kiev de l’empire tsariste tardif mais installé à Paris, fut un compositeur majeur avant de monter sur les podiums après la guerre, au grand dam de Nadia Boulanger. Il a suivi une formation de chef d’orchestre auprès de Pierre Monteux et Hermann Scherchen, partageant vivacité et élan rythmique avec le premier et clarté et incision avec le second.

«Mon répertoire s’étend de Purcell à Dallapiccola», a déclaré Markevitch en 1957; pour lui, la « polyvalence » était cruciale pour qu’un musicien comprenne d’où venait réellement Stravinsky, l’un de ses favoris. Donc, avec merveilleusement dynamique Haydn, engagé Beethoven avec pas une once de lourdeur et un Tchaïkovski cycle qui a rarement été dépassé depuis sa création dans les années 1960, ces cases trouvent Markevitch en tête Victoria, Berwald et La moitié, ainsi que d’explorer des sites moins connus Stravinski et même l’histoire de zarzuela. Tout est frais, vivant, essentiel, c’était un vrai chef d’orchestre.
DAVID ALLEN

Projet d’orchestre moderne de Boston ; Gil Rose, chef d’orchestre (BMOP/son)

En plus de défendre les compositeurs vivants, le Boston Modern Orchestra Project, dirigé par son directeur fondateur, Gil Rose, attire depuis 25 ans une attention renouvelée sur les Américains du milieu du XXe siècle, comme dans cet enregistrement exceptionnel d’œuvres de Walter Piston (1894-1976 ).

La plus grande découverte ici est le Concerto pour orchestre de 1933 de Piston, qui reçoit son premier enregistrement. Piston est généralement regroupé avec des compositeurs qui se sont inspirés des styles néo-classiques américains. Pourtant, des éléments de modernisme hérissé parcourent souvent ses partitions, comme dans ce concerto. Il s’ouvre sur un premier mouvement en marche et vibrant, suivi d’un scherzo entraîné par des séquences à mouvement perpétuel pour les cordes.

Le captivant troisième mouvement commence de façon inquiétante, avec une passacaille apparemment lugubre, le thème joué bas et hésitant par un tuba. La musique devient plus sombre, plus insaisissable et texturée, avec chaque variation à mesure que les instruments entrent, augmentant progressivement en intensité jusqu’à ce qu’un choral calme les choses, conduisant à un allegro prolongé animé d’un contrepoint industrieux. L’album comprend un Divertimento pour Nine Instruments influencé par Stravinsky; un concerto pour clarinette pointilliste et guilleret, avec Michael Norsworthy comme soliste; et le premier enregistrement de Variations on a Theme d’Edward Burlingame Hill.
ANTHONY TOMMASINI

Arianna Vendittelli, soprano ; Ensemble Abchordis; Andrea Buccarella, clavecin et chef d’orchestre (Naïve)

Il s’agit du dernier volet de la vaste édition Vivaldi sur Naïve, qui capture un énorme trésor de partitions du maître et devrait culminer en 2027, l’année avant son 350e anniversaire. Dans une chronique mensuelle plus tôt cette année, j’ai écrit sur un album de madrigaux de chambre du début du XVIIe siècle par Sigismond d’India ; ces « cantate per soprano » de Vivaldi, datant d’environ un siècle plus tard, sont une excroissance de cette forme. Alors que le sujet est toujours l’amour, dans les décors contemporains et anciens, la poésie que Vivaldi met dans ses alternances à plusieurs voix de récitatif et d’airs est plus piétonne ; il compense par l’éblouissement vocal accru du haut baroque.

La virtuosité ne pose aucun problème à la soprano Arianna Vendittelli — son timbre flottant, mais aussi agile et énergique. Accompagné de façon intime par Andrea Buccarella et l’Ensemble Abchordis, Vendittelli est sensible aux différents états d’âme de ces six cantates : la mélancolie rêveuse de « Aure, voi più non siete » ; la légèreté décoiffée de « Tra l’erbe i zeffiri » et « La farfalletta s’aggira al lume » ; le tiret de « Si levi dal pensier » ; et la grandeur brûlante de « Sorge vermiglia in ciel la bella Aurora », le clou de l’album.
ZACHARY WOOLFE

(Liberté de dépenser)

Cette année s’est avérée enrichissante pour les fans de la chanteuse, compositrice et artiste visuelle Pamela Z. Malgré de nombreuses annulations de représentations en raison de la pandémie, elle a apporté de nouvelles œuvres au Prototype Festival de New York et à la radio allemande. Elle a également publié son deuxième enregistrement solo complet, “A Secret Code”, tandis qu’une de ses pièces a été incluse sur un album de compilation produit par le Resonant Bodies Festival.

Et il est temps pour une autre offre de cet expérimentateur chevronné. “Écholocalisation», son enregistrement sur cassette, épuisé depuis longtemps, de 1988, a été réédité sous l’empreinte Freedom to Spend. Ses morceaux incluent des premières prises gagnantes de morceaux comme le bavardage « Badagada » et l’assemblage de listes de poèmes « Pop Titles ‘You’ » – qui sont tous deux des piliers de son répertoire. Mais le reste de l’ensemble offre un regard rare sur cette période moins documentée de sa pratique.

Compte tenu de son habileté à jouer en boucle et à se concerter en solo, c’est un régal de l’entendre en mode chef d’orchestre. Le morceau « I Know » présente des synthétiseurs interprétés par Donald Swearingen ; ces motifs de clavier suggèrent une affinité à la fois pour la nouvelle vague des années 1980 et pour certains Philip Glass des années 1970. Et pendant « An In », la programmation de batterie squelettique de Bill Stefanacci se connecte à la pop progressive de l’époque. Comblant ces divers points de référence, comme toujours, la propre technique vocale virtuose de Z, qui intègre à la fois sa formation de bel canto ainsi que son écoute éclectique, à travers les genres.
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